Sim, eu gosto de cultura pop

Meme: Ator e atriz preferidos

2012-01-31T12:44:00.000-02:00

Não preciso nem pensar para responder sobre a minha atriz preferida. Ninguém viaja mais de 500 quilômetros somente para assistir a uma peça de 60 minutos com uma das atrizes mais respeitadas desse país se realmente não for fã. Minha admiração por Fernanda Montenegro começou nos anos 80 com novelas como Cambalacho e Rainha da Sucata. E, desde então, só foi crescendo. Especialmente depois do filme Central do Brasil, ond,e merecidamente, ela se tornou a primeira sul-americana e brasileira a ser indicada ao Oscar de Melhor Atriz. Perdeu. Mas isso não a diminui. Ao contrário, de lá pra cá, participou em várias produções internacionais e entregou uma de suas composições mais conhecidas na TV, a Bia Falcão, de Belíssima (virando meme na internet, com direito a emoticons e bordões inesquecíveis: Pobreza pega!). Com 84 anos, Fernanda demonstra uma lucidez, um domínio corporal e uma cultura, inexistentes em qualquer outra atriz do mundo. Sem dúvida, a minha preferida.

Com os homens, eu também escolhi um das antigas. Jack Nicholson, para mim, é a versão masculina de Montenegro em todos os níveis. Suas sobrancelhas inconfundíveis e ar insano conferem a Jack uma peculiaridade ideal para interpretar seus tipos. Único a ator a possuir três estatuetas do Oscar (duas de Melhor Ator e uma de Ator Coadjuvante) é um dos únicos atores de sua geração a se envolver em projetos sérios, dignos de serem considerados para premiações. Sua vida conturbada e promíscua, acrescentam um ar de ainda mais curiosidade e exotismo à sua personalidade. Particularmente, é um dos poucos atores que ainda me fazem aguardar ansiosamente por um novo projeto. Suas melhores interpretações estão em Um estranho no ninho, O iluminado, Os infiltrados (observem o terror expresso no rosto de Leonardo Di Caprio toda vez está contracenando com Jack) e Melhor é impossível, papel que lhe rendeu seu último Oscar. Nicholson é um ator que deve ser respeitado e reverenciado quantas vezes forem necessárias.

Um mês, 31 filmes! Dia 5 - Atriz e ator preferidos

PGA, DGA e SAG: Vencedores

2012-01-30T16:13:00.001-02:00

Nas últimas duas semanas, os principais Sindicatos Americanos têm anunciado seus vencedores, o que pode ser encarado como um termômetro quase infalível do que irá acontecer no Oscar 2012. Assim, temos os Sindicatos dos Produtores, dos Diretores e dos Atores.

Para os Produtores da América, as melhores produções do ano foram:

Melhor Filme
‘O Artista’

Melhor Filme de Animação
‘As Aventuras de Tintin – O Segredo do Licorne’

Melhor Drama (Televisão)
‘Boardwalk Empire’

Melhor Mini-Série ou Telefilme (Televisão)
‘Downton Abbey’

Melhor Comédia (Televisão)
‘Modern Family’

Os diretores também anunciariam os seus preferidos. Vale lembrar que desde 1948 (data que os DGA foram criados), que só por seis vezes é que o vencedor dos DGA não correspondeu ao dos Óscares, dando assim uma vitória quase certa a ‘O Artista’ em mais uma das categorias principais do Oscar.

Melhor Produção
Michel Hazanavicius por ‘O Artista’
Melhor Documentário
James Marsh por ‘Project Nim’
Melhor Série Dramática
Patty Jenkins por ‘The Killing’, episódio “Piloto”
Melhor Série de Comédia
Robert B. Weide por ‘Curb Your Enthusiasm’, episódio “Palestinian Chicken”

Já o Sindicato dos Atores fez uma verdadeira confusão com relação aos principais vencedores do ano. Se para os diretores e produtores, O Artista é o melhor, os atores (o maior número de votantes ao prêmio) não estão tão certos em relação a isso. Ao elegerem Histórias Cruzadas como o Melhor Elenco e ainda darem o prêmio de interpretação para Violas Davis e Octavia Spencer, acenaram que o filme mudo, francês e preto e branco pode não ser tão favorito assim.

Televisão

Elenco de Série Dramática
Boardwalk Empire
Ator de Série Dramática
Steve Buscemi, por Boardwalk Empire
Atriz de Série Dramática
Jessica Lange, por American Horror Story
Elenco de Série Cômica
Modern Family
Ator de Série Cômica
Alec Baldwin, por 30 Rock
Atriz de Série Cômica
Betty White, por Hot In Cleveland
Ator de Telefilme ou Minissérie
Paul Giamatti, por Too Big To Fail
Atriz de Telefilme ou Minissérie
Kate Winslet, por Mildred Pierce
Equipe de Dublês em uma Série
Game of Thrones

Cinema

Elenco de Filme
The Help/Histórias Cruzadas
Ator
Jean Dujardin, por The Artist/O Artista
Atriz
Viola Davis, por The Help/Histórias Cruzadas
Ator Coadjuvante
Christopher Plummer, por Beginners
Atriz Coadjuvante
Octavia Spencer, por The Help
Equipe de Dublês
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2

Meme: Melhor Diretor

2012-01-30T14:43:00.001-02:00

Aqui não há dúvidas. Meu diretor favorito é Stanley Kubrick.

Desde o primeiro filme que eu vi dele, "Nascido para matar", foi paixão à primeira vista. A abordagem daquele jovem sofrendo a perseguição por parte de um superior foi suficiente para ver que eu estava diante de alguém grandioso. Depois veio "O iluminado" e isso só se concretizou. Kubrick dialoga de uma forma diferente da que Capra e Allen conseguem me atingir. Ele me afeta como um todo. Não passo incólume a nenhum de seus filmes e não importa quantas vezes eu os assista, sempre me arrebatam de um jeito ou de outro. Nenhum outro diretor foi capaz de me conquistar tanto. Seja pelo seu jeito metódico, quase doentio, seja pela sua maneira de abordar o cinema de uma forma peculiar, Kubrick será sempre um dos grandes. Por essa razão, é o meu diretor preferido.

Um mês, 31 filmes! Dia 4 - Melhor diretor

Precisamos falar sobre o Kevin (We Need to Talk About Kevin EUA / Reino Unido , 2011 - 112 min.)

2012-01-29T16:34:00.000-02:00

Mães são uma peça fundamental na vida de seus filhos. Seus comportamentos podem ditar muito do que seus rebentos serão no futuro. O comportamento subversivo de alguns são facilmente explicados quando debruça-se sobre o relaciomento que estes tiveram com seus filhos. Na época do atentado em Columbine, a escritora Lionel Shriver fez uma extensa pesquisa sobre alguns acontecimentos e escreveu sua obra Precisamos falar sobre o Kevin. E, como não era de se espantar, que uma obra como essa fosse adaptada para o cinema. O que não podia se prever é que o resultado final fosse lá uma Brastemp.

Tenho lido em diversos locais sobre este ser um filme assombroso, incômodo, desconfortável. Alguns chegaram à compará-la em níveis de soco no estômago a Requiém para um sonho. Sinceramente, achei tudo muito exagerado. Precisamos falar sobre o Kevin é muito mais um filme de atores que de fato um excelente filme.

Eva (Tilda Swinton) mora sozinha e teve sua casa e carro pintados de vermelho. Maltratada nas ruas, ela tenta recomeçar a vida com um novo emprego e vive temorosa, evitando as pessoas. O motivo desta situação vem de seu passado, da época em que era casada com Franklin (John C. Reilly), com quem teve dois filhos: Kevin (Jasper Newell/Ezra Miller) e Lucy (Ursula Parker). Seu relacionamento com o primogênito, Kevin, sempre foi complicado, desde quando ele era bebê. Com o tempo a situação foi se agravando mas, mesmo conhecendo o filho muito bem, Eva jamais imaginaria do que ele seria capaz de fazer.

Tilda Swinton está em um dos melhores filmes de sua carreira e ganhou, merecidamente, diversos prêmios nesta temporada. Foi apenas preterida pelo Oscar em favorecimento de Rooney Mara, mas isso é outra história. Neste filme, Swinton exercita toda a sua técnica interpretativa e demonstra em sua feição, em seus gestos, em seu corpo, cada sentimento sofrido, cada dor oculta, cada repulsa ao ato de ser mãe, cada tentativa de ser carinhosa. Um trabalho memorável, digno e que dificilmente será superado por outra atriz em papel semelhante.

Na outra ponta do vértice, há Ezra Miller, muito jovem e ainda assim competente em compor um personagem desequilibrado, mas ao mesmo tempo, dotado de sensualidade. Grande mérito do filme também é dele.

O que não ajuda é a direção pesada e levemente equivocada de Linne Ramsey. A diretora transforma uma trama densa e dramática em algo ainda mais denso e dramático desnecessariamente. Muitas escolhas foram feitas penas para tornar o filme com aspecto mais cult e indigesto. Só não descamba para a novela mexicana devido a seus atores.

Uma temática tão intensa merecia uma abordagem mais competente. No fim das contas, Precisamos falar sobre o Kevin é apenas um bom filme com ótimos atores. Nada além disso, nem mais profundo.

Meme: Sessão da tarde inesquecível

2012-01-29T09:43:00.001-02:00

Puxa, este, até o momento, foi o mais complicado. Sou uma verdadeira cria da Sessão da Tarde. Minha paixão por cinema começou com aqueles filmes de aventura e ação inofensivos. Quer dizer, nem tão inofensivos assim. De volta para o futuro, Os goonies, Tudo por uma esmeralda, A cura. Analisando esses títulos, percebo que eles passavam longe da bobeira total é a melhor definição para o cinema que diverte pensando. Contudo, entre tantos títulos, a Sessão da Tarde inesquecível é esta pequena obra-prima produzida por Steven Spielberg e dirigida por Joe Dante chamada Gremlins. Confesso que, no começo, eu tinha um pouco de medo daqueles bichinhos nojentos e assustadores. Afinal, eu era uma criança na época. Na época, também, não tinha a bagagem necessária para compreender a metalinguagem, o humor negro, a crítica social. Mas nada disso foi relevante. Adorava o Gizmo. Queria um bichinho fofo daqueles para mim (e ainda quero, ok? Fica a dica de um presente aí. 29 de outubro tá chegando). Além disso, foi a primeira vez que entendi a importância de obedecer as regras (do contrário, você poderia ter bichinhos bem monstruosos e sádicos em sua casa). Até hoje, quando sei que esse filme vai passar, arrumo meu tempo, sento no sofá e me divirto com eles. Claro que, atualmente, a experiência é completa por alcançar todas as referências deixadas no longa. E como esquecer a trilha marcante do filme? Deixo vocês com ela então...

Um mês, 31 filmes! Dia 3 - Sessão da tarde Inesquecível

Natalie Imbruglia + Rouge = Dilacerar-se é uma ilusão

2012-01-28T13:34:00.001-02:00

Fazia tempo que eu não postava nada sobre essa sessão que tanto gosto. E hoje resolvi ressuscitá-la.

Sou uma cria dos anos 90. Minha adolescência foi nessa década, então, tenho um grande conhecimento da música pop desse tempo. E um dos grandes hits, lançado em 1997, foi "Torn", da Natalie Imbruglia. É, sem dúvida, uma das canções que marcou muito aquela fase tão turbulenta da minha vida.

A história de um homem que no início se apresenta doce, gentil, perfeito e, aos poucos, vai se transformando em alguém totalmente diferente a ponto de dilacerar o coração da jovem é cantada em versos únicos, com uma batida inconfundível. É praticamente impossível não se apaixonar pela canção ao escutá-la pela primeira vez. Portanto, se vocês não a conhecem, segue abaixo o vídeo com o clipe fofíssimo.

Bom, e daí é que entra a velha lambança nacional de transformar qualquer música internacional de sucesso em uma versão em português pra lá de pavorosa. O responsável por dessacralizar essa importante canção e promover a esculhambação nacional foi o grupo Rouge. Lembram delas? Pois é, o grupo formado pelo reality show Popstar do SBT conseguiram o impossível: deixaram a letra de "Torn" algo pavoroso. Em português, virou "O amor é ilusão". São versos de verdadeira poesia. Observem: "Nossa história em cartas de tarô / Acende a luz no seu olhar / Me prometendo amor". Se na letra original isso soa super bem, em português beira o risível.

Não vejo problemas em versões (sim, eu vejo). Mas elas devem ser bem cuidadosas, especialmente se a canção é um verdadeiro hit. E outra, o idioma inglês tem uma musicalidade maior que o português. Por isso, frases que ficam lindas na linguagem do Tio Sam, acabam virando piada no idioma de Camões.

Meme: Melhor sequência inicial e melhor sequência final

2012-01-28T11:44:00.000-02:00

Ess até que foi fácil.

Para melhor sequência inicial eu nem precisei pensar muito. Há séculos que a abertura de Closer - Perto Demais me fascina profundamente. A singeleza da música de Damien Rice, "The blower's daughter", somada à passagem lenta do nome do filme com letras de um vermelho muito intenso contra um fundo preto e o rosto de uma Natalie Portman sorridente, de cabelos rosa, olhando para um Jude Law igualmente surpresa é absurdamente genial. E é também a fala inicial de um filme que eu mais gosto: "Hello, stranger".

Para sequência final eu nem precisa pensar também. Desde a primeira vez que assisti a Crepúsculo dos Deuses, o close final de Norma Desmond é, sem sombra de dúvida, a melhor cena de encerramento de um filme. Há tanta coisa envolvida nesse final: a metalinguagem, a loucura, o devaneio, o desespero por voltar a ser alguém, o brilho esquecido e apagado de alguém que um dia foi brilhante. Sem dúvida, um final memorável.

Menção honrosa à dois filmes de Kubrick: a abertura de 2001: uma odisseia no espaço (os macacos encotrando o monolito e o osso sendo jogado ao ar) e ao final de De olhos bem fechados (Nicole Kidman pedindo para trepar é o ápice).

Um mês, 31 filmes! Dia 2 - Melhor sequência inicial e melhor sequência final

Meme: O filme da minha vida

2012-01-27T09:33:00.001-02:00

E daí que eu estava quieto no meu canto, mas o Alan Raspante, do Satélite Assassino e do Aquele amor de cinema, não ficou muito feliz com a minha quietude e decidiu me convidar "pessoalmente" para participar de um meme que a grande maioria dos blogs dedicados à sétima arte vêm aderindo. Como eu falo sobre cultura pop e procuro estar atento aos grandes movimentos internético-blogueiros, cá estou eu preparando a minha listinha para o projeto "Um mês, 31 filmes!". Além de revelar um pouco mais sobre os meus gostos cinematográficos aos leituros do SEGDCP, é a minha oportunidade de rever as minhas preferências e, talvez quem sabe, em uma espécie de divã eletrônico, compreender um pouco mais sobre mim mesmo. Uau, adorei isso.

E o primeiro item da lista é "O filme da minha vida". Quem me conhece sabe que sou incrivelmente inconstante. Durante vários anos, o filme mais importante da minha vida mudou muito. O posto já foi ocupado por obras como O show de Truma, O talentoso Rippley, Moulin Rouge, As horas, O mundo de Andy, Beleza americana... Puxa, foram tantos. Mas aquele que permaneceu (e ainda permanece) em primeiro lugar é O segredo de Brokeback Mountain. Filmes gays existem aos montes. É praticamente um sub-gênero. No entanto, a história sobre dois jovens cowboys no Wyoming que se apaixonam e vivem uma intensa/trágica história de amor, ultrapassa qualquer nicho específico e se firma como uma das grandes obras cinematográficas do nosso século. Um retrato dolorido e sincero sobre o amor, seja ele hetero ou homo. É uma produção que força a reflexão sobre o verdadeiro sentido sobre a intolerância, sobre a falta de amor ao próximo, sobre como somos cruéis uns com os outros. Assisti a esse filme em um cinema praticamente vazio em 2005. Chorei copiosamente, é verdade. Ang Lee e o primoroso roteiro de Larry McMurtry e Diana Ossana calavam fundo em minha alma, em questões que até o momento eu teimava em não dar voz. Vi-me refletido no personagem de Heath Ledger, em um trabalho fantástico de interpretação. Foi somente ao ver isso que consegui compreender que, de fato, o amor é uma força da natureza e sou incapaz de domar todo esse furor natural. Engraçado que sempre digo: se quer me entender melhor, veja tal filme. Hoje, eu digo a vocês: se quiserem me compreender melhor, vejam O segredo de Brokeback Mountain.

Um mês, 31 filmes! Dia 1 - Filme da Minha Vida

Tudo pelo poder (The Ides of March EUA , 2011 - 101 min.)

2012-01-26T11:20:00.002-02:00

Ah, Ryan Gosling! O que os nossos corações solitários e suspirantes podem fazer diante de tão imagética presença? Desde Diário de uma paixão já damos vários sussurros no escuro do cinema e, de lá para cá, você só tem provado o quão versátil e talentoso é. Com Tudo pelo poder, o ator só vem confirmar o óbvio: é um dos melhores de sua geração. E o não reocnhecimento da Academia pelo melhor ano de trabalho dele, não quer dizer muita coisa. Há algum tempo deixei de levar a Academia a sério.

Tudo pelo poder é um denso thriller político, no qual o seu diretor, George Clooney está se tornando um especialista, vida a incursão dele ao gênero em Boa noite, boa sorte. A mira agora são as campanhas políticas e como estas podem ser sujas e trágicas.

O roteiro é baseado na peça Farragut North, de Beau Willimon e a trama se passa em Des Moines, Iowa, algumas semanas antes de o partido democrata, o mesmo de Obama, escolher seu candidato para concorrer à presidência dos Estados Unidos. O foco da narração é o idealista diretor de comunicação Stephen Myers (Ryan Gosling), em campanha para que o governador Mike Morris (George Clooney) vença as primárias. Em questão de dias, derrotado pelo jogo político e por revelações íntimas, o idealismo de Stephen é reduzido a zero.

É um jogo já conhecido há séculos por quem trabalha na máquina política. Tudo é realizado, não pelos próprios candidatos, mas pelos ideias das pessoas que os cercam. Um político nunca está só. Há muito dinheiro e muito poder em jogo para deixar as decisões do voto nas mãos do povo. E filme escancara isso com certo espanto, como se isso fosse uma grande novidade e não algo de conhecimento desde a Idade Média quando títulos de nobreza eram concedidos aos aliados.

O longa mostra uma firmeza ainda maior na direção feita por Clooney. É notável a evolução do ator como diretor a cada longa. Sua busca por ângulos inusitados só mostra seu empenho em oferecer ao espectador um novo ponto de vista sobre a história apresentada.

O elenco é absolutamente soberbo. Gosling é outro cada vez mais seguro de seu papel como ator. É perceptível em seu rosto o declínio de seus ideais e da perda da inocência. Em sua voz transpassam todos os sentimentos contidos e velados do jogo baixo culimando na tragédia que se anuncia. Outro igualmente superior, mas isso nem é mais novidade, é Phillip Seymour Hoffmann. A cada criação desse fantástico ator, fico absolutamente arrebatado com o tamanho do talento dele.

Durante sua pouco mais de uma hora e meia, o espectador vê-se diante de um escândalo político feito nos bastidores, onde, segundo Clooney, a única saída é a fatalidade. Naturalmente, trata-se de um filme feito por um homem que se decepcionou um pouco com seu atual presidente. Isso reflete no tom quase cínico abordado, cedendo ao horror da descoberta de algo tão recorrente. Isso tira um pouco a força do longa. Mas, depois de ser arrebatado pelo brilhantismo de Gosling, as ideologias políticas ficarão em segundo plano. Especialmente se você apreciar a produção apenas como um bom entretenimento e não algo capaz de mudar o mundo.

Meia-noite em Paris (Midnight in Paris Espanha/EUA , 2011 - 100 min.)

2012-01-25T13:52:00.001-02:00

Em uma dessas discussões sobre cinema que costumo ter com os meus amigos mais achegados (não tenho esse tipo de discussão com gente que eu não conheço muito bem), acabamos caindo em Woody Allen. Uma amiga argumentou que, por melhores que sejam os filmes atuais do novaiorquino, nenhum deles consegue recuperar o brilho e a genialidade dos anos 70 e 80. Ela pode até ter razão em partes. Porém, quando olho para Match Point, Vicky Cristina Barcelona e este novo Meia-noite em Paris, sou obrigado a discordar.

A mais nova incursão europeia de Allen é na cidade Luz, capital da França. Paris esta tão cheia de cultura e intelectualidade que somente o fato de estar nos faz sentir um pouco mais inteligentes que o normal. E é por essa atmosfera que Allen entregou um dos seus mais tocantes e inventivos filmes.

Owen Wilson (mandando ver e muito bem, por sinal) interpreta Gil, roteirista de Hollywood que está passando férias em Paris com a família da noiva, Inez (Rachel McAdams brilhantemente insuportável). Gil sempre retorna à Paris, pois, segundo ele, apenas lá é possivel ligar-se à "grande arte". Seu grande desejo era viver na Paris de 1920, quando figuras como F. Scott Fitzgerald e Pablo Picasso perambulavam pelas ruas, ateliês e ruelas. Misteriosamente, após uma decepção com a noiva e um pileque, Gil acaba sendo transportado para essa Paris onírica e passa a contracenar com seus grandes ídolos intelectuais.

O roteiro de Allen lança mão do realismo fantástico para discutir a função de Paris no imaginário coletivo americano e para jogar luz sobre o papel da arte. No primeiro caso, era em Paris que os grandes artistas sem muito crédito nos Estados Unidos se refugiavam para conseguirem continuar com a sua arte (o próprio Allen é um deste ao refugiar-se na Europa para conquistar o financiamento de seus filmes já que não o conseguia em sua própria pátria). No segundo caso, o filme defende a ideia que a arte não é um mero artigo de museu ou um banco de dados sobre os quais vomitamos várias informações sobre estilos, datas e técnicas. A arte é, antes de tudo, uma experiência a ser vivida intensamente. De nada adianta saber todos os detalhes técnicos sobre uma escultura ou uma pintura ou uma obra literária se esta não for capaz de te tocar profundamente, atingir o seu âmago.

Neste aspecto, é sintomático quando Gil chama o erudito amigo de Inez de pseudo-intelectual. De fato, o cara é mesmo. Há muita erudição no cara, mas pouca cultura. Conheço um monte de gente dessa maneira. Discorrem horas sobre as motivações que levaram Wagner ou Schumann a compor determinadas peças, mas são incapazes de absorver emocionalmente toda o impacto causado pela música clássica.

Esse tema é bastante recorrente na filmografia do Allen: o consumo da cultura popular versus o intelectualismo pedante. A vida é movimento, transformação. E deve-se acompanhar isso. Ler certo livro, ouvir certa banda, prestigiar certo cineasta só porque é "conceituado" é tão vazio e desnecessário como siacabar ao som de Valeska Popozuda.

Impossível não traçar alguns paralelos com outro filme de Allen, A rosa púrpura do Cairo. Além do realismo fantástico usado nas duas produções e dos nomes de ambos os protagonistas serem Gil, há ainda a referência a Buñuel, cineasta espanhol surrealista.

Merecidamente indicado a importantes categorias do Oscar (filme, direção e roteiro original), fico na torcida para que Meia-noite em Paris não saia de mãos abanando. Seria uma pena que uma produção tão grandiosa e fundamental, além de nostálgica, nesse começo de século não tenha o devido reconhecimento de seus patrícios. Um filme que defende a vida como superior a arte - afinal, a maior obra-prima da arte é justamente viver -, merece todos os nossos aplausos e admirações.

84ª Edição do Oscar - Indicados

2012-01-24T12:33:00.001-02:00

E foi agora a pouco que saíram os indicados à 84ª edição do Oscar, o prêmio mais glamouroso da indústria norte-americana. Vamos conferir a lista completa?

Melhor Filme
O ARTISTA
OS DESCENDENTES
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET
HISTÓRIAS CRUZADAS
MEIA NOITE EM PARIS
O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
CAVALO DE GUERRA
A ÁRVORE DA VIDA
TÃO FORTE E TÃO PERTO

Melhor Diretor
Michel Hazanavicius | O ARTISTA
Martin Scorsese | A INVENÇÃO DE HUGO CABRET
Alexander Payne | OS DESCENDENTES
Wood Allen | MEIA NOITE EM PARIS
Terrence Malick | A ÁRVORE DA VIDA

Melhor Ator
George Clooney | OS DESCENDENTES
Jean Dujardin | O ARTISTA
Brad Pitt | O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
Gary Oldman | O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS
Demián Bichir | A BETTER LIFE

Melhor Atriz
Michelle Williams | SETE DIAS COM MARILYN
Meryl Streep | A DAMA DE FERRO
Viola Davis | HISTÓRIAS CRUZADAS
Glenn Close | ALBERT NOBBS
Rooney Mara | OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES

Melhor Ator Coadjuvante
Christopher Plummer | TODA FORMA DE AMOR
Albert Brooks | DRIVE
Kenneth Branagh | SETE DIAS COM MARILYN
Jonah Hill | O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
Nick Nolte | WARRIOR

Melhor Atriz Coadjuvante
Octavia Spencer | HISTÓRIAS CRUZADAS
Jessica Chastain | HISTÓRIAS CRUZADAS
Berenice Bejo | O ARTISTA
Melissa McCarthy | MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO
Janet McTeer | ALBERT NOBBS

Melhor Roteiro Original
MEIA-NOITE EM PARIS | Woody Allen
O ARTISTA | Michel Hazanavicius
50/50 | Will Reiser
MISSÃO MADRINHA DE CASAMENTO | Kristen Wiig & Annie Mumulo
A SEPARAÇÃO | Asghar Farhadi
MARGIN CALL: O DIA ANTES DO FIM | J.C. Chandor

Melhor Roteiro Adaptado
OS DESCENDENTES | Alexander Payne, Nat Faxon & Jim Rash
O HOMEM QUE MUDOU O JOGO | Aaron Sorkin & Steven Zaillian
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET | John Logan
O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS | Bridget O’Connor & Peter Straughan
TUDO PELO PODER | George Clooney & Grant Heslov

Melhor Direção de Arte
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET | Dante Ferretti
O ARTISTA | Laurence Bennett
HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE – PTE.2 | Stuart Craig
CAVALO DE GUERRA | Rick Carter
MEIA NOITE EM PARIS |Anne Seibel

Melhor Fotografia
A ÁRVORE DA VIDA | Emmanuel Lubezki
O ARTISTA | Guillaume Schiffman
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET | Robert Richardson
CAVALO DE GUERRA | Janusz Kaminski
OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES | Jeff Cronenweth

Melhor Figurino
O ARTISTA | Mark Bridges
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET | Sandy Powell
JANE EYRE | Michael O’Connor
W.E. | Arianne Phillips
ANÔNIMO | Lisy Christl

Melhor Montagem
O ARTISTA | Anne-Sophie Bion & Michel Hazanavicius
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET | Thelma Schoonmaker
OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES | Kirk Baxter & Angus Wall
O HOMEM QUE MUDOU O JOGO | Christopher Tellefsen
OS DESCENDENTES | Kevin Tent

Melhor Maquiagem
A DAMA DE FERRO
HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE – PTE.2
ALBERT NOBBS

Melhor Trilha Sonora
O ARTISTA | Ludovic Bource
CAVALO DE GUERRA | John Williams
OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES | Trent Reznor & Atticus Ross
AS AVENTURAS DE TINTIN: O SEGREDO DO LICORNE | John Williams
O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS | Alberto Iglesias

Melhor Mixagem de Som
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET
CAVALO DE GUERRA
TRANSFORMERS 3
O HOMEM QUE MUDOU O JOGO
OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES

Melhor Edição de Som
CAVALO DE GUERRA
TRANSFORMERS 3
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET
OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES
DRIVE

Melhor Efeitos Visuais
PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM
HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE – PTE.2
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET
TRANSFORMERS 3
GIGANTES DE AÇO

Melhor Canção
“Man or Muppet” | OS MUPPETS
“Real in Rio” | RIO

Melhor Filme de Animação
RANGO
O GATO DE BOTAS
KUNG FU PANDA 2
CHICO & RITA
UM GATO EM PARIS

Considerações:

A invenção de Hugo Cabret parece ser o grande favorito da noite com suas 11 nomeações, seguido de perto por O artista, com 10. Acho pouco provável que o segundo leve a estatueta de Melhor Filme por ser francês, em preto e branco e mudo. Mas, tudo pode acontecer. Também seria demais ver a consagração recente de Martin Scorsese. Uma boa alternativa seria também premiar outro grande cineasta, Woody Allen, que com o seu Meia-noite em Paris, conseguiu um dos melhores de sua carreira mais recente.

Em interpretação masculina, tivemos a exclusão de Michael Fassbender, Ryan Gosling e Leonardo Di Capprio. Sinceramente, a Academia parece detestar este último. No entanto, tivemos a inclusão de Gary Oldman em sua primeira (pasmem!) indicação. A corrente parece estar mais favorável ao segundo Oscar de George Clooney. Resta esperar.

No campo feminino, a ausência mais sentida é a de Tilda Swinton. A Academia preferiu valorizar a novata Rooney Mara e sua transformação visceral no pesado Os homens que não amavam as mulheres. Pode ser o terceiro Oscar de Meryl Streep, mas senti A dama de ferro um pouco enfraquecido com apenas duas indicações: atriz e maquiagem.

John Williams emplacou duas indicações. E, mais uma vez, a Academia deixou de fora o excepcional Abel Korzeniowski. Até mesmo Trent Reznor e Atticus Ross foram deixados de lado.

Em animação, a grande ausência foi mesmo de As aventuras de Tintim. E, no campo das canções, somente duas indicadas e, por incrível que pareça, Carlinhos Brown é um destes com sua criação "Real in Rio", da animação Rio.

Bom, esses são os principais pontos a serem observados. Agora é aguardar como tudo ficará até o anúncio dos vencedores.

Gatos da Semana: Luana Pereira e Sidnei Lyra

2012-01-23T10:24:00.003-02:00

Eu adoro as segundas-feiras! E sabe por quê? Porque é o dia da minha coluna mais popular aqui no blog. Sim, meninada, faz barulho que hoje é dia de GATOS DA SEMANA!

E ontem eu estava vasculhando esse mundão de meu Deus que é a internet e me deparei com um site incrivelmente maravilhoso e que eu preciso dividir com vocês. Trata-se do Sarados do Brasil, um lugar recheado de gente bonita e sarada. Exatamente o que a gente precisa para começar bem a nossa semana. E os escolhidos saíram diretamente desse site. São desconhecidos do grande público e, nem por isso, menos desejáveis e macios. Prova de que você não precisa ser famoso para tomar sua dose diária de Comfort.

Ele é catarinense e modelo. Ela é paranaense e administradora. Ambos são de babar. Confiram a saúde de Luana Pereira e Sidnei Lyra.

Para os não-cardíacos, aconselho com bastantes veemência a expansão da postagem. Para todos, uma ótima segunda-feira e bom início de semana!

Cavalo de guerra (War Horse EUA , 2011 146 min.)

2012-01-22T08:55:00.002-02:00

Eu sou um grande admirador de Steven Spielberg. Mesmo. Sempre estive ao lado do diretor, mesmo nos maiores erros da carreira dele. No entanto, ao terminar de ver Cavalo de guerra receio que não ficarei tão ao lado dele assim. Explico.

O filme é baseado em um livro infantil de 1982 de mesmo nome. Spielberg se apaixonou pela obra enquanto realizava As aventuras de Tintim e decidiu que era a pessoa indicada para levar a história às telas. Escrito por Michael Morpurgo, o livro conta a emocionante amizade de um rapaz e um cavalo, que acabam sendo separados, mas cujas trajetórias continuam ligadas pelo destino durante a Primeira Guerra Mundial. Adquirindo os direitos, Spielberg enxergou nas páginas aquilo que considerou ser uma trama de apelo universal.

O cinema está cansado de contar histórias belíssimas oriundas da relação homem/animal. Elas sempre costumam render boas lágrimas no escurinho do cinema sem se esforçar muito para isso. Mas Spielberg exagerou na dose de açúcar ruim nesse melado e fez o filme mais raso de sua carreira.

Conhecedor de todos os artifícios para manipular seu espectador, o diretor colocou em prática tudo o que há de pior nas lições de marketing. Não há ousadia na maneira de contar essa história onde as emoções baratas transbordam. A cada frame é notada uma narrativa didática nauseabunda. Se houvesse um clichenômetro, este teria atingido a sua marca máxima durante a projeção de Cavalo de guerra. O roteiro parece uma cartilha de pré-escola onde as frases são repetidas exaustivamente até o aluno não ter dúvidas de que vovô viu a uva. A simbologia usada por Spielberg, também, não deixam margem para interpretações: tudo é muito bem explicado, muito explícito (como a desnecessária bandeirola militar que troca de mãos a cada 20 minutos para deixar bem marcado o seu significado).

Outro aspecto que incomoda bastante em Cavalo de guerra é o fato do filme parecer uma colcha de retalhos mal feita e com costura ruim. Assistir ao longa é como estar vendo o recorte de vários outros filmes já produzidos por Hollywood. Ecos de ...E o vento levou, Nada de novo no front, o próprio O resgate do soldado Ryan e as produções dos estúdios Disney. Não que refencializar seja ruim (Tarantino está aí para isso), mas Spielberg "prestou essa homenagem" da forma mais infeliz possível. Não há articulação. As imagens soam forçadas, artificiais, sem fluência.

Além disso, o roteiro é apoiado em personagens coadjuvantes desnecessários e inexpressivos. Nem mesmo o excelente elenco consegue sustentar as fracas situações propostas pelos roteiristas. E o mais preocupante: o protagonista, Jeremy Irvine, um ator super bonitinho que não faria feio em Malhação; mas, com certeza, não foi a escolha mais acertada para Cavalo de guerra.

Os destaques positivos da produção ficam por conta dos detalhes técnicos, como som, direção de arte, figurino. Algumas cenas isoladas funcionam muito bem. As lutas, como esperado, são o ponto alto do filme, brilhantemente planejadas e com algumas imagens realmente empolgantes e o fuzilamento de desertores. No entanto, nada que segure o filme por muito tempo. Nem mesmo John Williams estava inspirado. Sua trilha, preguiçosa, serve apenas para atenuar os momentos de emoção e dizer ao espectador qual é a hora de chorar.

Cavalo de guerra é uma mancha medíocre na filmografia de Steven Spielberg. Hora do diretor repensar em seus próximos projetos para apagar rapidamente essa péssima impressão deixada por esse longa.

Coldplay - Mylo Xyloto (EMI, 2011)

2012-01-21T09:51:00.001-02:00

E o Coldplay abandou totalmente a indústria da música e lança uma nova marca de macarrão instantâneo. Trata-se na novíssima Mylo Xyloto. Você encontra nas grandes redes de supermercados e vêm em três sabores: carne, galinha e legumes.

O parágrafo anterior é uma grande mentira, mas bem que poderia ser verdade. Mylo Xyloto, para mim, é justamente isso: um bom nome para uma nova marca de lamens ou para alguma coisa envolvendo personagens saídos do mundo niponico. Contudo, trata-se no nome do mais recente trabalho dos britânicos.

O nome seria apenas um mero detalhe se o álbum fosse verdadeiramente bom. O que não é o caso. Esqueçam o Coldplay intimista, minimalista, uma coisa meio Radiohead, dos primeiros álbuns e que arrebataram tantos fãs. A banda de agora não está mais interessada em tocar do no seu radim. O seu limitado aparelho de som não é mais o veículo apropriado para as canções interpretadas por Chris Martin. As composições de Mylo Xyloto foram feitas para tocar em estádios, com muitos amplificadores, em uma arena monumental. Já consigo imaginar celulares acesos e movimentados para lá e para cá, com a multidão ensandecida fazendo um lindo coral nos refrões. Nada contra se fosse um bom rock de arena. Entretanto, tudo isso é no pior sentido da coisa e o Coldplay nunca soou tão esgatado criativamente, com letras rasas e pseudo-filosóficas.

Mylo Xyloto é um álbum "conceitual" (ah, meu Deus, por que essas pessoas não aprendem com o The Wall?). De acordo com o vocalista, o disco é baseado numa história de amor com um final feliz, na qual os dois protagonistas, Mylo e Xyloto, que estão vivendo num ambiente urbano opressivo e distópico, se conhecem através de uma gangue chamada “Os Garotos Perdidos’, e se apaixonam. As letras foram inspiradas pelo grafitti americano antigo. Tudo tão fofo e poético que meu coração deu três cambalhotas e agarrou a minha aorta me ameaçando frenéticamente de sofrer um infarte.

Boralá para as faixas. Tudo começa com a dançante "Hurts like heaven", com letra nada a ver sobre paranoia. Depois, seguimos para o single "Paradise", toda cheia de instrumentos grandiosos, refrão absurdamente grudento. Na sequência, "Charlie Brown" mantém o clima apoteótico com arranjos épicos e letra feita pela minha sobrinha de três anos falando sobre a liberdade. Em "Us against the world", sobre a perda de um amigo/amante, permite que o ouvinte dê vários bocejos ao longo de sua lenta execução. O exagero otimismo do novo Coldplay atinge o ápice com a inesgotável "Every teardrop is a waterfall", o mais próximo de Viva la vida que temos. Tenho absoluta certeza que Augusto Cury contribuiu para a letra desta música. Quando é que você imaginaria ao escutar Parachutes, primeiro disco da banda, que Rihanna faria uma participação especial no álbum dos ingleses? Pois é, em Mylo Xyloto isso acontece em "Princess of China", feita especialmente para tocar muito nas FMs, com os típicos OoohOooh da banda, e aborda a separação de um casal. Na sequência, uma batidinha mais pop anuncia o começo de "Up in flames", chatíssima e depressiva. Tudo para terminar com "Up with birds", colaboração com o ótimo Leonard Cohen, com bela melodia e arranjo delicado de piano e guitarra, que pode servir como uma lembrança de um passado que nunca voltará. Uma pena que não funciona dentro da presepada que é o novo disco do Coldplay.

A associação com Brian Eno só fez a banda descer ladeira abaixo. Pena que não dá nem mais para lamentar, pois o circo de horrores já está todo armado e voltar ao início seria um retrocesso no pensamento de Chris Martin e sua vontade de dominar o mundo. A única coisa a fazer ao escutar Mylo Xyloto é correr para as colinas.

Bônus Track
Segue abaixo a inusitada versão que o Coldplay fez para "We found love", de Rihanna. Sinceramente, a coisa mais honesta produzida por eles recentemente. Confiram que ficou bem boa.

Gigantes de aço (Real Steel EUA , 2011 - 127 min.)

2012-01-19T17:53:00.001-02:00

Americanos possuem uma queda inefável por filmes com o boxe como temática. Geralmente, o esporte é utilizado como metáfora para mostrar a transformação do homem e suas lutas internas. Do emocionante Rocky ao acachapante Touro indomável, Hollywood nos ensinou a vibrar e torcer por seus protagonistas. Apesar da previsibilidade de seu roteiro, Gigantes de aço desempenha sua função com louvor.

Estamos no futuro 2020 quando o boxe como o conhecemos atualmente deu lugar a uma sub-espécie de luta, vivenciadas por robôs comandados por humanos através de joystickies. Neste cenário, Charlie Kenton, ex-pugilista, tenta se virar como pode para sobreviver às lutas em arenas robóticas não-oficiais. Ferrado financeiramente, ainda vê-se obrigado a cuidar de seu filho, abandonado por ele há onze anos, depois da morta da mãe deste. Max é aficcionado por boxe de robôs, conhecendo detalhes técnicos e sendo fã do principal inventor de máquinas do gênero, Tak Mashido. Contudo, há muito tempo as lutas deixaram de ser tomadas pela emoção, sendo valorizadas apenas pelo alto teor de destruição e, neste quesito, Zeus, projetado por Mashido é considerado imbatível. O que ninguém esperava é o entusiasmo e o engajamento do menino Max, resopnsável pelo surgimento de Atom, um robô desacreditado que fará reascender a chama do amor ao boxe e aprender a admirar seu pai.

O papel de Charlie cai como uma luva para Hugh Jackman. O ator abraça a causa de seu ex-pugilista com tamanho carismo e consegue transmitir o arco crescente de seu personagem: de canalha sobrevivendo de bicos a pai devotado ao filho. Todavia, quem rouba mesmo a cena é o jovem Dakota Goyo. O intérprete mirim é cativante e absolutamente crível, levando a plateia às lágrimas, especialmente nas cenas finais. É um furacão interpretativo.

Os efeitos especiais do filme são de cair o queixo. Aplicando uma tecnologia semelhante à usada em Transformers, o espectador tira o máximo proveito da relação atores e animações de uma forma tão orgânica que esquece estar diante de efeitos. As cenas de batalha entre as máquinas são tão bem coreografas e tão "violantas", que tiram o fôlego de qualquer um que a assista.

A trilha sonora também vem a calhar, conduzindo com maestria spielberguiana a emoção e atenuando os momentos de conflitos.

Naturalmente, tudo isso é muito bem amarrado com um roteiro brilhante. Se não há nada de realmente inovador, ao menos emociona e diverte, sem desprezar o intelecto de quem assiste. Logo de início, fica muito claro que Gigantes de aço presta uma bela homenagem a Rocky - um lutador, contextualizando o boxe para o mundo moderno. Até mesmo a cena final foi uma honrosa citação ao filme que deslanchou Sylvester Stalone.

Filme para toda a família, Gigantes de aço é a aposta mais acertada para um bom programinha de fim de tarde.

O blog voltou...

2012-01-19T17:00:00.000-02:00

Apesar de eu estar de férias pelos Andes, entre outras coisas, o blog volta a todo vapor, com atualizações periódicas, novidades e ótimos conteúdos. Continuem conferindo o melhor do entretenimento proporcionado pela cultura pop. Tenho certeza que todos os meus leitores continuarão visitando esse humilde espaço e verificando todas as treslouquices deste que vos escreve. Menos Luíza, que está no Canadá.

Gatos da Semana: Lindsay Lohan e Harry Judd

2012-01-03T09:44:00.003-02:00

Ai, amigos, 2012 já está aí e eu só tenho algo a dizer: vem ni mim, calendário maia!

Brincadeiras a parte, o que eu mais quero é que este seja somente o fim do mundo como nós o conhecemos (#REMfeelings), mas que o Planeta Terra continue vigorando por um longo tempo ainda. Afinal, se isso aqui deixar de existir, não poderemos saborear os nossos gatos da semana. E beldades como Harry Judd, da banda McFly, e a tresloucada Lindsay Lohan, capa da Playboy americana homenageando Marilyn Monroe, não poderia ser devidamente apreciadas em sua maciez. Então vamos começar o ano bem com esses dois lindos?

Se quiser expandir esse post para logo mais, recomendo que somente os não-cardíacos façam isso. FELIZ 2012, cambada!

Globo de Ouro e SAG

2012-01-02T08:15:00.002-02:00

Recentemente, duas importantes instituições que premiam os melhores do cinema anunciaram seus indicados. Estes servem como termômetro para o prêmio máximo da indústria norte-americana: o Oscar.

A Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood (HFPA) anunciou os concorrentes da 69ª edição do Globo de Ouro. Confiram a lista na categoria cinema:

Melhor filme - drama
"Os descendentes" (2011)
"Histórias cruzadas" (2011)
"A invenção de Hugo Cabret" (2011)
"Tudo pelo poder" (2011)
"O homem que mudou o jogo" (2011)
"War horse" (2011)

Melhor filme - musical ou comédia
"The artist" (2011)
"Missão madrinha de casamento" (2011)
"50%" (2011)
"Meia-noite em Paris" (2011)
"My week with Marilyn" (2011)

Melhor ator - drama
George Clooney, "Os descendentes" (2011)
Leonardo DiCaprio, "J. Edgar" (2011)
Michael Fassbender, "Shame" (2011)
Ryan Gosling, "Tudo pelo poder" (2011)
Brad Pitt, "O homem que mudou o jogo" (2011)

Melhor atriz - drama
Glenn Close, "Albert Nobbs" (2011)
Viola Davis, "Histórias cruzadas" (2011)
Rooney Mara, Millennium - "Os homens que não amavam as mulheres" (2011)
Meryl Streep, "A dama de ferro" (2011)
Tilda Swinton, "We need to talk about Kevin" (2011)

Melhor ator - musical e comédia
Jean Dujardin, "The artist" (2011)
Brendan Gleeson, "O guarda" (2011)
Joseph Gordon-Levitt, "50%" (2011)
Ryan Gosling, "Amor a toda prova" (2011)
Owen Wilson, "Meia-noite em Paris" (2011)

Melhor atriz - musical e comédia
Jodie Foster, "Carnage" (2011)
Charlize Theron, "Jovens adultos" (2011)
Kristen Wiig, "Missão madrinha de casamento" (2011)
Michelle Williams, "My week with Marilyn" (2011)
Kate Winslet, "Carnage" (2011)

Melhor ator coadjuvante
Kenneth Branagh, "My week with Marilyn" (2011)
Albert Brooks, "Drive" (2011)
Jonah Hill, "O homem que mudou o jogo" (2011)
Viggo Mortensen, "Um método perigoso" (2011)
Christopher Plummer, Toda forma de amor (2010)

Melhor atriz coadjuvante
Bérénice Bejo, "The artist" (2011)
Jessica Chastain, "Histórias cruzadas" (2011)
Janet McTeer, "Albert Nobbs" (2011)
Octavia Spencer, "Histórias cruzadas" (2011)
Shailene Woodley, "Os descendentes" (2011)

Melhor diretor
Woody Allen, "Meia-noite em Paris" (2011)
George Clooney, "Tudo pelo poder" (2011)
Michel Hazanavicius, "The artist" (2011)
Alexander Payne, "Os descendentes" (2011)
Martin Scorsese, "A invenção de Hugo Cabret" (2011/II)

Melhor roteiro
"The artist" (2011): Michel Hazanavicius
"Os descendentes" (2011): Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash
"Tudo pelo poder" (2011): George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
"Meia-noite em Paris" (2011): Woody Allen
"O homem que mudou o jogo" (2011): Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin

Melhor canção original
"Albert Nobbs" (2011) - "Lay your head down"
"Gnomeu e Julieta" (2011): Elton John, Bernie Taupin - "Hello hello"
"Histórias cruzadas" (2011): Mary J. Blige, T. Newman, H. Mason Jr - "The living proof"
"Redenção" (2011) - "The keeper"
"W.E." (2011) - "Masterpiece"

Melhor trilha sonora
"The artist (2011)": Ludovic Bource
"Millennium - os homens que não amavam as mulheres" (2011): Trent Reznor, Atticus Ross
"A invenção de Hugo Cabret" (2011): Howard Shore
"War horse" (2011): John Williams
"W.E." (2011): Abel Korzeniowski

Melhor animação
"As aventuras de Tintim" (2011)
"Operação presente" (2011)
"Carros 2" (2011)
"Gato de botas" (2011)
"Rango" (2011)

Melhor filme em língua estrangeira
"Jin líng shí san chai" (2011)
"In the land of blood and honey" (2011)
"O garoto de bicicleta" (2011)
"A separação" (2011)
"A pele que habito" (2011)

O Sindicato dos Atores anunciou os indicados ao SAG Awards 2012. A premiação é dividida em categorias de cinema e TV. Apenas os atores concorrem. Desta forma, a indicação de séries ou filmes é referente ao elenco e não à produção. Confiram os indicados em cinema:

Elenco de Filme
“Histórias Cruzadas”
“Missão Madrinha de Casamento”
“Os descendentes”
“The Artist”
“Meia-noite em Paris”

Ator
Demian Bichir, “A Better Life”
George Clooney, “The Descendants”
Leonardo DiCaprio, “J. Edgar Hoover”
Jean Dujardin, “The Artist”
Brad Pitt, “Moneyball”

Atriz
Glenn Close, “Albert Nobbs”
Viola Davis, “The Help”
Meryl Streep, “The Iron Lady”
Tilda Swinton, “We Need To Talk About Kevin”
Michelle Williams, “My Week With Marilyn”

Ator Coadjuvante
Kenneth Branagh, “My Week With Marilyn”
Armie Hammer, “J. Edgar”
Jonah Hill, “Moneyball”
Nick Nolte, “Warrior”
Christopher Plummer, “Beginners”

Atriz Coadjuvante
Berenice Bejo, “The Artist”
Jessica Chastain, “The Help”
Melissa McCarthy, “Bridesmaids”
Janet McTeer, “Albert Nobbs”
Octavia Spencer, “The Help”

Equipe de Dublês
“The Adjustment Bureau”
“Cowboys & Aliens”
“Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2″
“Transformers: Dark Of The Moon”
“X-Men: First Class”

Analisando os indicados, em um ano bastante nebuloso, pode-se prever que a polarização da disputa ficará entre "Histórias Cruzadas" e "O artista". Naturalmente, sem poder descartar "Meia-noite em Paris", do veterano Woody Allen, e nem o poderia de Georgey Clooney, seja em filme que ele dirige ("Tudo pelo poder"), seja em filme que ele atua ("Os descendentes"). Outro que parece angariar alguma coisa nessa temporada de prêmios é o atual queridinho Ryan Gosling ("Tudo pelo poder", "Amor a toda prova" e "Drive"), que mesmo sendo ignorado pelo SAG ainda pode conseguir alguma coisa. Glenn Close, Viola Davis, Meryl Streep e Tilda Swinton parecem apostas certas. Meryl leva sua terceira estatueta? Close finalmente leva a sua primeira? As coisas podem ficar um pouco mais claras depois do anúncio dos vencedores. Resta esperar e ver o que irá acontecer.

2011 - Melhores Momentos

2012-01-01T13:48:00.001-02:00

Se chorei ou se sorri, o importante é que emoções eu vivi...

E, eu posso dizer, sem sombra de dúvida, que 2011 foi um ano de fortes emoções. Haja coração! (#galvaobuenofeelings). Então boralá eleger os cinco momentos mais maravilhosos vividos por este que vos escreve no ano que se findou ontem?

05 - Rock in Rio

E daí que eu passei o meu maior medo de avião possível? Que eu fiquei quase doze horas em pé sem comer, sem ir ao banheiro e sem beber água? E daí que eu quase fui esmagado por uma turba ensandecida de fãs da Claudia Leitte? O melhor de tudo é que lá estive! Valeu pela experiência. Acho que isso nunca mais.

04 - SWU Music and Arts

A experiência como um todo foi bem legal. Muito sol, muita poeira, muita exaustão, uma Fergie que está mais preocupa em gritar que cantar, um Snoopy Dogg incompreensível e um show de Kanye West e Marcelo D2. Comida e bebida cara e muita dor no corpo. Mas sim, eu voltaria novamente.

03 - Britney Spears

Ok, não sou um grande fã e fui muito mais para acompanhar uma amiga. Mas, no fim das contas, acabei me divertindo muito mais que o esperado. Uma das experiências mais agradáveis do meu ano.

02 - Pop Music Festival

Choveu? Sim, choveu. Tive que comprar uma capa de chuva? Sim, tive. Levei quase três horas para chegar no Morumbi? Sim, levei (eita lugar de difícil acesso!). Mas todo o meu esforço foi recompensado. Há mais de dez anos esperava pela oportunidade de ver Shakira ao vivo e em ação. E eu pude ver isso. Poucos shows me emocionaram e me fizeram cantar e pular tanto como esse. Uma sensação que não esquecerei tão cedo!

01 - Viver sem tempos mortos

500 pessoas. A plateia na penumbra. Alguns passos em direção a uma cadeira vazia no palco. Bastou apenas duas palavras para eu estar arrebatado e aos prantos. Este, talvez, tenha sido um dos melhores momentos de toda a minha vida. Fã incondicional de Fernanda Montenegro, sou incapaz de descrever em palavras tudo o que se passou em minha cabeça quando a vi atuando em seu habitat natural. Memorável! Sempre!

FELIZ 2012!

2011-12-31T16:11:00.001-02:00

Se o mundo não acabar, estaremos aqui periodicamente para levar a vocês o melhor da cultura pop mundial! Amo vocês, seus lindos!

DAY-OFF

2011-12-20T00:01:00.002-02:00

Retorno. Sem previsão.

Gatos da Semana: Bárbara Evans e Kellan Lutz

2011-12-12T09:52:00.001-02:00

Bom dia, meus lindos que me acompanham diariamente neste humilde espaço! Espero que o final de semana de vocês tenha sido incrivelmente maravilhoso, por que o meu, particularmente, foi uma grande perda de tempo. Só valeu por eu ter colocado minhas séries em ordem e visto alguns filminhos. De resto, mais do mesmo.

Mas vamos ao que interessa, que é começar bem a nossa semana e essa calorosa segunda-feira. E nada melhor que dois lindos gatos para dar aquela animada. Os escolhidos da vez são Bárbara Evans, capa da Playboy, e o ator Kellan Lutz. Enjoy!

Aviso: clicar abaixo para expandir a imagem é de única responsabilidade de você! Se tiver algum tipo de problema cardíaco, recomendo veementemente que não expanda a mensagem.

Amor a toda prova (Crazy, Stupid, Love EUA , 2011 - 118 min.)

2011-12-09T15:51:00.001-02:00

Confesso que relutei um pouco em assistir a esse Amor a toda prova. Tudo bem que a minha grande diva, Julianne Moore estava nele, e ainda tinha o garoto delícia Ryan Gosling nele, mas nada disso me fez ir correndo para vê-lo. Demorei algum tempo, mas acabei me rendendo. E não é que eu tive uma grata surpresa?

Steve Carrell e Moore vivem um casal em crise. Ainda se amam, sentem atração sexual um pelo outro, mas a confissão da esposa que foi uma adúltera altera todo o casamento, a ponto de se separarem. Sozinho e desiludido, Carrell acaba conhecendo Gosling, um conquistar nato no melhor estilo de HitchI e Alfie. Com a ajuda dele e de excelentes dicas de como se vestir, como se comportar, como conduzir uma conversa, Carrell se transforma em um novo homem, com novas atitudes e abusrdamente interessante. E é esse novo macho que poderá solucionar os problemas antigos com sua esposa, ao passo que lida com novos desafios.

Gosling também possui seu arco dramático ao se permitir envolver com uma mulher por um tempo a mais que não seja o de levá-la para a cama. O que era, inicialmente, mais uma em sua lista de conquistas, vira a mulher da sua vida. É um drama juvenil nenhum pouco infatilizado.

O filme é solucionado em uma cena que envolve muito humor físico e na amarração de todas as arestas deixadas soltas pelo roteiro em quase duas horas de projeção. E isso não soa forçado ao espectador. Ao contrário; é crível e pode renovar alguns conceitos em quem assiste. No final, apaixonados e desiludidos podem sair do cinema achando que seus sentimentos estavam certos ou completamente errados. E, afinal, para que serve o cinema se ele não é capaz de fazer pensar?

Além do roteiro bem escrito, são as atuações que renovam o interesse no longa. Muita coisa vista nas telas não é dita; tudo está no subjetivo, seja num olha, num gesto, numa expressão. Carrell, Gosling, Moore e Kevin Bacon conseguem transmitir toda a densidade dessa interessante mistura de drama, romance e comédia. O único porém é Marisa Tomei, absurdamente caricata e repetindo o mesmo papel que se acostumou a fazer no cinema (o tipo solteirona com problemas emocionais).

Amor a toda prova não se pretende a mudar todos os nossos conceitos sobre relacionamentos, romances, dramas ou comédias. E nem precisa disso. Contudo, é reflexivo o suficiente para garantir o interesse pelos mais de 100 minutos.

How to make it in America - 2ª Temporada (HBO, 2011)

2011-12-08T07:41:00.001-02:00

Quando se fala no Padrão HBO de Qualidade para séries americanas, logo vem à mente do público médio as grandes produções do canal. Nomes como Six feet under, The Sopranos e, mais recentemente, Boardwalk Empire e Game of Thrones são os mais lembrados de imediato. No entanto, o que verdadeiramente surpreende é que, mesmo em programas menores, o canal continua se sobressaindo. É o caso dessa How to make it in America, que tive o grande prazer de descobrir a primeira temporada no ano passado e fui ainda mais premiado ao acompanhar a segunda este ano.

Como o próprio nome já entrega, a série trata de como sobreviver na América (aqui, leia-se Estados Unidos). Acompanhamos a vida de dois jovens tentando viver o american dream. Ben Epstein (Bryan Greenberg, um cara normal, sempre duro e que acaba se envolvendo em algumas enrascadas graças ao seu melhor amigo, Cam Calderon (Victor Rasuk). Entende-se por enrascadas nada muito mirabolante ou dramático. A série é bem centrada em problemas "reais".

Talvez seja exatamente por isso que a identificação é quase imediata. Todo mundo já passou por problemas financeiros e necessitou recorrer a alguém para uma ajuda, um socorro, um empréstimo. Claro que, na dupla em questão, eles recorrem a um primo mafioso. A primeira temporada mostrava justamente a ideia que Ben tinha de subir na vida: criar uma marca inovadora e despojada de roupas (Crisp é o nome) e fazer esforços hercúleos para emplacá-la. Na segunda temporada, encontramos os amigos muito próximo de emplacar a Crisp em uma grande cadeia de lojas de roupas.

Em apenas oito episódios (a primeira temporada também teve essa quantidade), How to make it in America entregou uma temporada concisa, coerente e que lança boas expectativas para a próxima temporada. É impressionante como a série cresceu em apenas duas seasons. A equipe executiva por trás dela são os mesmos responsáveis por Entourage (Mark Wahlberg, Stephen Levinson, Rob Weiss e Julian Farino), o que gera algumas comparações.

Um dos grandes atrativos da série, além de seus personagens carismáticos, é o fato da própria cidade de Nova Iorque ser inserida aqui como um personagem também. Nunca um espaço foi tão necessário e indispensável para se contar uma narrativa. A cidade de impõe de maneira, ao mesmo tempo, aconchegante e desafiadora. Como uma grande Esfinge no deserto: ou você a decifra, ou ela te devora.

Outro ponto positivo é a excelente trilha sonora, que bebe ao som dos mais variados ritmos e tribos; algo que serve para dar conta da enorme pluralidade cultural que uma cidade do porte de Nova Iorque possui. Mesmo que você não curta, será impossível ficar impassível diante do tema de abertura, I need a dollar, que você pode conferir aqui.

Se você não estiver muito atrasado com suas séries habituais, estiver procurando algo curto e maravilhoso para assistir em pouco tempo, recomendo com muita força essa How to make it in America, sem medo de errar. Eu te dou um dólar e você me conta sua história.

Kung-Fu Panda 2 (Idem, EUA , 2011 - 91 min.)

2011-12-07T09:22:00.001-02:00

E, pela primeira vez desde Shrek, a Dreamworks tem a chance de emplacar um filme como favorito ao Oscar de Melhor Animação. Dois fatores foram essenciais para isso: o primeiro é que Carros 2, concorrente direto, não tem o tradicional jeitão Pixar de fazer animação, e o segundo é que este Kung Fu Panda 2 é bom de verdade!

A animação é continuação do filme de 2008, onde Po, o robusto panda comilão, alcançou seu sonho de se tornar o Dragão Guerreiro das lendas que ele ouvia desde pequeno no Vale da Paz. Seu jeitão único e desengonçado, sempre apoiado pelos Cinco Furiosos (Louva-a-Deus, Macaco, Garça, Tigresa e Víbora) alcançou um grande crescimento ao longo dos anos e, na nova produção, poderão ter o preparado para enfrentar desafios ainda maiores.

O longa, apesar de ter sido todo preparado em computação gráfica, mistura alguns técnicas de animação mais antigas e clássicas. Os primeiros minutos são preenchidos com uma belíssima animação, simulando os famosos bonecos de sombra, para contar a história de como a sede pelo poder corrompeu o coração de Lorde Shen, o príncipe pavão que mandou eliminar todos os pandas da Terra ao ouvir que um desses animais colocaria seu reino em perigo. O que Lorde Shen desconhecia é o zelo com que um casal de pandas dedicou em salvar seu herdeiro. Você já pode deduzir o final. O panda sobrevivente é Po e caberá a ele derrotar Lorde Shen e a ameaça que o pavão (junto com seus perigosos fogos de artifício) representará para a China. Enquanto isso, Po encontrará suas origens opr meio de apagões memoriais. Os flashbacks que saem desses blecautes utilizam uma segunda técnica de animação, mais próxima do 2D tradicional, mas ainda assim cheia de estilo e seguindo a estética asiática de um anime de movimentos econômicos.

A história de superação, volta por cima, grandes lições sobre a importância de quem se é, a necessidade de reconhecer os amigos e encontrar suas origens é absurdamente batida. Desde que o cinema entede-se por tal, existem histórias sobre isso. O grande diferencial de Kung Fu Panda 2 está no modo em que essas tramas são tecidas e colocadas na tela. O roteiro é eficiente, diverte e emociona na medida certa (impossível não deixar algumas lágrimas caírem, especialmente na conclusão do enredo). Mesmo que você tenho visto histórias semelhantes, aqui tudo é recebido com um louvável frescor.

Outro aspecto ainda melhor é que a computação gráfica está a serviço do roteiro. E que computação gráfica! Talvez uma das mais belas a usar essa ferramenta. É nítida a evolução desde o primeiro filme. Novas técnicas foram aprendidas, novos mecanismos foram desenvolvidos. As cenas envolvendo os animais brigando são verdadeiras pinturas digitais e uma aula de como produzir boa ação sem atores reais. A construção dos cenários suntuosos da China antiga também saltam aos olhos. Tudo isso aliado a um 3D estereoscópico transformam Kung Fu Panda 2 em umas das produções mais visualvemente maravilhosas do ano.

Sem dúvida, é um filme que mereça ser visto. Só uma observação: a terrível necessidade de inserir um gancho para uma possível continuação pode fazer o longa perder um pouco a força. Mas isso não atrapalhará a sua diversão.

Álbum da Semana: DNA - Wanessa (Sony Music, 2011)

2011-12-06T14:45:00.001-02:00

Não faz muito tempo e ela ainda fazia sucesso como a filha do sertanejo Zezé di Camargo, assinava o sobrenome do pai e cantava coisas como "Fingi que sou feliz, mas o amor não deixa". Agora, ela está grávida, processa humoristas sacanas e tenta ser a nova musa nacional dos gays e afins. Nem dá pra acreditar nessa grande virada na vida da cantora Wanessa (ela abandonou o Camargo há algum tempo). E nem de longe é fácil associá-la à pré-adolescente que se acabava em baladas melosas e vazias. Por isso, é absolutamente saudável o lançamento de seu sétimo trabalho de estúdio, DNA, neste ano. Vamos a ele então!

Para começar, todas as faixas que compõem este álbum são todas compostas em inglês e investem pesado no pop eletrônico fabricado direto para qualquer um siacabar nas pistas de dança, sem sequer imaginar que estão ouvindo a filha de Zezé di Camargo. A produção caprichada do brasileiro Mister Jam não deve em nada para os outros trabalhos das divas modernas do pop (Britney e Ke$ha, por exemplo).

A faixa de abertura é o single DNA, feito para você entrar na buatchy, soltar os cabelos (se eles não forem grandes, imagine que são!) e já pirar o cabeção, rodando-o sem parar até sair de órbita. Stuck on repeat é a faixa idela para você se dirigir ao bar, debruçar-se sobre o balcão, caprichar no carão e pedir aquela bebida para lá de especial ao barman. Pegue seu drink, dê uma generosa sorvida e volte para a pista. Em Murder, seus sentimentos, já afetados pelos bons drink, vão fazer você querer ir mais e mais além. A pegada meio ska de Worth it te conduzirão a uma explosão de êxtase e sensualidade, enquanto, ao chegar no poderoso refrão, farão você pensar seriamente em mudar-se para a pista de dança e deixar todos os seus problemas na porta da casa noturna. Mas é em Sticky Dough, com sua malandra levada carnavalesca, que fará você eleger Wanessa como a madrinha da sua noite. Sim, lindos, você estará poderoso e pronto para o ataque. Essa é a sua única chance de se liberar totalmente.

Agora que você já fui possuído pelo deus da dança, que se transformou em um animal invertebrado de fazer inveja à Shakira, Wanessa concretiza seu house eletrônico bem feito com a dupla Get loud! e Falling for U (com participação de Mister Jam). Aliás, esta última é a prova inconteste do bom som que a brasileira conseguiu com sua nova roupagem. Ninguém, nem o mais carrancudo da noite, conseguirá ficar parado ao som dessa eficiente música pop. Os acordes de um safado violão flamencado é só desculpa para te fazer dançar ainda mais na envolvente Blow me away (alguém aí se lembra dos bons tempos de La isla bonita?).

O ritmo começa dar uma baixada em Tonight forever, High e na romântica It's over. É hora de escolher a pessoa que você paquerou a noite toda e levá-la para um canto mais afastado da boate, levar um bom papo e curtir o restinho da balada.

É, Wanessa, sua linda, apesar dos pesares, você conseguiu um trabalho coeso e coerente com sua nova proposta de vida. As figurinhas carimbadas das pistas estão com um sorrisão de orelha a orelha agradecendo sua produção. Continue assim, porque você está no caminho certo.

Gatos da Semana: Lucas Bernardini e Nicole Scherzinger

2011-12-05T09:44:00.001-02:00

Vamos começar bem nossa semana? Hoje é segunda-feira, dezembrão aí, muitos se preparando para as festas e o que eu posso oferecer para vocês, seus lindos e suas lindas? Como servidor de vocês, vou apenas cumprir o meu papel de anfitrião e dar duas grandes maravilhas que anda bebendo muito Comfort ultimamente: Lucas Bernardini e Nicole Scherzinger.

É só expandir a postagem que você vai presenciar ainda mais motivos para acreditar que uma boa dose diárias de Comfort te deixa muito mais macio. Ótima segunda-feira e uma semana incrível para vocês!

O poder e a lei (The Lincoln Lawyer EUA , 2011 - 118 min.)

2011-12-04T11:35:00.001-02:00

Ainda me lembro quando Matthew McConaughey era considerado uma das grandes promessas no cinema de Hollywood. Os anos passaram e ele nunca estrelou nada realmente notável, que fizesse encher os olhos com sua capacidade interpretativa. Por isso, é absurdamente louvável o sucesso de O poder e a lei teve lá em terras ianques. Uma produção de 40 milhões de dólares, em um lançamento discreto, acabou tendo um retorno financeiro de 52 milhões de dólares. Como explicar tal fenômeno? Seria o carisma de McConaughy?

Vamos aos fatos: ele vive Mike Haller, pai de família separado, advogado que circula em Beverly Hills com seu motorista negro em um Ford Lincoln. Vem a ele um playboy (Ryan Phillippe) acusado de espancar uma garota de programa, e Mick aceita conduzir o caso, mesmo incerto da inocência do cliente.

Estamos diante de um filme que bebe da fonte do estilo noir, onde Mike, o clássico personagem do gênero, é passado para trás no jogo que dominava. Por se tratar de um filme policial, é esperado que toda a encenação narrativa seja um conto moral: ao término, Mike deverá ter aprendido uma grande lição e, com os obstáculos, ter-se tornado alguém melhor.

Talvez, a grande explicação para o sucesso de O poder e a lei lá fora seja justamente essa personificação do macho alfa americano, estereotipado, que resolve seus problemas na pancadaria, que enche a cara com cerveja barata, que sabe grelhar um bom bife em um churrasco com os parceiros, que lida com as mulheres subjulgando-as sexualmente. McConaughey assume com perfeição esse papel. O poder do tempo sobre seu rosto fez perceber os sulcos, os flancos, as olheiras. Suas frases de efeito soam impactantes quando filmadas em closes e o diretor Brad Furman consegue captar toda essa essência, com sua fotografia matizada, quase sépia. Soma-se a isso a um bom texto escrito por Michael Connelly e teremos um retrato do ideal masculino norte-americano que há muito anda esquecido em Hollywood.

O poder e a lei surge como um arauto da masculinidade acima de tudo. Um universo regado a bebida, cigarro e mulheres. E isso faz de um filme, mesmo sendo um policial barato, algo atrativo.

Carros 2 (Cars 2 EUA , 201 - 113 min.)

2011-12-03T09:48:00.001-02:00

2011 pode não ter sido um grande ano para a Pixar, braço de animação digital da Disney. Isso porque, pela primeira vez desde que foi criado, o Oscar de Melhor Animação não tem um filme dos responsáveis por Os incríveis e Procurando Nemo como um franco favorito para levar a estatueta para a casa. A aposta, um tanto arriscada em termos de premiação, é uma continuação daquele que é considerado a produção mais fraca da Pixar: Carros 2.

Quando tal continuação foi anunciada, os fãs torceram um pouco o nariz. Afinal de contas, como já citado, é o filme mais fraco de toda a filmografia do estúdio. Então porque insistir em algo que não foi o maior sucesso? A resposta, talvez, seja até bem simples: Carros 2, bem como o primeiro, é um filme basicamente voltado para o público infantil. Não há aquela metáfora tão forte presente nos outros longas, que encantam crianças e causam profunda reflexão dos adultos. O investimento é única e exclusivamente na diversão dos pequeninos.

O novo filme deixa isso bem claro ao mudar o foco da aventura. Desde vez, o arco narrativo de Relâmpago McQueen, o carrinho vermelho que ganhou todas da Copa Pistão, em sua tentativa de conquistar as pistas mundiais, é deixado em segundo plano. Em seu lugar, surge como grande protagonista o amigo de McQueen, o velho guincho caipira Mate. Inocente como sempre, o guincho enferrujado é quem vai acabar se tornando um agente secreto e ajudar seu amigo quando este resolver disputar o World Grand Prix.

Soma-se aí uma subtrama de combustível ecologicamente melhor em alternativa ao petróleo e também como este ouro preto é responsável por uma cadeia inimiginável de poder e influência. Como se sabe, o mundo é movido a petróleo e, qualquer alternativa que ofereça riscos à poderosa indústria petrolífera, é vista como uma ameaça a ser exterminada. Ponto positivo para o filme.

Mas é nas cenas de ação que a garotada se diverte. As emocionantes dispustas em pistas me lembram muito o trabalho desenvolvido em Speed Racer, com abuso de tomadas de câmeras inusitadas e uma evolução na computação gráfica, permitindo tomadas vertiginosas. Claro que, novamente o que peca em Carros 2, é justamente a probreza dos gráficos. Os cenários (com exceção da monumental abertura com a explosão das plataformas petrolíferas) são bem simplistas se comparados com o realismo marítimo de Procurando Nemo ou com a verossímel Paris de Ratatouille.

Porém, se é um filme da Disney, não tem nenhuma lição de moral? Sim, tem sim: não tente mudar os outros, aceito-os como eles são. Só que, neste caso, está bem diluída e facilmente assimilável. Não vamos precisar de teses para aprofundar nessa sabedoria narrativa.

Não deixa de ser um bom filme. Só não vai encher tanto os olhos dos adultos como encherá os das crianças.

Top Five: Músicas para a Hora H

2011-11-27T19:09:00.001-02:00

Final de semana bom é isso. Chega o domingo, este dia completamente modorrente, e você está lá, sentado na sala, com um sorrisão de orelha a orelha, exibindo toda a sua arcada dentária e pensando em todos os bons momentos da sexta e o do sábado. Uma bela música na ocasião serviu para deixar tudo ainda mais intenso. Por este motivo que criei este tópico. Fiquem agora com as cinco músicas mais incríveis para a a Hora H (todas devidamente testadas).

Posição Nº 5 - Criminal - Fiona Apple

Não conheço a fundo a discografia da Fiona Apple, mas essa música (que não tem nada a ver com a da Britney) é matadora para se entrar no clima. Presente em diversas listas do gênero, funciona como o prato de entrada em uma refeição bastante ardida. Sem dúvida, as preliminares ficarão bem mais animadas com este som. Detalhe: o videoclipe é igualmente hot.

Posição Nº 4 - Sex on fire - Kings of Leon

A pegação ainda continua solta com essa canção inspiradíssima do Kings of Leon. É o momento ideal para amassos mais intensos e para que você se amalgame com a pessoa amada, fazendo dois virarem apenas um.

Posição Nº 3 - Wicked game - Chris Isaak

Essa canção extrapola sensualidade por todas as notas, todos os acordes. É harmoniosamente concebida para isso. Desde seu videoclipe sensualíssimo até seu ritmo lento e envolvente, Wicked game é a música perfeita para mergulhar nessa intensidade.

Posição Nº 2 - Road - Portishead

Essa é para manter o mesmo clima iniciado na última música. Lenta para que você possa curtir a plenitude e a intensidade do momento. É a hora das trocas de carícias sederem espaço para gestos mais condizentes com a ocasião. Êxtases em profusão.

Posição Nº 1 - Let's get it on - Marvin Gaye

Toda lista que eu vejo coloca Sexual Healing como a música perfeita de Marvin Gaye para a ocasião. No entanto, eu não consigo concordar com isso. Tudo bem que a letra é toda safadinha e sacana, mas, para mim, excitante mesmo para o ato é Let's get it on e, exatamente por isso, ela encabeça a minha lista.

Mas, quando a coisa esquentar e a noite for realmente boa, acredite-me, música será a última coisa na qual você irá prestar atenção.

Menções honrosas

Justify my love - Madonna

Closer - Nine Inch Nails

Vuele al sur - Gotham Projetc

Love in this club - Usher

Os pinguins do papai (Mr. Popper's Penguins EUA , 2011 - 94 min.)

2011-11-24T13:41:00.001-02:00

Não tenho problemas com filmes de comédia e muito menos com filmes de contos morais. Sou um grande admirador da obra de Frank Capra (a título de informação, sou o criador da comunidade no Orkut destinada ao cineasta). Sempre gostei da temática capriana: o adulto ultrarresponsável que reaprende a "sentir". E, ao que tudo indicava, esse Os pinguins do papai continha todos esses ingredientes.

Sr. Popper (Carrey) é um incorporador de imóveis de Nova York especializado em comprar prédios velhos e ocupar os terrenos com edifícios novíssimos. Seu habitat natural é um apartamento impecável, com roupas totalmente alinhadas. Um visual perfeito, mas que esconde um enorme vazio interior. De herança de seu pai, ele recebe alguns pinguins. Inicialmente, os bichos refletem exatamente esse modo de viver do Sr. Popper: elegância, design clean, esguio, cores equilibradas; mas basta o bicho abrir a boca para o espectador ter a certeza de que a aparente ordem será subvertida.

E é. Aos poucos, o mundo milimetricamente organizado do Sr. Popper virará de ponta cabeça e um caos se instaurará, obrigando o sisudo homem a reacreditar em valores mais humanos, como ganhar o respeito dos filhos e, quem sabe até, reconquistar a ex-mulher.

O diretor Mark Waters consegue trabalhar bem visualmente a linha tênue entre ordem e desordem até o ponto em que faz-se necessário jogar tudo para o alto e apostar nos conflitos desconcertantes. As cenas criadas apoiam essa ideia. A cena da bagunça dentro do Guggenheim, museu-símbolo da arquitetura minimalista em Nova York é um exemplo claro de como o diretor elege muito bem os cenários para auxiliar em seu conto moral.

O único problema que Waters teve foi não conseguir domar seu principal material: o ator Jim Carrey. Sou fã do trabalho de Carrey, mas é inevitável deixar de lado suas performances exageradas e caricatas, tão comuns em seus filmes mais escrachados. No entanto, Os pinguins do papai não exigia tantas caretas e tantos exageros. Provavelmente, uma interpretação mais singela que ele já conseguiu entregar em Cine Majestic, por exemplo, teria dado conta.

Esse é justamente o problema de Carrey. Há anos o ator aposta em trabalhos mais diferenciados, tentando ser levado a sério com um ator respeitável. Quando tem a chance de fazer isso, prefere voltar aos seus trejeitos costumeiros e fazer de um personagem sério, uma caricatura de si mesmo.

Lamentável. Isso faz de Os pinguins do papai uma produção meramente razoável.

Britney Spears - Femme Fatale Tour - São Paulo: 18/11/2011

2011-11-20T12:07:00.001-02:00

Dez anos atrás, ela era ainda uma menina quando pisou em solo brasileiro pela primeira vez na terceira edição do Rock in Rio. Era apenas uma menina, mas com muita disposição, corpo flexível e coreografias bem elaboradas. Nos anos subsequentes, acompanhamos a derrocada público daquela que chegou a ser considerada a "princesa do pop" e "substituta oficial da Madonna". Cabeças raspadas, reclusão e o que poderia ser o fim de Britney Spears. Não foi. A cada ano recente, a estrela pop tem conseguido recuperar parte de seu prestigio anterior e conquistado cada vez mais fãs. No começo desse ano, lançou seu bem-sucedido álbum Femme Fatale. De cara, emplacou um hit, "Hold it Against Me", e, em seguida, iniciou sua turnê, a The Femme Fatale Tour. E foi a esse show que a cidade de São Paulo assistiu na fria noite de 18 de novembro de 2011. E eu estava lá.

Chegamos na Arena Anhembi por volta das 14 horas. O sol, encoberto pelas nuvens, produzia um mormaço capaz de bronzear a pele dos mais incautos, desprovidos de protetor solar. A fila já ocupava muitos metros de pura alegria, farra e purpurina. Os vendedores ambulantes faziam a festa com suas camisetas, bandeiras e bottons decorados imagens da loirinha. Teve ainda os que lucravam com a venda de água, cerveja e sorvete. Tinha para todos. Os fãs de Britney estavam animados e ansiosos, fazendo brincadeiras, entoando as letras das músicas e executando passos das coreografias. Logo, pegamos amizade com um grupo misto (mineiros, baianos, inclusos).

Às 17h, os portões se abriram e conseguimos um lugar bem privilegiado. O palco estava montado e, hora ou outra, um bailarino ou alguém da produção, ocupava o lugar, para delírio da galera. Como faltavam cinco hora para o show, o jeito foi sentar-se no chão. A alegria não durou muito tempo. Quando os telões foram içados, uma multidão lançou-se contra o palco e eu tive que me levantar em questão de segundos.

Conforme o tempo foi passando, mais pessoas iam se aglomerando ao nosso redor, causando um empura-empurra infernal. Além de não ser nada prazeroso estar ali, a visão começava a ser prejudicada por um palco baixo e por pessoas bem mais altas que eu. Sem muita alternativa, afastamo-nos e ficamos um pouco longe, porém, com uma visão geral do palco e dos telões.

Às 19h30, o Copacabana Club entrou em cena para animar os presentes e fazer uma espécie de esquenta. Realmente, precisávamos. Com o avançar da noite, o frio apertava e nem dois copos de cerveja eram capaz de aquecer. Um cronômetro foi acionado faltando meia hora para o espetáculo, com a seguinte mensagem: The show will begin in...

Ela não se atrasou. Foi pontual. Às 22 horas, um vídeo começou a ser veiculado nos três telões: um no palco e outras dois nas laterais. As imagens mostravam a narrativa condutora do espetáculo: primeiro, Britney é perseguida pela S.W.A.T; depois, no decorrer do show, um homem é mostrado como uma espécie de stalker; e, no final, ela acaba rendendo-o.

A apresentação começou com a já tla mencionada "Hold it Against Me". Os bailarinos entraram em celas individuais, dançando muito. Na segunda música, “Up N' Down”, ela falou ao público de 30 mil pessoas pela primeira de poucas vezes: “E aí São Paulo? Como vocês estão se sentindo?”. No entanto, devido ao som baixo de seu microfone, sua fala mal foi escutada.

Os que vão a um show de alguma estrela pop, esperam, antes de tudo, uma grande teatralização de tudo. Esperam bailarinos capazes, cenários suntuosos, trocas de roupas. Tudo é milimetricamente cronometrado, ensaiado e repetido à exaustão até que nada saia do script. Não há margem para esponteneidade ou emoções não programadas. Com o show de Britney foi assim também. Até suas falas faziam parte de um roteiro.

Os fãs mais antigos de Britney foram agraciados com apenas dois hits de seu repertório antigo: "...Baby one more time" e a balada “Don’t Let Me the Last to Know”. Já os mais recentes, que viraram seguidores dela depois de "Piece of me", foram brindados com "Toxic", "I'm slave 4 U" e "I wanna go", entre outras.

O show é encerrado com “Till the World Ends”, com Britney vestida com um corpete de leds, o público segurando folhas de papel com a inscrição “OH” (em referência ao grudento refrão da música), fogos no palco e Britney sendo levantada acima da plateia, com asas.

Não é segredo para ninguém que Britney não canta nenhuma música ao vivo. Sua voz, atualmente, já não é mais a mesma de alguns anos. Ela faz um bom uso dos playbacks e isso não é mais nenhum segredo para ninguém. Não é isso que incomoda. Também não é mais segredo que ela não está na mesma forma física que no início da carreira. Não, ela não está obesa como alguns querem fazer acreditar, mas seu corpo reflete a passagem dos anos. Ela também não possui mais os mesmos reflexos e o mesmo vigor para a elaboração das coreoagrafias complexas (os bailarinos se encarregam de distrair o público). Contudo, não resta dúvidas que ela está bem melhor que o tempo em que a grande mídia escancarava seus lapsos. Mas também está longe de sua melhor forma.

Talvez o problema é Britney não soa natural. Os excessos de artificialismos não incomodaram os grandes fãs, aqueles que se acabaram na fila durante semanas. Todavia, com certeza, não deixou dúvidas do quanto a cantora é controlado, mesmo que não queira ou demonstre não querer. Acontece que ela passou tanto tempo fazendo isso que, talvez, não saiba como ser de outro jeito.

SWU - Primeiro Dia - 12/11/2011

2011-11-16T17:29:00.001-02:00

Um sol forte e absurdamente escaldante já aquecia o céu de Paulínia, cidade no interior de São Paulo, às 10h00min da manhã quando deixamos o carro no estacionamento e rumamos para uma caminhada de quase trinta minutos em direção ao credenciamento para o II Fórum de Sustentabilidade realizado na segunda edição do Festival SWU. Os passos ansiosos nos conduziram sem muitos problemas para pegarmos nossos pulserinhas e podermos adentrar ao Parque Brasil 500, um espaço quase descampado, sem nenhuma árvore a vista, o que faziam das sombras quase que inexistentes. Naturalmente, tivemos nosso primeiro problema: cinco seguranças para a fila masculina (detalhe: homens não carregam tanta bagagem) e um para a feminina. Tivemos que esperar nossa amiga por quase quarenta minutos. Já dentro do Parque, besuntamo-nos (três amigos e eu) com protetor solar fator de proteção 40.

O prédio do Teatro Municipal de Paulínia impõe-se como uma amálgama arquitetônica logo na entrada. Colunas gregas, lembrando o Pathernon, paredes de vidro e formato de caixa de concreto, no melhor estilo Nyemier, o espaço abrigaria as principais palestras desse primeiro dia do Fórum. Dirigimo-nos à Chapelaria e munimo-nos de nossos fones de ouvidos. Acomodamo-nos nas confortáveis cadeiras do teatro e nossos corpos agradeceram à possibilidade de relaxamarmos um poucos, sob a refrigeração de um oportuno ar condicionado.

Acompanhamos com especial curiosidade a abertura do evento, com as boas vindas quase intermináveis de Eduardo Fischer, idealizador do SWU. Na sequência, o Governador do Estado de São Paulo, Geraldo Alckmin, foi recebido com algumas discretas vaias. Em sua fala, anunciou para 2012 um interessante projeto de redução do ICMS para que mercados possam investir o dinheiro na extinção das sacolas plásticas, substituindo-as por retornáveis. Depois, o prefeito de Paulínia, José Pavan Junior, falou sobre o aparente paradoxo do fato de um festival de sustentabilidade ser feito em uma cidade que possui a maior refinaria de petróleo do país.

Uma brilhante apresentação dos jovens do Projeto Guri fez o público do teatro balançar. Os meninos executaram com perfeição pérolas do cancioneiro clássico do rock. De quebra, cantaram "Parabéns a você" a Neil Young, aniversariante do dia, e palestrante inicial do evento. Apesar dos apelos de parte do público para que ele cantasse, Mr. Young disse que o objetivo ele ali era compartilhar sua experiência com um carro elétrico. No entanto, ficamos um pouco frustrados por dois motivos: Young não falou uma única palavra sobre o carro elétrico; antes, preferiu falar sobre os motivos que o levaram a preocupar-se com o meio ambiente, isto é, as ausências dos pássaros, tão presentes no Canadá, mas inexistentes nos Estados Unidos. O segundo motivo para frustração foram os tradutores contratados para fazer a tradução simultânia. Eram dois: um, inexperiente, gaguejava constantemente, não traduzia as sentenças inteiras e, o pior, não conhecia muito bem o nosso idioma português. O outro era um pouco melhor, mas tinha suas limitações: era espanhol e, sua tradução, carregada de sotaque, invariavelmente incluía palavras em castelhano. Lamentável.

Outro ponto negativo do Fórum foi a escolha dos palestrante e o tempo dedicado a cada um deles. O segundo foi Matthias Stausberg, chatíssimo, por sinal. A temática era até interessante, mas a abordagem não foi a das melhores. Stausberg preferia ficar lendo slides a realmente falar sobre o assunto. O terceiro foi o israelita David Cahen. Com uma bem humorada introdução sobre seu português inexistente e slides traduzidos para a nossa língua, Cahen saiu-se um pouco melhor com os demais, no entanto, o Fórum já estava perdido. A maioria do público abandonou a palestra pela metade (incluindo nós).

Mostrando nosso consumismo, fomos gastar nosso suado dinheiro em algumas lembrancinhas, que eram verdadeiros artigos de luxo: uma camiseta custando R$ 80,00 e um chaveiro custando R$ 20,00. Mas o grande susto ainda estava por vir quando pensamos em nos alimentar: uma água R$ 5,00, uma cerveja R$ 6,00 e um lanche indecente por R$ 12,00. Sempre me esqueço sobre os preços exorbitantes de festivais.

Já alimentados, rumamos às arquibandas no meio dos dois palcos onde ocorreriam os shows principais. Mal sentamos e Emicida fez sua parte. Na sequência, acompanhamos a destreza pop reggae de Michael Franti and Spearhead. Soja agradou bastante. Marcelo D2 fez uma das melhores apresentações da noite. Damian Jr. Gong Marley mostrou-se apenas correto. Snoopy Dogg entrou para a lista de "o que é isso que eu estou assistindo?" do line-up. Kanye West caprichou na megalomania: pirotecnia, dançarinas e épicos de 15 minutos marcaram a performance. E, por último, o Black Eyed Peas teve a apresentação mais longa da noite: mais de duas horas. Juntando o cansaço, a gritaria interminável de Fergie e a insistente repetição "Black Eyed Peas Forever", o grupo fez uma apresentação irregular, beirando a chatice, repetindo o momento "o que é isso que eu estou assistindo? [2]".

Terminado tudo, rumamos ao carro, para retornamos à nossa cidade. Enquanto saíamos, observamos a quantidade de lixo jogada na chão e isso serviu para uma grande reflexão: um festival de sustentabilidade, com poucos latões de lixo, com copos plásticos (os de papel não são uma melhor alternativa?), tem realmente uma validade real? Fico preocupado com essas boas intenções e até que ponto elas são legítimas. Tenho medo de tudo soar como a espetacularização da causa ambiental para ganhos financeiros. E isso não começa com você.

Viver sem tempos mortos (Teatro Raul Cortez, Outubro/2011)

2011-11-11T19:41:00.001-02:00

Sou uma pessoa que tem alguns sonhos para realizar antes de morrer ou antes que as pessoas envolvidas nos meus anseios morram. Um deles era o de presenciar o show de Roberto Carlos e eu consegui realizá-lo em 04 de dezembro de 2010. O outro era assistir à dama do teatro brasileiro nos palcos. Bom, este eu consegui atingir no dia 29 de outubro de 2011, por sinal, o dia do meu 29º aniversário.

Ao receber por e-mail uma propaganda da Ingresso Rápido, abri-o sem muitas expectativas. No entanto, meu coração saltitou ao ver uma imagem da atriz Fernanda Montenegro comunicando a reestreia dela no Teatro Raul Cortez na Capital Paulista. Era um prenúncio do possível cumprimento do meu desejo. Mais que depressa, fiz minha reserva e adquiri meu ingresso.

Viajei para São Paulo com uma ansiedade incomum. Afinal, veria a atriz pela qual torci feito um louco no Oscar de 1998, quando ela concorreu por Central do Brasil. Precisei controlar meus instintos para não ter uma colapso enquanto as horas passavam. Um calor dos infernos (nada comparável ao que eu enfrento diariamente em minha cidade, mas ainda assim, quente) foi a temperatura ambiente. Tirei um cochilo a tarde para o tempo passar um pouco mais rápido. Arrumei-me e fui em busca do teatro.

Não foi tão complicado encontrá-lo. Muitos dos espectadores já se encontravam por lá. Não esperei muito. Pouco depois, estava acomodado em minha poltrona, espernado a entrada da diva. As orientações pré-espetáculos foram dadas e as luzes apagadas. Meu ouvido começou escutar um barulho constante, como se alguém estivesse batendo uma estaca: era apenas o som do meu coração.

E no escuro, consegui distinguir a presença distinta e plena daquela mulher madura, no vigor de seus 83 anos. Trajando uma calça preta e um camisete branco, ela acomodou-se em uma singela cadeira de madeira colocada no centro de um tablado sobre o palco. Seu corpo na penumbra, deixado ver-se de relance por um tímido feixe de luz, emulou aquela voz potente e peculiar. Pronto! O acontecimento teatral estava estabelecido.

Pelos próximos sessenta minutos, acompanhamos a vida de Simone de Beauvoir e de seu grande ato de amor vivido com Jean-Paul Sartre. Uma vida que habitou o controverso século 20 e fez da liberdade a única condição para sua existência.

O diretor Felipe Hirsch aboliu quase completamente os elementos cênicos e os artifícios corporais, permitindo valer-se apenas do rosto e da voz de Fernanda. Com gestos contidos, olhares nuançados, sutis alterações de voz, é possível compreender todo o trabalho classudo da atriz. Não é necessário nada além disso. As mais de quinhentas pessoas presentes na plateia não estavam diante desse ícone; diante de nossos olhos, a única coisa que víamos era toda a complexidade emblemática de Simone de Beauvoir.

Finda a peça, o público rompe em um ininterrupto aplauso, que poderia durar a noite inteira se possível. Um mito estava ali, a nossa frente. Alguns mais ousados (eu, entre eles) não contiveram os gritos de "absoluta" e "diva". E naquele pequeno espaço, não éramos mais nós quem a ovacionávamos: Fernanda é que nos aplaudia.

Sem dúvida, em todos os meus vinte e nove anos de existência, poucos presentes conseguirão equiparar-se à grandeza deste que eu mesmo me dei. Obrigado, Fernanda.

"É na arte que o homem se ultrapassa definitivamente" (Simone de Beauvoir)

Os Smurfs (The Smurfs Peyo EUA , 2011 - 102 min.)

2011-10-28T09:42:00.001-02:00

Eu era criança nos anos 80 e assim me divertia passando algumas boas horas na frente da TV vendo as clássicas animações que a Xuxa passava. Os Smurfs era uma delas. Minha memória infantil não lembr muita coisa do programa, apenas das tentativas de Gargamel em encontrar a vila dos Smurfs para poder comer os bichinhos azuis ou transformá-los em ouro. Quando soube que as aventuras deles seriam transformadas em filmes e, o mais preocupante, que seria ambientada em Nova Iorque, fiquei com a pulga atrás da orelha. Mas, já que a gente está na chuva, que tal nos molhar?

Nunca fui muito fã de adaptações cinematográficas que mudam radicalmente a estrutura do material original. O resultado não costuma ser um dos melhores. E, neste caso especificamente, minhas suspeitas se confirmaram.

A trama é absurdamente boba. Gargamel e seu fiel companheiro, o felino Cruel, querem encontrar a vila dos Smurfs para que o feiticeiro possa usar as criaturas azuis a fim de fazer um encanto para torná-lo invencível. Graças às trapalhadas de Desastrado, a dupla vilanesca encontra a vila dos cogumelos. No desespero para fugir, Desastrado acaba pegando um caminho errado que o conduz a um portal dimensional. Papai Smurf, Smurfete, Gênio, Ranzinza e Corajoso vão atrás do amigo e terminam sendo transportados para o coração de NY, seguidos de perto por Gargamel e seu gato.

Na cidade grande, o publicitário Patrick (Neil Patrick Harris) e sua esposa Grace (Jayma Mays) se preparam para terem o primeiro filho. Além disso, ele tem a chance de conseguir uma bem-vinda promoção se conseguir convencer sua chefe, Odile (Sofia Vergara), que tem capacidade para ajudá-la no lançamento da sua nova linha de cosméticos. Nesse ínterim, conhecem os Smurfs e obterão a ajuda deles para mudarem suas vidas.

Um roteiro mais raso que uma poça d'água como esse não renderia boa coisa. Sinceramente, só consegue envergonhar a obra do belga Peyo ao repaginar os Smurfs para agradar a molecada do Século XXI. Somente essas crianças modernas é que irão apreciar toda a peripécia dos azuisinhos em NY. Para os demais, tudo soa vergonhoso demais.

Como se não bastasse o roteiro, as atuações também são decepcionantes. Harris e Mays até que se esforçam, mas não convencem de maneira alguma. Sofia Vergara, ótima em Modern Family, aqui revive uma caricatura piorada de seu personagem na sitcom que a consagrou. O único que salva é Hank Azaria como Gargamel. Se você não prestar bastante atenção, pode até acreditar que o próprio Gargamel dos desenhos foi transformado em live action sem saber.

No fim das contas, assistir aos Smurfs foi uma experiência, no mínimo, constrangedora, embaraçosa. Minha sobrinha adorou. E as crianças ao redor dela também. Talvez, o único deslocado ali fosse eu. Coisas de memória saudosista.

Fazendo Meu Filme 2 - Fani na terra da rainha (Editora Gutenberg)

2011-10-27T00:02:00.001-02:00

Meus lindos leitores, que me acompanham há mais de cinco anos, é uma honra parar mim estar viciado em uma série literária. Conforme já expressei o meu pesar pela minha exclusão em fazer parte desses grandes movimentos de fanáticos por alguma obra literária, sentia-me frustrado por ter passado batido pelos fenômenos Harry Potter e Crepúsculo (ok, deste último, não me sinto tão frustrado assim). Mas, agora, posso dizer, como todo orgulho, que eu já tenho uma série literária para chamar de minha. Trata-se de Fazendo Meu Filme, da mineira Paula Pimenta. Utilizei esse espaço para louvar a mão firme para a escrita e a leveza da narrativa que a autora Paula Pimenta possui. Poucos livros destinados ao público juvenil conseguem um diálogo tão rápido como estes que narra as aventuras da Fani. Mais uma vez, reafirmo que a personagem principal é uma adolescente crível e palpável, de uma jeito raro em qualquer produção, seja ela literária, fílmica ou televisiva (sim, estou falando de Malhação). Ao leitor, quase é possível reconhecer os traços da Fani em qualquer garota de dezesseis anos.

No primeiro livro, acompanhamos nossa heroina em busca de seu amor verdadeiro. Ela perdeu tanto tempo se apaixonando pelo cara errado que, quando descobre o certo, é um pouco tarde: o intercâmbio na Inglaterra começará. Terminamos com Fani deixando Leo no aeroporto e embarcando para o Reino Unido.

É justamente a partir daqui que começamos este Fazendo Meu Filme 2 - Fani na terra da rainha. Ela acaba de desembarcar na Inglaterra, conhece sua nova família e seu novo lar pelos próximos meses. No entanto, seu coração e sua mente ainda continua no Brasil e no Leo. Seus primeiros momentos são absurdamente dolorosos, divididos entre a consciência do intercâmbio ser uma grande oportunidade em sua vida e a descoberta de seu grande amor por Leo ser a maior oportunidade de sua vida sentimental.

Nós, leitores, sofremos com a ela, choramos com ela, torcemos por ela. No entanto, um e-mail com uma notícia bombástica fará com que Fani desista da ideia de abandonar o intercâmbio e voltar ao Brasil. Resignada, a jovem decide aproveitar ao máximo toda essa experiência em um país estrangeiro. E, neste momento, somos levados a essa viagem incrível e descobrimos também um lado da Inglaterra que jamais ousávamos imaginar.

Algumas passagens desse segundo livro beiram o lirismo, como a primeira vez em que Fani vê a neve ou quando somos apresentados a uma versão moderna do Príncipe Encantado chamado Christian, que, logo de cara, mexe com o coração da nossa protagonista. Em ocasiões como essas, percebe-se o inigualável talento de Paula Pimenta em combinar situações clichês, tão exaustivamente exploradas em comédias românticas, e conferer a elas um frescor, um ineditismo único.

Sem dúvida, este volume consegue ser melhor que o primeiro, tanto no desenvolvimento como no amarramento da trama. Estão de volta as mesmas referências cinematográficas e musicais que tanto deram charme ao primeiro livro. Pimenta continua explorar a dinâmica da troca de e-mails entre os personagens, dando uma visão do que acontece com os amigos e familiares de Fani (já que todo o livro é narrado sob a ótica dela). As reproduções das comunicações instantâneas também permanecem e levam rápida identificação com os mais modernosos.

Em uma dessas conclusões dignas de final de temporada de algum seriado que amamos, Paula Pimenta, mais uma vez, entrega um gancho perfeito e cheio de suspense para o próximo livro. Recomendo a todos que ainda se encantam bom histórias de amor bem contadas e que não desprezam o seu leitor, tratando-os com inteligência. Sem dúvida, um dos melhores exemplares nacionais voltados para os adolescentes.

Você não conhece Jack (You don't know Jack, EUA, 2010 - 134 min.)

2011-10-26T00:01:00.001-02:00

Ah, como é bom ver Al Pacino em grande forma, entregando uma grande atuação, utilizando todos os seus recursos dramáticos e não apenas trabalhando em stand-by. Mesmo que para isso seja necessário recorrer a um filme feito para a televisão, como é o caso deste Você não conhece Jack.

Vale ressaltar que estamos falando do canal americano HBO e isso é muito mais que muitos estúdios cinematográficos existentes por aí. Foi justamente neste canal que Pacino viveu um de seus maiores papéis na monumental Angels in America. Este novamente é um daqueles personagens que conquistou audiência, crítica e prêmios, muitos prêmios (Emmy e Globo de Ouro inclusos aí).
A história é biográfica e acompanha a vida do médico Jack Kevorkian, também conhecido com Dr. Morte, que auxiliou em mais de 130 suicídios assistidos na década de 80, quando passou a defender o que considerava uma morte digna a doentes terminais. O médico acabou condenado por homicídio em 1999, após dispensar seu advogado e comandar sua própria defesa em julgamento, e deixou a cadeia em 2007, em condicional.
Para dar conta de uma personalidade tão controversa, o diretor Barry Levinson (Rain Man) teve, além de Al Pacino, um elenco estelar, que inclui Brenda Vaccaro, Susan Sarandon e John Goodman. O diretor ainda contou com o inteligente roteiro de Adam Mazer, que, com brilhantismo, se propõe a levantar a polêmica em torno da eutanásia, apresentando não apenas os argumentos do médico e de seus aliados, mas também os dos opositores e inimigos que ele conquistou com sua filosofia. Apresentando os dois lados da questão, Levinson evita discursos moralistas, afirma seu posicionamento sem, contudo, escancará-lo ao espector e, mais importante, obriga-lo a adotar seu lado.
No entanto, mesmo com todas as qualidades técnicas e de direção, não resta dúvida que Você não conhece Jack é muito mais um trabalho de ator. E de um grande ator que é Al Pacino. Lançado recentemente em DVD no Brasil, aproveitando a morte do Dr. Jack Kervorkian, o filme é parada obrigatória para qualquer fã do ator e para cinéfilos em gerais.
É um clássico caso de telefilme que não faria feio nas telonas.

Gatos da Semana: Darren Criss e Naya Rivera

2011-10-24T13:13:00.001-02:00

Da série Glee chegam os dois gatíssimos dessa semana. O fofo Darren Crisse e a cremosa Naya Rivera. Podem buscar seus babadores e remédios para hipertensão que a coisa é realmente de tirar o fôlego!

E abaixo tem mais demonstrações evidentes de como você fica quando começa a beber Comfort.

Jane Eyre (Reino Unido, 2011 - 120 min.)

2011-10-23T18:33:00.001-02:00

Confesso que não sou um grande fã do romance de uma das irmãs, Brontë, a saber, Charlotte. Sinceramente, acho que não sou fã de nenhum dos romances que as irmãs escreveram. Este Jane Eyre é só mais um exemplo.

Muitos conhecem a história. Jane Eyre é uma jovem que passa algumas dificuldades na vida até se tornar preceptora em uma casa cheia de segredos. Logo, a moça e seu patrão apaixonam-se e começam a viver o que poderia ser uma promissora história de amor. Mas tudo isso acaba no dia de seu casamento, quando Jane descobre qual o segredo guardado na mansão.

Há muitos fãs deste livro ao redor do mundo. Tenho certeza que estes vão ficar bastante felizes com a fidelidade mantida pelo filme de mesmo nome. O figurino, a fotografia e a direção de arte são tamanhamente estupendos que é capaz de tirar o fôlego de qualquer um. Vislumbro algumas possíveis lembranças dessas categorias em premiações futuras.

As interpretações também são um caso a parte. Mia Wasikowska e Michael Fassbender, competentíssimos em outros trabalhos, não decepcionam neste também. Conseguem segurar bem a densidade de seus papéis; personagens tão complexos interpretados com correção acadêmica. O casal de protagonistas vem despontando como um dos grandes destaques dessa nova geração. Menção também para Amelie Clarkson, que interpreta Jane Eyre quando jovem.

Como eu mencionei, o filme agrada bastante aos fãs da obra. Mas, e quem não é fã? Como ficam estes diante de Jane Eyre? Bom, ficam igual eu: um pouco perdido e confuso. Afinal, como uma jovem como Jane se apaixona por um cara tão sinistro? O roteiro não dá conta de convencer o espectador sobre o nascimento deste romance.

A longa duração do romance também atrapalha um pouco, especialmente na parte final. E a edição, que tende a ser esperta com saltos temporais, mostrando ora o presente, ora o passado, é apenas engessada tentando soar inventiva e moderna. Sinceramente, não causa muita surpresa quando a história é colocada na ordem cronológica.

Jane Eyre é um filme impecável tecnicamente e nas interpretações. Exacerba um academicismo britânico impressionante. Contudo, não é emocionante e não cativa, erros graves para um romance com tantos fãs e tão conhecido.

Álbum: CSS - La liberación (Universal, 2011)

2011-10-20T13:41:00.001-02:00

Inicialmente conhecido como Cansei de Ser Sexy, mas agora mundialmente famoso como CSS, o quinteto paulista é uma das bandas mais requisitadas no cenário alternativo europeu. Eles são mais um dos exemplos de cantores que experimentam um reconhecimento absurdo no exterior ao passo que são ignorados em terra brasilis.
Desde agosto, está disponível seu terceiro álbum, La liberación. E o que a equipe do SEGDCP achou? Os destaques do novíssimo trabalho ficam por conta do single "Hits Me Like a Rock" com participação de Bobby Gillespie do Primal Sream, "City Grrrl" que é uma das faixas mais dançantes do disco e a homônima ao álbum "La Liberación", um rock simples e direto cantado em espanhol. Há também o alegre clima tropical de “Echo of Love”, com uma leve e surpreendente guitarra brasileira.
Esse clima leve absurdamente divertido, caractéristicas tão marcantes do CSS, é interrompido por uma sequência em busca da seriedade - algo bem alheio à banda, causando um nítido estranhamento aos fãs - com as faixas existencialistas “Partners in Crime” (com um destoante solo de piano de Mike Garson, que toca com David Bowie), “Ruby Eyes” (de instrumental tenso e com letra sobre maconha) e “Rhythm to the Rebels”.
Além de Bobby, a banda contou com mais participações especiais, a dupla novaiorquina de música eletrônica Ratatat e o pianista Mike Garson, ex-colaborador de David Bowie, também participam no álbum.
O novo álbum é marcado por um sentimento de rompimento e pela busca do novo amor. Aliada a essa temática, está a experimentação de uma sonoridade nova. Justamente essa tentativa de inovar, partir para novas praias que faz de La liberación um disco de resultado final um pouco desconexo.
Os acostumados à raiva e à anarquia dos dois primeiros trabalhos do CSS poderão estranhar um pouco as faixas desse novo álbum. Não que isso seja ruim. Demonstram apenas que o quinteto paulista é capaz de falar sério quando isso é exigido deles e que não se apoioam exclusivamente na diversão, na descontração. Isso é um ponto muito positivo!

A Fera (Beastly, EUA, 2011 - 90 min.)

2011-10-19T09:59:00.001-02:00

Desde que a palavra releitura foi inventada, tudo que é produzido atualmente no mundo do entretenimento é uma versão moderna de alguma coisa que já foi feita no passado. Não que isso já não acontecesse antes. Por exemplo, vamos pegar qualquer filme antigo e pense um pouco: já foi feito de alguma outra forma. No entanto, tudo ficava meio escondido e não era tão explícito.

Agora, é moda produzir versões modernas de tudo. Já tivemos a vergonhosa versão de Chapeuzinho Vermelho (A garota da capa vermelha). Em breve, o cinema será inundado por várias versões modernas de a Branca de Neve. Este A Fera, que só aporta nos cinemas nacionais em dezembro, é uma atualização de A Bela e a Fera. WTF? Pois é, meus lindos, até isso mereceu uma versão modernizada.

Kyle Kingson (Alex Pettyfer) é um jovem que tem tudo: inteligência, beleza, riqueza e boas oportunidades, mas possui uma personalidade perversa e cruel. Após humilhar uma colega de classe, ele é amaldiçoado por ela para se tornar tudo o que ele despreza. Nervoso com a sua nova e horrível aparência, Kyle vai atrás da garota e descobre que só terá a sua beleza de volta se fazer com que alguém consiga amá-lo, algo que ele considera impossível.

Confesso que a coisa toda, especialmente no começo, beirou o risível. Durante a pré-produção, vasou um comunicado de que os produtores estariam a procura de um ator do tipo Robert Pattinson. E de repente, me entregam Alex Pettyfer? Ok, não que Pattinson seja a oitava maravilha do mundo. Ele não é. Mas Alex também não é grandes coisas e entrega uma interpretação medíocre. Mas talvez a culpa não seja totalmente dele. Um pouco de inexperiência e poucos recursos interpretativos contribuem para isso. Além do mais, é sintomático que sua melhoria de atuação dentro do filme aconteça, justamente, quando o ator usa a maquiagem que o transforma na tal "fera". Eu já conhecia o mesmo desde Eu sou o número 4 e não gostava muito do trabalho dele. Aqui, ele não convence, não tem expressão.

Vanessa Hudgens dá uma salvada no longa. Nunca a achei uma grande atriz (talvez porque ela não seja mesmo), mas em A Fera ela encarna bem o papel da bela e ingênua moça que se apaixonará pela horrenda fera egoísta. Ela abraçou todos os dramas pueris da personagem e consegue inundar a tela com sua presença; o que não é tão complicado quando é colocada ao lado dos outros atores sofríveis. Destaque também para os momentos divertidos com Neil Patrick Harris como o tutor cego Will.

Nos aspectos técnicos não há nada de surpreendente. A fotografia e edição do longa, muitas vezes, passam a sensação de um filme televisivo barato. O mesmo se aplica ao roteiro raso, com diálogos pouco elaborados e conjunto maçante.

A Fera é bem aquilo que promete ser através do marketing utilizado: uma historinha de amor bonitinha e com final feliz, aliada a uma lição de moral para sustentar o roteiro. Traduzindo: descartável e desnecessário; um claro desperdício de dinheiro que só vai agradar meninas e adolescentes histéricas fãs de Crepúsculo.

Nota de falecimento: R.E.M.

2011-10-17T16:02:00.002-02:00

Ainda me lembro da minha adolescência e da descoberta do rock'n'roll. Todos os meus amigos estavam na onda de curtirem Guns'n'Roses. Outros mais radicais partiram para o som pesado do Metallica. Sinceramente, nem a banda de Axl Rose, nem a de James Hetfield, conseguiam atingir minha mente e meu coração da maneira que tocava meus comparsas.

Aproveitando esse momento rock, comprei uma coletânea com várias pérolas do cancioneiro mundial. Foi no ano de 1997. Entra as doze faixas, havia aquela que marcaria a minha vida para sempre.

As cordas de um violão soavam de uma forma poderosa e pungente. A letra falando sobre a desesperança e a perda da religião. Estava diante de um petardo certeiro: Losing my religion. O meu primeiro contato com os americanos do R.E.M. não poderia ter sido de outro modo melhor. Na mesma época, as rádios começaram a ser bombadeadas com Imitation of life, que fazia parte da trilha sonora de uma novela super meia-boca chamada Um anjo caiu do céu.

Pronto! Já não tinha mais jeito. Eu estava completamente tomado pela sonoridade produzida por Michael Stipe e sua trupe. Com 15 álbuns lançados desde os anos 90, o R.E.M. era conhecido no circuito underground universitário. Não demorou muito para cativar os ouvidos carentes de um som alternativo.

Um detalhe: é a única banda da qual eu possuo os 15 álbuns originais, conquistados a muito custo financeiro e perseverança.

O álbum de maior sucesso da banda, sem dúvida, foi Out of time, que continha a já mencionada Losing my religion e ainda outros singles como Shiny Happy People e Radio Song. Foram seis Grammys e três VMA.

Após isso, foram 31 anos de grande sucesso, marcado por letras bem compostas e arranjos simples, porém contundentes. Stipe é reconhecido como exemplo de bom-mocismo e pessoa cool.

Os últimos anos foram delicados para a banda, marcado por lançamentos irregulares e letras não tão cativantes como em trabalhos anteriores. Contudo, neste ano, com a estreia de Collapse into now. A avalanche de críticas positivas acenavam para o que poderia ser uma turnê lucrativa. Contudo, no dia de 21 de setembro de 2011, o mundo (e eu) foi atingido por uma trágica notícia: o fim do R.E.M.

Em seu site oficial, uma nota foi publicada: “Para nossos fãs e amigos: Como R.E.M., e como amigos da vida toda eco-conspiradores, decidimos acabar a banda. Vamos embora com muitagratidão por tudo o que conquistamos. Para quem já se sentiu tocado pornossa música, nosso mais profundo agradecimento pela atenção.”

Confesso que chorei ao ouvir a notícia. O mundo do rock ficou bem mais triste. E fiquei ainda mais abalado por saber que tive duas oportunidades de presenciar a banda tocando em território nacional (uma em 2001 e outra em 2008) e que, por circunstâncias maiores, não pude presenciar.

Resta a esperança de que, em algum dia futuro, eles possam se reunir e voltar a tocar o meu coração como sempre tocaram. Descanse em paz, R.E.M.

Um novo despertar (The Beaver 2011 , EUA - 91 min.)

2011-10-10T23:59:00.003-03:00

Um homem deprimido, à beira do suicídio, encontra a solução para seus problemas emocionais quando coloca o fantoche de um castor em uma das mãos e cria uma nova personalidade inspiradora para o roedor de pelúcia.

A sinopse acima beira o absurdo e poderia soar desproposital em mãos mais pesadas e nem tão sensíveis. Mas não foi o que aconteceu com a singela direção de Jodie Foster em seu terceiro longa. No entanto, mais que contar com uma direção simples e segura, Foster possui a seu favor o brilhantismo interpretativo de um ator que há muito tempo precisava dar uma volta por cima e mostrar que ainda é bom: Mel Gibson.

Os constantes escândalos nos quais o ator vem se envolvendo, impulsionado por declarações homofóbicas e antissemitistas se encarregarm de deixar Mel sem a mesma credibilidade que possuía há alguns anos, quando encabeçou cults como Máquina Mortífera e Mad Max, chegando ao ápice quando foi agraciado com uma estatueta do Oscar pela Melhor Direção em Coração Valente.

Um novo despertar é muito mais sobre esse retorno de Mel Gibson ao campos das atuações que propriamente um exercício de estilo da diretora Jodie Foster. É um trabalho de dupla personalidade magnífico e prova para quem quiser ver que apesar de tudo, Mel Gibson ainda sabe atuar muito. É nítida a divisão das atuações. Quando assume o Castor, fala com um tom de voz bem diferente e um divertido sotaque daqueles ingleses absurdamente sacanas. Memorável.

Outro que provou seu valor como ator é Anton Yelchin, que dá vida ao filho mais velho de Walter (Gibson) e Meredith (Foster), Porter. O rapaz não suporta mais a presença doente do pai e luta diariamente para não se tornar como ele. Está no último ano do colegial, ganha dinheiro fazendo trabalhos para colegas de classe e busca uma razão para continuar com sua vida nos eixos. Acontece que ele é muito mais semelhante ao pai do que imagina.

O roteiro de Kyle Killen é inteligente e sabe transformar uma situação surreal em algo absurdamente crível. As cenas vão do nonsense, passando pelo hilário, chegando ao emocionalmente tocante em questão de segundos, impressionando pela sutileza precisa. As atuações firmes e emblemáticas ajudam a construir ainda mais essa sensação.

O único ponto negativo da coisa toda é o didatismo quase que primário de Jodie Foster. Ela tenta, por mais de um vez, escancarar ao público as decisões roteirísticas tomadas. Assim, torna-se óbvio ao espectador, lá pela metade da projeção, prever como a história terminará.

Naturalmente, isso não é de todo ruim e não chegar a atrapalhar o resultado final de Um novo despertar. Como dito, é verdadeiramente o início de uma volta por cima de Mel Gibson aos tempos em que ele entregava boas atuações. Isso é um mérito e tanto!

Bonus track: acompanhe a transcrição do momento em que Walter justifica, perante as câmeras de TV, as razões que o levaram a aceitar um Castor de fantoche comandar sua vida:

"Bem, às vezes, chegamos em um ponto que para continuarmos, temos que recomeçar do zero. Começamos a nover presos dentro de uma caixa e não importa o quanto tentamos escapar (auto-ajuda, terapia, remédios), parece que afundamos cada vez mais. E a única forma de sair da caixa é livrando-se de tudo isto de uma só vez. Afinal, você a construiu. Se as pessoas a sua volta despedaçam o seu espírito? Quem precisa dele? Seus amigos fingem te amarem? Sua família que não te suporta? Digo, acabe com o sofrimento deles. Recomeçar não é loucura. Loucura é ser miserável e andar por aí sonolento, insensibilizado dia após dia. Loucura é fingir que é feliz. Fingindo que do jeito que as coisas estão é como devem estar pelo resto da sua vida. Todo potencial, esperança, toda a alegria, sentimento, toda a paixaõ que a vida sugou de você. Alcance, agarre com toda sua força e a arranque de volta deste bando de sanguessugas".

Indescritível!

Gatos da semana: Daisy Lowe e Guy Berryman

2011-10-09T21:44:00.001-03:00

E hoje dois gatos com fortes ligações com a música. Ela é filha da cantora Pearl Lowe e Gavin Rossdale, da banda Bush, atual marido de Gwen Stefani. Ele é baixista de uma das maiores bandas da atualidade. Estamos falando de Daisy Lowe e Guy Berryman.

Curtiram, não é? Não é a toa que esta é a sessão mais visitada do nosso espaço. Fiquem a vontade para expandir essa postagem e analisar ainda mais como ficam as pessoas que fazem uso constante de Comfort.

De repente, Califórnia (Shelter EUA , 2007 - 97 min.)

2011-10-09T09:33:00.000-03:00

Todo mundo conhece a velha fórmula cinematográfica batidíssima em produções românticas: rapaz conhece garota, se apaixonam, surgem obstáculos, eles passam por todos e terminam felizes para sempre. Desde os clássicos contos de fadas às comédias românticas mais recente, essa é uma fórmula que tem dado muito certo. Com De repente, Califórnia a coisa não é diferente. O filme segue essa mesma cartilha, contudo, com um aspecto diferente: ao invés de conhecer uma garota, rapaz conhece um garoto, se apaixonam, surgem obstáculos, eles passam por todos e terminam felizes para sempre. Sim, meus caros, esta produção inaugurou o selo Filmes do Mix, responsável pela distribuição de filmes GLS no Brasil.

Quando foi lançado, o público gay brasileiro caiu de amores pela história entre os dois rapazes. A trama, bastante simples, decidiu não ousar muito. A história acompanha o jovem Zach (Trevor Wright), artista urbano que coloca seus sonhos de lado para ajudar a família. Sua irmã, Jeanne (Tina Holmes), é mãe solteira de Cody (Jackson Wurth), criança que tem em Zach sua única figura paterna. A vida do rapaz muda quando surge o escritor Shaun (Brad Rowe) e a amizade casual que surge, inicialmente motivada pelo surf, se desdobra em intimidade.

Apesar do forte apelo com a fatia GLS, como cinema, De repente, Calirfórnia é absolutamente irrelevante e não conquistará o marco que filmes como Brokeback Mountain e Transamérica conseguiram. E isso não acontecerá justamente por isso: como experiência cinematográfica, a produção não contribui em nada.

A estreia do diretor Jonah Markowit, que também assina o roteiro, é apenas correta, sem inovações e demonstra até certa preguiça. Em aspectos visuais, o filme acerta em manter algumas soluções visuais já experimentadas. Fotografia, edição, tudo que o cinema fez antes é repetido com empenho. Até aí, nada demais uma vez que a função de um diretor é justamente essa. O maior problema está no roteiro superficial e sem maiores avanços. Tudo o que é mostrado nas telas, o espectador com um pouco de conhecimento da Sétima Arte viu outras vezes, só que melhor.

Sei que talvez isso pode até chatear o público específico que gostou do filme. Eu mesmo o adorei. Contudo, o fato de ter gostado do longa não me impediu de ver falhas cruciais na execução final do projeto. E isso é imperdoável em qualquer tipo de cinema, seja ele de nicho, seja ele universal.

Lanterna Verde (Green Lantern EUA , 2011 - 114 min.)

2011-10-06T07:31:00.001-03:00

No dia mais claro. Na noite mais densa. Ai ai, o juramento dos Lanternas Verdes não são a coisa mais fofa e linda do mundo das HQs e, por não, do universo pop? Eu também acho.

Pena que o filme não conseguiu fazer frente às minhas memórias infantis quando eu ainda acompanhava o herói com um anel nas manhãs do SBT quando ele atuava em conjunto com a Liga da Justiça.

Não, meus lindos, eu não sou um desses viciados em HQ, que sabem todos os detalhes da mitologia por trás de cada personagem, bem como todos os universos aos quais eles pertencem, nem suas variedades de cores. Nada. Mas eu acho que entendo um pouquinho de cinema e, como produção da Sétima Arte, o filme Lanterna Verde deixa muito a desejar.

Hal Jordan (Ryan Reynolds) é um audacioso piloto de aviões que foge de qualquer responsabilidade. É assim que mantém a amizade com Carol Ferris (Blake Lively), colega de infância e também piloto, que está prestes a assumir o comando da empresa do pai. Hal e Carol tiveram um caso no passado, que não seguiu em frente por causa dele. Um dia, a vida de Hal muda ao ser envolto em uma redoma verde e levado até um alienígena prestes a morrer, chamado Abin Sur (Temuera Morrison). O extraterrestre lhe entrega um estranho anel e diz que ele foi escolhido, além de alertar sobre as responsabilidades de possuí-lo. Ao usá-lo Hal torna-se o Lanterna Verde, tendo condições de moldar a luz verde da forma como sua imaginação permitir. É apenas o início da jornada do herói, que viaja até o planeta Oa para aprender a usar suas novas habilidades e tem como grande teste o temido Parallax.

Ryan Reynolds, por mais lindo e fofo que seja, não é nenhum Robert Downey Jr. Faltou-lhe argumentos interpretativos para viver um sujeito levemente arrogante, que já passou por fases motivadas pelo medo. Como se não bastasse isso, não há um carisma necessário para comprarmos seu "drama".

E o roteiro também há várias lacunas. O tempo todo Hal é vendido como um homem pronto para desafiar seus medos. Os conflitos ficam apenas na superfície e não fazem muito sentido, como por exemplo, por que raios Hal não tem medo de voar até perder o controle mas tem medo de puxar a alavanca do assento ejetor? Martin Campbell, o diretor, admitiu estar na empreitada somente pelo engordamento de sua conta financeira. Assim, a solução encontrada para explicar determinados conflitos é utilizar uma verborragia cansativa e fática. As atitudes de Hal são incoerentes e ele decide agir com a responsabilidade de seus novos grandes poderes após uma conversa profunda como uma poça d'água com sua namoradinha de infância. Sequência bocejante.

O visual até que é caprichado. A Indústria dos efeitos especiais permitem realizações sem limite. O que a sua imaginação for capaz de construir, o computador transforma em realidade. Ninguém se sentirá diante de cenários falsos com o soberbo design do filme. Uma pena que não há um bom roteiro para sustentar tamanho investimento.

Lanterna Verde é divertido para quem não é um fã xiita ou para quem não busca na produção nada além de um escapismo para os problemas diários. Quem busca um bom filme de super-herói deverá esperar pelo próximo filme do Morcegão.

True Blood - 4ª Temporada (2011)

2011-10-05T09:57:00.001-03:00

Há quatro anos, Allan Ball nos agraciou com uma das melhores séries atuais sobre vampiros. E isso em uma época em que os vampiros tradicionais estavam cedendo espaço para seres purpurinados, com veia byroniana e muito pó branco no rosto, combinando com roupas da moda. Ball fez o espectador recordar-se de como era bom o tempo em que esses seres com caninos avantajados e imortalidade desfilavam por aí mordendo pescoços e distribuindo maldades e vilanias. O roteirista premiado com o Oscar por Beleza Americana resgatou os vampiros de seu limbo crepusculiano.

Após três temporadas, no entanto, a série True Blood evidenciou alguns sinais de cansaço e esgotamento criativo. Especialmente a terceira temporada, teve algo de enfadonho, mesmo com todas as cenas de impacto (ninguém se esquece do apresentador de TV sendo estripado ao vivo). Havia uma certa apreensão com essa quarta temporada.

O começo foi um pouco lento e confuso. Sinceramente, prefiro esquecer toda aquela sequência envolvendo o mundo das fadas. Foi, no mínimo, constrangedor. A narrativa só começou engrenar com o surgimento do antigo espírito da Antonia, uma bruxa responsável pelo massacre de vampiros na época da Inquisição. Quando o espírito possuiu o corpo de uma wicka moderna, Marnie, e esta tirou as memórias do vampiro nórdico Eric é que a quarta temporada entrou nos eixos. As cenas dele com Sookie, algo esperado com ansiedade por vários fãs da série, renderiam um spin-off erótico dos bons, de fazer corar qualquer filmeco passado no saudoso Cine Privê. E não foi só isso. A química entre Alexander e Anna foram tão intensas que bastavam os dois estarem juntos para ver as faíscas.

Naturalmente, o mesmo problema recorrente nas outras temporadas: o excesso de personagens e a saturação das mitologias impedem as histórias de serem desenvolvidas de maneira satisfatória. Esse ano foram fadas, panteras, lobisomens, bruxas, médiuns, feiticeiros, metamorfos e, é claro, vampiros. Tudo convivendo junto. Graças a Deus, as histórias envolvendo as panteras e a batalha interna das fadinhas foram sabiamente abandonadas nos primeiros episódios. Isso serviu para conceder um maior dinamismo maior à narrativa. Outras tramas promissoras tiveram seus final simplificado e decepcionante: alguém se lembra do baby killer de Arlenne? Tinha tudo para ser um grande desafio, mas mostrou-se furado.

Lá pelo oitavo episódio, a coisa começou a degringolar novamente. Os episódios não acrescentavam nada para a história e servia apenas para encher linguiça. A trama na avançava. Em alguns aspectos, até retrocedeu. Sinceramente, alguns personagens desnecessários receberam um destaque não merecido (alô, Tara, estou falando com você).

Mas serviu também para evidenciar o talento de Fionna Shaw. A cada episódio era um enorma prazer visual ao vê-la em cena. Sua interpretação foi digna de todos os prêmios possíveis e impossíveis da temporada. Antes, enquanto ainda acreditávamos que Marnie era uma mera inocente, tínhamos duas atuações distintas: a bruxa moderna inocente e a malvada vingativa do passada. Mas depois descobrimos que Marnie era quem controlava a situação. Então pensem só no trabalho complexo da atriz e em quantos papéis ela entregou nas telinhas: Marnie inocente, Antonia no corpo de Marnie e junção de Marnie com Antonia. Praticamente, três personagens. E, diferente dos outros vilões de True Blood, ao menos, teve um desenvolvimento final mais digno.

Outro ponto positivo foi o envolvimento de Jason com Jéssico. Isso apenas acrescentou ainda mais possibilidades aos dois personagens. Jogar um nos braços dos outros, trouxe Jason de volta às velhas raízes, quando ele passava mais de 60% do tempo transando. É uma honra ter isso de volta.

E, é claro, Sookie teve um desenvolvimento melhor nessa temporada. Seu drama de Dona Flor e seus dois maridos foi solucionado de maneira bem inteligente: ela ama Bill e Eric, cada um com suas peculiaridades e a sua maneira. No entanto, ela concluiu que não pode simplesmente ficar com nenhum dos dois. E foi a mais sábia decisão já tomada pela fadinha.

A quarta não supera os superlativas primeira e segunda temporada, mas com certeza, apagou da mente do espectador o fiasco que foi a terceira. Sem dúvida, dá um novo fôlego para essa quarta temporada. Resta saber o que titio Ball vai nos preparar agora.

A árvore da vida (The Tree of Life EUA , 2011 - 139 min.)

2011-10-03T22:55:00.001-03:00

E é com muito prazer que digo que Terrence Malick está de volta. O cineasta, conhecido por seus hiatos entre as produções, retornou à sétima arte com o filme A árvore da vida.

O prazer que tive em esperar por uma produção de Malick é a mesma que tive ao esperar o mestre Kubrick finalizar seu incompreendido De olhos bem fechados. Sim, meus lindos, o titio aqui considera Malick praticamente um Kubrick. Ambos levam o cinema de autor ao pé da letra e conseguem produzir obra contundentes em tempos cinematográficos tão cínicos, como a Hollywood atual. Daí que uma obra vigorosa como A árvore da vida já é um grande feito, mesmo que o resultado final não seja tão glorioso quanto suas intenções.

Jack (Sean Penn), executivo de meia idade de uma grande companhia, enfrenta uma crise existencial e mergulha em recordações de grande parte de sua infância ao lado dos dois irmãos mais novos, seu pai (Brad Pitt), um engenheiro militar ao mesmo tempo rígido e afetuoso, e sua mãe, doce, alegre e compreensiva, revivendo inclusive a dor da perda do irmão do meio, quando este tinha cerca de 18 anos de idade. Naturalmente, Malick prefere uma narrativa não-linear, emoldurada pelas reminiscências do executivo, como um grande recorte de lembranças. Ainda se vale da complicada relação entre pai e filho para metaforizar a relação Deus/homem e lançar uma ilustração sobre o surgimento do universo e da vida.

Este talvez seja o filme mais religioso de Malick, acostumado a inserir paralelos bíblicos em suas tramas. Ao explicitar o vínculo do divino com a humanidade, o diretor busca encontrar respostas para questionamentos antigos. Sempre seus personagens infantis indagam as razões que motivam seu pai, é o próprio Malick perguntando a Deus sobre as motivações do Pai Eterno.

A experiência cinematográfica causada por A árvore da vida é arrebatadora aos sentidos, especialmente visão e audição. Toda a fotografia promove uma verdadeira poesia visual. A edição desconstruída são como versos decassílabos trabalhados para produzir um efeito existencialista em seu espectador. Todo esse arrebatamento, associado a uma trilha sonora intimista de Alexandre Desplat e peças clássicas, eleva o espírito de quem assiste a ponto de desconsiderar algumas pequenas falhas.

Justamente essa edição muito inspirada em peças publicitárias modernas e essa necessidade recente do cinema atual em costurar qualquer cena com uma trilha sonoroa mais comovente são os pontos mais fracos do filme de Malick, o que impediu deste longa ser a obra-prima do diretor. Claro que toda a poesia visual ocasiona um inebriamento da mente de quem vê a produção. São tantos pequenos estilhaços pincelados na tela que fica complicado aprofundar na derme malickiana.

Os atores estão soberbos. Penn, nos poucos minutos em que aparece, nos convence de seu drama. Pitt anda cada vez melhor em termos de atuação. É notável e admirável ver que o ator se submete à mão dos grandes diretores para tornar-se um bom profissional. O trio de garotos, sejam os mais novinhos, ou os mais velhos na fase pré-adolescente, dão um show.

O maior mérito da A árvore da vida é reproduzir em teor bem simples o preceito de Deus ao instalar a Árvore do Conhecimento do que é bom e do que é mau no jardim do Éden. Logo tem-se a explicação de que diante do homem há dois caminhos: o da natureza e o da graça. Malick defende a ideia de que é possível viver o caminho da natureza, mundano, que satisfaz a si mesmo e o caminho da graça, absoluta e universal, sem ser preciso escolher um deles.

Mesmo que as cascas usadas sejam um pouco batidas e quase beirando o clichê poético, o que Malick conseguiu com seu filme é digno de qualquer grande diretor. Sim, Sr. Terrence Malick, eu te considero um dos grandes.

Billionaire + Famo$a = Leitte estragado

2011-10-03T10:04:00.002-03:00

Para começar, eu nem gosto tanto da música assim. E, para terminar, não sou um dos mais entusiastas de Bruno Mars e companhia. Contudo, não há como negar o fato de Billionaire ter sido um imenso sucesso, tocando exaustivamente em todas as rádios. Mesmo se você estivesse em Plutão (que agora é um planetoide), com certeza a ZKW, rádio preferida de novo em cada dez plutanianos, tocaria Billionaire. Na singela canção, o eu lírico diz que quer muito ser um milionário para poder realizar todos os sonhos de consumo capitalista que possui. Em anos de recessão americana, nada melhor que muito dinheiro para poder estar por cima da carne seca. Nada mais justo. Vejam só a canção.

E como agora está aberta a temporada de esculhambação da Claudia Leitte depois do fiasco da apresentação dela no Rock in Rio (que eu tive o desprazer de assistir), o nosso humilde espaço não poderia ficar de fora. Por isso, ofereço a minha cota de esculhambação. Vamos azedar o leite (com trocadilhos, por favor).

O que era uma canção totalmente autocentrada, egoísta e utópica, a baiana nascida em São Gonçalo transformou em um axé sofrível com letra sobre amor com o "inusitado" nome de Famo$a (essa Claudia é uma Boza mesmo e até colocou um cifrãozinho no título!). Ah, mew, na boa! Para os fãs de axé, isso deve ser o máximo, mas peralá. Trocar um verso como "Eu quero muito ser um bilionário / Comprar todas as coisas que eu nunca tive / Eu quero aparecer na capa da revista Forbes / Sorrindo ao lado da Oprah e da Rainha" por algo tão pífio como "Eu quero ser muito famosa / E ter o seu amor / Mas quero sentar no sofá do Jô / Eu quero casar com você / E estar na TV / Faturar milhões no BBB" é promover um samba do crioulo doido em nossas pokers faces. Acompanhem a destruíção de uma música que já não era lá grandes coisas.

Ai, gente, o que mais me preocupa não é ela ser essa enganação gigante (ela não tem carisma, não é baiana, não é cantora). O que me preocupa é o espaço que uma pessoa como essa tem conquistado ano a ano. Para a cultura pop, isso sim é estar mais perdido que qualquer tradução.

Transformers 3 - O lado oculto da lua (Transformers - Dark of the Moon EUA , 2011 - 157 min.)

2011-10-02T16:31:00.001-03:00

Sabe quando você está em uma festa e encontra aquela pessoa absurdamente linda e decide que precisa falar com ela ou então ter alguma coisa a mais com ela que uma simples conversa? E, depois, ao manter um papo com a pessoa, descobre que ela é incrivelmente burra, mas burra mesmo? Essa é a sensação que tive ao ver Transformers 3 - o lado oculto da lua.

Depois da avalanche de críticas recebidas pelo segundo filme da série, onde jogou fora tod a cartilha escrita por anos pela Sétima Arte em termos narrativos, Bay decidiu que o terceiro filme da série deveria ser diferente e com os pés fincados em uma "história" um pouco mais crível e que justificassem as cenas de ação.

A trama mostra que a relação dos robôs com a raça humana é antiga e remonta à corrida especial entre russos e americanos. Envolvem presidentes antigos, personagens históricos e muita pataquada religiosa. Depois de uma guerra civil entre Autobots e Dececpticons, o planeta Cybertron foi devastado. Uma nave com a tecnologia de ponta do antigo país foi enviada ao espaço e acabou aterrisando na lua. Os humanos descobrem esse poderio e tentam utilizá-lo de alguma forma. O que não se imagina é que tudo não passa de um plano secreto para os Decepticons dominarem o mundo (#PinkeCérebrofeelings).

Enquanto isso, aqui na Terra, Sam continua sendo o mesmo fracassado que conhecemos mesmo depois de ter se formado na faculdade e até recebido uma condecoração do Presidente dos Estados Unidos. Ele é sustentado por uma nova namorada, igualmente linda e igualmente burra como a anterior e ainda é o único elo de ligação entre humanos e máquinas. E terá nessa nova luta entre Autobots e Decepticons para mostrar que realmente possui seu valor.

Depois de "perder tempo" com toda essa "enrolação" de história, Bay mostra o que realmente sabe fazer: destruir grandes metrópoles (desta vez é Chicago), utilizar muito bem a tecnologia a favor de cenas de ação cada vez mais impressionantes, absorver o 3D para criar um impacto visual ainda maior. Não há dúvidas que, na atualidade, Michael Bay é o diretor mais bem capacitado em criar uma atmosfera de impacto tão grande capaz de fazer o espectador perder o fôlego, em especial quando conduz uma sequência de quarenta minutos com tanta coisa acontecendo na tela que resta a pergunta sobre o que é verdadeiro e o que é real naquilo tudo. O cinema recente vê em Transformers uma acuidade visual inédita até então.

Uma pena que a embalagem envolva um produto tão pobre e com frases de efeito de revirar o estômago de qualquer um (Optimus Prime é o campeão com falas do tipo "o problema não é perder a fé na gente, e sim perder a fé em vocês" ou então "depois da tempestade, sempre vem a calmaria". Autoajuda pura).

Gatos da Semana: Shakira e Rafael Nadal

2011-10-01T15:47:00.003-03:00

A nova edição dos Gatos da Semana demorou, mas eu prometo que farei falei a pena.

Ela é cantora e ele é um tenista. Na noite de ontem, ela mostrou ao Brasil e ao Rock in Rio como uma grande celebridade da música pode ser sensual e não soar vulgar, de gosto duvidoso. Evidenciando que não tem osso algum no corpo e dando um tapa com luva de pelica na cara de determinadas artistas brasileiras que afirmaram que artistas internacionais possuem descaso com nossa terra, Shakira mostrou porque é uma das grandes do mundo pop. E, no videoclipe de Gipsy, ela recebe a participação dele, Rafael Nadal, tenista e um bom exemplo de sensualidade masculina, sem ser necessariamente um rosto bonito. Confiram as fotos abaixo e aviso: remédios de pressão são aconselháveis nessa hora.

É muita cremosidade para duas pessoas só, né minha gente?

Porque beber Comfort não é para qualquer um...

A tempestade (The Tempest, EUA, 2010 - 110 min.)

2011-10-01T10:51:00.001-03:00

William Shakespeare, dramaturgo inglês, é uma das maiores fontes de inspiração para escritores modernos. Ainda que indiretamente, a maioria das tramas atuais bebem generosamente dessa fonte. Seu estilo em verso pode afugentar os que se dispõem a ler o original, no entanto, suas histórias de amor, traição, drama, vingança, cativam.

A tempestade foi a última peça escrita pelo bardo. Julie Taymor, mais conhecido recentemente pelo musical Across the universe no qual utliza músicas dos Beatles, dirige a adaptação cinematográfica do obra. Para tanto, realiza uma pequena, mas fundamental mudança. Concebido inicialmente como do sexo masculino, transforma Próspero em mulher, Próspera (interpretada com vigor por Hellen Mirren). Com isso, contextualiza a trama para os Séculos XVI e XVII, onde mulheres que mexiam com as forças do ocultismo eram acusadas de bruxaria.

Prospera principia seu plano de vingança, depois de ser expulsa do seu reino pelo próprio irmão, acusando-a de feitiçaria. Ao ser banida, levou junto sua filha de quatro anos. Com a ajuda de Gonzalo (Tom Conti), conselheiro do Rei, embarcou em navio precário. Ambas acabaram naufragando em uma ilha. Na ausência de um pai, a filha Miranda (Felicity Jones) começa admirar Calibã (Djimon Hounsou), um ilhéu que se torna escravo de Próspera. Os anos passam e quis o destino que uma embarcação transportando o Rei Alonso (David Strathaim), o irmão de Próspera, Antonio (Chris Cooper) e o príncipe Ferdinand (Reeve Carney) navegasse próxima à ilha em que Próspera estava exilada. Com o auxílio de Ariel (Ben Wisham), um espírito que a serve em troca da liberdade prometida por Próspera, ela naufraga o navio. Cuidadosamente, separa o Príncipe dos demais para fazê-lo apaixonar-se por Miranda De forma engenhosa, elabora um planos em que castigará todos aqueles que a expulsaram de seu reino.

As interpretaçãos de Mirren e Hounsou são verdadeiras aulas de como atuar. O espectador médio já conhece o trabalho desses dois atores, sendo que ela já foi agraciada com o Oscar ele já foi mencionado em duas ocasiões.

Naturalmente, Taymor investiria muito no visual da produção e contra isso não há o que reclamar. Direção de arte, figurinos e efeitos especiais de muito bom gosto inseridos em momentos oportunos garante o colírio para os olhos. Impressionante a sensibilidade plástica do diretor para criar atmosferas tão envolventes. E o filme é interessante por apresentar a obra de Shakespeare de uma maneira mais simples. Uma pena que ele não tenha a mesma acuidade para garantir o interesse do espectador por mais de vinte minutos.

Adaptar peças teatrais para o cinema é sempre um grande problema. Na pior das hipóteses, corre-se o risco de tudo soar como um teatro filmado. Isso quando não fica uma trama engessada, centrada na artificialidade. Alguns podem argumentar que a trama de A tempestade é tendenciosamente artificial. Contudo, o cinema recente de fantasia mostrou que isso é um problema qundo a história é bem contada. E foi justamente esse o maior pecado de Taymor.

Optando por um ritmo absurdamente lento e propositadamente teatral, o diretor fadiga seu espectador, que o abandona depois de um tempo de projeção. Apesar do enredo ser chamativo, não é o suficiente para prender a atenção. A maneira como foi conduzida foi totalmente errada. Utilizar elementos de purismo teatral em um texto cinematográfico costuma não funcionar. Neste caso específico, não foi favorável ao filme.

A tempestade é lento, arrastado e o único adjetivo não poderia ser atribuído a uma obra inspirada em Shakespeare: chato. Funciona em algumas partes, mas, no todo, deixa muito a desejar.

Damages - 4ª Temporada (2011)

2011-09-28T10:11:00.000-03:00

Um dos momentos de maior tristeza eu vivi quando descobri que Damages seria cancelada. A FX justificou a baixa audiência e a qualidade que a série perdeu na terceira temporada. Um movimento de fãs fez com que o canal pago DirecTV comprasse os direitos da produção e garantisse mais duas temporadas deste grande programa.

Não resta dúvida que Patty Hewes é um dos melhores personagens já criados na televisão norte-americana. A atuação de Glenn Close é soberba e humilhante para quem contracena com ela. As nuances que a atriz confere à sua advogada inescrupulosa são de um brilhantismo absurdo. Talvez a composição interpretativa mais complexa que a atriz já teve na vida. Seus conselhos advocatícios merecem ser transmitidos em cursos de Direito. As sessões dela no terapeuta são emblemáticas e estupendas. Suas feições ante o que não gosta é de deixar qualquer um sem fôlego.

Ao vincular-se à DirecTV, Damages ganhou e perdeu. Perdeu em termos financeiros e isso é visível logo no primeiro frame. Os estilosos flashfowards presentes nas primeiras temporadas ficaram empobrecidos e um pouco mais raros. No entanto, a série foi vitoriosa em liberdade criativa e na abordagem de temas mais pertinentes e complicados se fossem colocados na TV aberta. Os casos financeiros e econômicos saíram de cena e entrou a questão de um exército corrupto trabalhando para a CIA, sob a tutela do governo americano. Um roteiro arrojado, corajoso, em uma situação onde está em alta criticar a postura política americana. A inserção desse novo cenário militar joga a série e m um novo patamar, mais cruel, mais duro. Não houve espaço para romantismo e desenvolvimento da vida amorosa das personagens. O que achei incrivelmente positivo. Damages combina mais com esse universo masculinizado que outro cheio de flores e arco-íris.

A temporada foi mais curta que as anteriores e isso foi um ponto negativo. Alguns assuntos poderiam ter sido melhores trabalhados se tivéssemos mais dois ou três episódios. Deu a impressão que os produtores tinham uma certa pressa em alguns pontos. Mas gostei de como a relação entre Patty e Ellen Parsons foi desenvolvida. A jovem advogada segue cada vez mais os passos da inescrupulosa e experiente Patty. Fico com um sorriso enorme no rosto ao ver Ellen repetir as mesmas características que tanto repudiava no começo da carreira. A aproximação entre mestre e jovem aprendiz deixa os contornos ainda mais interessantes para a última temporada. Por pior que seja, Ellen vê-se, aos poucos, transformando-se em uma nova Patty.

O que realmente me intriga e me atrai em Damages são as famosas reviravoltas nos instantes finais e aquela sensação de tudo o que parece, mas não é. Nesta temporada não foi diferente: a Ellen chorando no meio de caixas dando a entender que havia viajado ao Afeganistão, os indícios de que Boorman havia sequestrado um terrorista para torturá-lo, o amigo afegão de Chris viajando aos Estados Unidos com um mapa marcando o endereço do escritório da Patty…Se o final não foi chocante como os anteriores, pelo menos foi coeso e coerente com tudo apresentando ao longo da temporada. O primeiro episódio é incrivelmente entrelaçado com o último e, mesmo assim, ninguém é capaz de adivinhar o que vai acontecer. Isso é usual na série, mas ainda surpreendente.

No elenco dos coadjuvantes deste ano, tivemos gratas participações. Elogiar John Goodman é chover no molhado. Seu personagem era, inicialmente, reduzido, mas foi adquirindo contornos ainda mais fundamentais e gradiosos. A tensão final tomada para si evidenciou ainda mais o talento do ator. Menção honrosa para Chris Messina, que conseguiu segurar bem a barra e ainda assumiu muito bem a aura de salvador heroico.Porém, nenhum deles superou Dylan Baker. Pense na cena em que ele mata a espiã francesa! O que foi aquilo? Ele não precisa interpretar mais nada de diferente. O papel sombrio lhe encaixa muito bem. Boorman foi sem dúvida o personagem mais instigante desta temporada.

Naturalmente, a quarta não superou as primeira e segunda temporadas. Mas não resta dúvidas que foi incrivalmente superior à terceira e mais fraca até o momento. Resta saber como tudo será conduzido no último ano de Damages. As peças já estão posicionadas para o grande xeque-mate.

Rock In Rio - Primeiro dia

2011-09-25T10:56:00.000-03:00

Onze anos depois e o principal festival de música realizado no Brasil (e agora no mundo) está de volta ao seu país natal. O Rock in Rio regressou ao Rio de Janeiro e ainda teve uma cidade construída para recepcioná-lo como ele merece.

Conforme o line-up ia sendo anunciado, vários narizes iam se torcendo. Devido a alcunha de rock estar encrustada no nome, geral reclamou de que não havia muitos nomes do metal na programação. O fato é que, apesar de se chamar Rock in Rio, há muito tempo este deixou de ser um festival exclusivamente do metal. Já na última edição realizada no Brasil, um dia fora dedicado ao pop. Este ano, inverteu-se: um dia foi dedicado aos metais pesados.

Mas não é isso que importa. O que importa é que EU FUI NO PRIMEIRO DIA. (se quiser inserir aqui um efeito sonoro de aplausos, gritos e fogos de artifício, fique a vontade). Juntando um pouco de sorte, dinheiro, criatividade e uma promoção, consegui um convite para assistir à abertura do Rock in Rio.

Uma semana antes, eu já não estava dormindo direito. Iria até a cidade de São José do Rio Preto e depois seguiria de avião ao Rio de Janeiro. Contudo, havia um pequeno problema: eu nunca tinha andado de avião. E o pior, descobri que eu tenho muito medo de aeronaves. Mas não é qualquer medo. É um medo tão grande que só de entrar no avião e me acomodar na minha poltrona já me fez suar frio e chorar. Sério. Chorar. Minha sorte é que, ao meu lado, havia um moço, de uns trinta e poucos anos, chamado Heitor e fã de Elton John, que segurou minha mão e disse que tudo ia terminar bem. Para mim até que terminou. O mesmo não posso dizer da mão dele.

Um dos melhores momentos da minha aventura: a visão aérea do Rio de Janeiro. Eu, ainda emocionado, adivinhem só que o aconteceu? Sim, meu lindos, o tio aqui desabou em lágrimas. Isso gerou um desconforto na comissária. O Heitor garantiu que estava tudo bem.

Chegamos no Rio por volta das quatro da tarde. Uma van já nos esperava. Entramos e tivemos que enfrentar uma verdadeira via crucis. O trânsito não colaborou muito. E ao estacionarmos na Cidade do Rock, uma outra surpresa: não podíamos descer da van. Alguém não havia nos cadastrado ou algo do tipo. O pior não foi ficar dentro da van. O pior foi ficar dentro da van escutando os fãs ensandecidos de Katy Perry emendando uma música atrás da outra com vozes esganiçadas.

Resolvida a pendência, saímos do veículo e seguimos às catracas de acesso ao festival. Quanta gente! Que lugar lindo! Fiquei tão estasiado e precisei parar um pouco para recuperar os sentidos. No entanto, a multidão atrás de mim não queria saber muito disso. Sorte estar com o Heitor por perto. Ele me pegou pelo braço e me fez segui-lo antes de ser tragado pelo mar de gente.

Minha primeira visão foi do Palco Sunset, onde acontecia o show de Bebel Gilberto e Sandra de Sá. Confesso que foi uma sensação um pouco perturbadora, ainda mais depois que as duas se beijaram. Enfim...

Paralamas do Sucesso, Tiãs e Milton Nascimento fizeram uma linda abertura. Não estive quando Fredie Mercury cantou Love of my life, mas estive com Milton repetindo o mesmo sucesso de outras épocas. Chorar foi pouco.

Como a promoção da qual participei me garantia assistir ao show da Katy Perry no fosso que separa o palco e a multidão, tinha que ficar em uma posição estratégia. Isso não foi de nada ruim. Todavia, antes da americana entrar no palco, tivemos que suportar a apresentação deplorável de Claudia Leitte. Ok, a baiana (nascida em São Gonçalo - RJ) foi está esforçada e tentou contagiar o povo. Só que ela estava totalmente descontextualizada. Se o público deu uma agitada no começo, logo se esfriou. Senti uma vibe meio Carlinhos Brown, mas essa não se confirmou. Nessa hora, eu, o Heitor e outras oito pessoas seguimos para nossos lugares. Terminada a tortura baiana, as luzes se apagaram, os espíritos de ouriçaram e ela, Katy Perry, entrou no palco.

Embalada por hits como Teenage Dream, E.T., I kissed a girl, Hot'n'cold, Fireworks e California girls, Katy chacolejou o público e eu. Como eu gritei! Como eu pulei! Estou até agora com o voz um pouco prejudicada. Pude assistir ao show dessa linda bem de perto. O que me importa se ela deu uma grande desafinada em boa parte das canções. Ela soube nos conduzir de tal maneira, que isso ficou para segundo plano. Chamou um fã brasileiro para beijá-lo no palco, vestiu a bandeira do Brasil como roupa e declarou seu amor incondicional pela Cidade Maravilhosa. Apesar da curta duração do show, valeu a pena cada minuto. Encerrado, lá fomos nós conseguir o tão sonhado autógrafo dela. Um forte esquema de segurança não nos deixava ficar tão perto dela. Porém, no fim das contas, consegui meu autógrafo.

O Heitor estava preocupado porque já se ouvia os acordes iniciais do britânico e ainda estávamos enrolados com Katy Perry. Corremos desesperadamente de volta ao público e sim, sir Elton John havia se empossado de seu piano e executando seu principais sucessos.

Quando eu era menor, trabalhei em uma rádio local e era aficcionado pelas música de Elton John. Contudo, nunca em toda a minha vida imaginei que em algum dia eu o veria cantando ao vivo. Imaginem então como foi acompanhá-lo desfilando com seus hits! E o melhor foi poder cantar junto e me emocionar mais uma vez. O Heitor estava bem mais comovido que eu. O cara é fã mesmo. Eu sou apenas uma pessoa que sabe cantar as canções. Sem dúvida, um dos melhores da noite. Uma grande pena que ele tenha sido colocado entre Katy Perry e Rihanna. O público que aprecia as duas não é o mesmo para apreciá-lo. Assim, as cem mil pessoas não se envolveram suficientemente e isso me deixou desolado. Mas eu fiz a minha parte.

Terminada a apresentação do Elton, mais uma tortura. Rihanna, prevista para entrar as 00h50, teve um atraso de horas. As 02h00, o público começou uma vaia interminável. Com apenas duas músicas, Rihanna já apagou a impressão ruim e desfilou seus maiores sucessos.

Cara, eu tive uma ligeira impressão de que a diva de Barbados estava meio bêbada. O início foi bem morno, mas ela logo se recuperou e entregou um dos shows mais concisos da noite. O encerramento com Umbrella e a linda chuva de papel picado a redimiu de qualquer eventualidade negativa.

Extenuado, lembrei que não tinha comido. Meu corpo tremia demais. O Heitor me levou para beber um suco. Eu não queria comer nada. Só queria voltar para o hotel, dormir. Na verdade, se pudesse, eu teria voltado para a minha casa. Foi uma espécie de ressaca espiritual.

A melhor experiência musical da minha vida foi também a mais cansativa. Meu corpo, minha mente, minha voz. Tudo se foi. Se eu faria novamente? Sem dúvida. Só mudaria um detalhe: ao invés de Dramin antes da viagem de avião, eu tomaria algo que me deixasse com menos sono.

Emmy 2011

2011-09-20T07:46:00.000-03:00

Desde que eu me dispus a escrever sobre cinema, séries e cultura pop em geral, procuro acompanhar as principais premiações ao redor do mundo (mentira, afinal eu não assisto ao prêmio ucraniano de melhores da música, por exemplo, mas isso é só um detalhe). Dos principais prêmios americanos, os únicos que eu ainda não tinha acompanhado eram o Tony e o Emmy. No último domingo, dia 18 de setembro, quitei uma dessas dívidas e acompanhei a cerimônia apresentada por Jane Lynch, a Sue Sylvester de Glee.

Jane foi uma showwoman engracadíssima e ácida nos momentos certos. Naturalmente, por ela ser uma participante de uma série focada em números musicais, estes não faltaram em suas aparições. Não que eu reclame, afinal, adoro um bom musical. No entanto, penso que a mão ficou um pouco pesada pelo número excessivo de canto e dança. Anyway...

Vamos aos vencedores!

Na categoria comédia, Modern Family fez um verdadeiro limpa. Levou os prêmios de Melhor Série Comédia, Atriz Coadjuvante para Julie Bowen e Ator Coadjuvante para Ty Burrell. A segunda temporada do programa não superou a imbatível primeira temporada, mas nem repetiu o fiasco que foi a segunda de Glee, a grande derrotada da noite. Até mesmo o trabalho coerente e emocionante de Chris Colfer foi preterido. Culpa das trapalhadas de Ryan Murphy.

Contudo, o grande derrotado da noite foi mesmo Steve Carrell. Dá pra imaginar que um personagem tão fundamental para o gênero comédia da TV americana, isto é, o impagável Michael Scott, terminou sete temporadas sem ser reconhecido com o Emmy? Não é desmerecendo Jim Parsons, que eu adoro, mas era o mínimo que se esperava: o reconhecimento de um trabalho coeso e importante. Uma lástima.

Surpresa também na categoria de Melhor Atriz para a fofa Melissa McCarthy, de Mike & Molly. A moça bateu nomes fortes como Laura Linney, por The Big C, e Amy Poehler, por Park & Recreations. Não que não tenha merecido, mas ficou um gosto amargo para quem esperava outra coisa.

Nos dramas, os prêmios foram pulverizados. Melhor Série Drama foi para Mad Men, Melhor Atriz foi para Julianna Magulies de The Good Wife, Ator Coadjuvante para Peter Dinklage (o fenomenal anão de Game of Thrones), Atriz Coadjuvante para Margo Martindale, de Justfied (essa mulher arrasa). Talvez a grande surpresa da noite seja o reconhecimento de Kyle Chandler, de Friday Night Lights. A comunidade nerd do mundo todo vibrou com o prêmio, afinal, este foi o último ano da série sobre futebol americano. Quando se analisa os candidatos (Michael C. Hall, Hugh Laurie, Jon Hamm), percebe-se que Chandler é o mais deficiente como ator dentre todos eles. Para mim, ele é o eterno cara do Early Edition. Contudo, o Emmy resolveu homenagear um papel. Mas é justamente aí que entre uma incoerência para mim: homenagear Chandler e preterir Carrell? Pegou muito mal essa decisão. Pelo andar da carruagem, Hugh Laurie pode entrar facilmente para a lista dos injustiçados. Bem como Michael C. Hall.

Nas outras categorias, o drama britânico Downtown Abbey ganhou importantes prêmios como Melhor Filme ou Minissérie feito para TV e Melhor Atriz Coadjuvante para a fenomenal Maggie Smith, que não pode comparecer à cerimônia por estar em sua eterna luta contra o câncer. Nas categorias de atuação principal, Mildred Pierce prevaleceu. Guy Pearce e Kate Winslet foram os agraciados. Um comentário sobre Kate: a moça não tá pra brincadeira e está rumo ao EGOT (sigla criada por 30Rock para designar os principais prêmios americanos: Emmy, Grammy, Oscar e Tony). Para ela, só falta um Tony, o Oscar do Teatro (sim, meus lindos, ela já tem um Grammy ganhando em 2001 por um disco infantil). Alguém duvida que já ela já está batendo nas portas de produtores de teatro para conseguir uma vaga na Broadway?

No fim das contas, gostei do Emmy, uma cerimônia mais rápida que o Oscar e também mais coerente. Os erros da Academia Televisiva não são tão gritantes como os da Academia Cinematográfica. Se os resultados não foram 100% agradáveis, com certeza, não foram decepcionantes.

Agora é esperar pelo Globo de Ouro!

Miss Universo 2011

2011-09-14T17:59:00.001-03:00

Na última segunda-feira, dia 12 de setembro, o Credicard Hall, em São Paulo, viveu um grande e especial momento: pela primeira vez na história, o Concurso para eleger a mulher mais bela do universo foi realizado no Brasil. A equipe, sob a tutela de Donald Trump, ocupou o espaço paulista e mostrou para o país como deve ser feito um concurso de beleza.

Claro que em uma festa feita no Brasil e produzida por americanos, a abundância de clichês seria quase que obrigatória. Vamos ver se vocês conseguem adivinhar alguns deles?

Sim, meus lindos, teve o momento Carmem Miranda! E a responsável por isso foi a baiana, nascida em São Gonçalo - RJ, Cláudia Leitte! Ela protagonizou a abertura do show, cantando uma música em inglês e em espanhol (não, ela não cantou em português), com direito a muita percussão de escola de samba, roda de capoeira e homens descamisados para demonstrar a sensualidade do nosso rico país.

Bom, mas é inegável que o show foi muito bonito. A apresentação das candidatas e a coreografia de abertura me surpreenderam bastante e me fez ter muita vergonha com aquela produção sofrível que a Band fez no Miss Brasil.

O desfile em trajes típicos é sempre um momento constrangedor para mim. Sempre me vejo diante de algumas fantasias que me fazer perguntar porque é que elas não chamam a Rosa Magalhães para dar um jeito de produzir algum coisa decente, apresentável e nem tão sofrível? Anyway.

O desfile em trajes de banho elegeu as Top 15. E sim, meu povo, a tão criticada representante brasileira, Priscila Machado, estava entre estas. Mas logo no inicio, a candidata de Angola, Leila Lopes, já conquistava todo o público presente no Credicard Hall com sua beleza e simpatia. Lembrando que Miss Universo não é Copa do Mundo, ok?

Depois veio o desfile em traje de gala e novamente uma grande surpresa para mim: Priscila estava entre as dez escolhidas. Naturalmente, por ser realizado no Brasil, já sabia que a candidata brasileira estaria entre as cinco. E não foi surpresa alguma constatar isso. Detalhe: Bebel Gilberto arrasando em sua apresentação, mostrando por é tão famosa lá no exterior e tão mal compreendida por aqui.

A tão temível pergunta final. China, Filipinas e Ucrânia foram corretas. A brasileira teve uma pergunta capiciosa, mas acabou saindo-se bem. Mas inegável o carisma da angolana ao ser interrompida várias vezes pelo intérprete. Ela era de uma simplicidade absurda o que a tornava cada vez mais admirável.

Por fim, constatou-se o óbvio: Leila Lopes, da Angola, foi eleita a 60ª Miss Universo. A brasileira ficou com um honroso, mas não tão merecido, terceiro lugar. Só para enfatizar: a festa foi feita por aqui. Seria deselegante não incluir nossa candidata entre as cinco.

No fim das contas, a festa produzida pelos americanos teve um sabor português: nascida na Angola, um país falante de língua portuguesa, Leila fez-se compreender a todos os presentes no Credicard Hall. De certa forma, nossa cultura foi um pouco honrada.

Lembrando que essa é a apenas a quarta vez que uma negra vence esse concurso. A primeira vez foi em 1977, quando ganhou Janelle “Penny” Commissiong, de Trinidad & Tobago (em 88, levou Wendy Fitswillian, também de Trinidad, e em 99 a vencedora for Mpule Keneilwe Kwelagobe, de Botsuana).

Top Five: 11/09

2011-09-12T21:00:00.000-03:00

Este post deveria ter sido publicado ontem, mas tudo ficou tão saturado que acabei deixando para hoje. É uma lista bastante especial sobre produções baseadas nos atentados de 11 de setembro de 2001, que, há dez anos, deixaram uma mancha na história do mundo e destruiu o maior símbolo da economia capitalista norte-americana, as Torres Gêmeas.

Concordando ou não, o fato é o mundo como nós o conhecíamos antes dos atentados terroristas nunca mais foi o mesmo. George W. Bush iniciou sua guerra particular contra o terror e muito acabaram sofrendo as trágicas consequências disso.

O cinema demorou um pouco para abordar esse conflito e começou de maneira tímida, exaltante. Poucos filmes lançados tocaram na ferida aberta e pulsante. Por isso, esse top five lista os cinco filmes mais sintomáticos produzidos sobre o 11 de setembro nesses dez anos.

05 - Torres Gêmeas, de Oliver Stone (2006)

Drama sobre dois policiais, vividos por Nicolas Cage e Michael Pena, presos sob os escombros das torres. Por se tratar de um filme de Oliver Stone, todos esperavam uma bomba política e que exploraria muito mais os motivos que levaram ao desastre. Stone, porém, preferiu centrar-se no drama desses policiais. Compreensível. Apesar de sempre enfiar o dedo na ferida, o diretor é americano e isso serviu para tocá-lo.

04 - Fahrenheit 11 de Setembro (2004), de Michael Moore

Documentário militante no qual Michael Moore traça as relações perigosas entre os negócios da família de George W. Bush e os milionários Bin Ladens. Apesar de ser extremamente tendencioso, é inegável o fato de Moore ter tido a coragem necessária para explicitar o que todo mundo já sabia: Bush usando os atentados para fins pessoais.

03 - 11 de Setembro (2002)

Filme coletivo na qual diversos cineastas (entre eles Claude Leluch, Amos Gitai, Sean Penn, Alejandro González Iñárritu e Ken Loach) apresentam sua visão do dia fatídico em 11 minutos, 9 segundos e um fotograma (referência à data 11/09/01). Tocante e pungente, é incrível observar como cada cineasta enxergou a tragédia.

02 - A Última Noite, de Spike Lee (2002)

Adaptação do romance de David Benioff, é o primeiro filme a mostrar o Ground Zero. A obra relata as últimas 24 horas de liberdade do traficante de drogas Monty Brogan, condenado a sete anos de prisão. Lee, para mim, é um cineasta que trilhou caminhos tortuosos nos úlitmos anos. Mas é inegável o poder desse filme e a interpretação magistral de Edward Norton.

01 - Voo United 93, de Paul Greengrass (2006)

Sem grandes nomes no elenco, reconstitui de forma realista e impactante a trajetória do avião que não atingiu o alvo e foi derrubado, na Pensilvânia, devido à reação dos seus passageiros. Greengrass imprimiu seu estilo todo particular à direção, com câmera na mão, sem tomar partidos e de uma forma tão eletrizante que chegamos a torcer muito para que a história tenha um final diferente. Infelizmente, a realidade pode ser tão cruel quanto a ficção.

Narradores de Javé (Brasil, 2003 - 100 min.)

2011-09-11T09:53:00.001-03:00

Se existe uma coisa que eu adoro é tradição passada de geração em geração. Existe um sentimento de puro regozijo quando observo história sendo transmitidas oralmente. Talvez o fato de ser professor de português acentue esse fato. Por essa razão o filme Narradores de Javé tornou-se uma pequena pérola para mim. É o segundo filme da diretora Eliane Caffé.

Todo o filme é narrado pleo personagem de Nelson Xavier, que conta uma história sobre sua comunidade, no Vale de Javé. Um dos ouvintes é um rapaz urbano, usado como papel de espectador, apenas escutando o relato, sem tomar parte na trama. Os moradores da própria Javé se encarregarão de reconstruir a história de sua terra. Justamente por isso, a diretora se isenta da verossimilhança ao colocar sua narrativa na boca do povo, que possui uma forma extremamente particular de dar uma nova interpretação ao fatos verdadeiros.

A construção de uma usina hidrelétrica inundará todo o Vale de Javé. Os habitantes do lugar chegam à conclusão que isso não acontecerá se a história do lugar for dignamente contada e devidamente registrada em um livro. Afinal, um povo sem registro não tem importância. José Dumont vive o historiador amador, encarregado de passar para o papel as narrativas ouvidas. Um a um, os moradores do lugar vão recriando, reinventando, modernizando o passado de Javé. Cada um tem uma visão sobre a origem do lugar e o processo revela as relações de interesse e poder. E há ainda a própria disposição do ''historiador'', que, consciente da superioridade da linguagem sobre os eventos, enfeita sua escrita para ficar mais crível. Tem noção de que, na construção de mitos e imagens públicas, importa como se quer ser visto, até mais do que como se é (ou se foi).

A força do filme está justamente em como a palavra possui um poder de se estabelecer ante aos fatos. É a escrita ignorando o homem e publicando o mito.

Cercado de belas imagens, ótimas soluções do roteiro e fotografia certeira, Narradores de Javé é uma produção que exalta o caráter transgressor do brasileiro e, justamente por isso, a incrível capacidade do povo em superar dificuldades até então intransponíveis.

Gatos da Semana: Nathália Dill e Diego Pombo

2011-09-05T21:07:00.002-03:00

E como estamos falando de Semana Brasil, nada melhor que ilustrar essa deliciosa sessão com duas beldades tupiniquins. Afinal, nosso país é um grande celeiro de beldades e achar gente bonita em terra brasilis é de uma facilidade absurda.

Os escolhidos da vez atuam em profissões bem díspares. Ela é atriz e ele é juiz de futebol.

Nathália Dill começou em Malhação e já estrelou três novelas (Paraíso, Escrito nas estrelas e Cordel Encantado). Não a toa é tida com uma das queridinhas da Rede Globo.

Diego Pombo é um árbitro de futebol que chamou muito a atenção na Série B do Brasileirão, até ser chamado para apitar na primeira divisão.

Deliciem-se, amados, com mais essa grande amostra do que acontece quando seus pais te dão Comfort quando você é mais jovem!

No link abaixo, mais algumas demonstrações de tamanha maciez...

Tomou?

VIPs (Brasil , 2010 - 96 min.)

2011-09-05T09:48:00.000-03:00

Ao assistir a VIPs, um grande eco do filme Prenda-me se for capaz, de Steven Spielberg com Leonardo DiCaprio, fico ecoando em minha mente. Talvez por causa da temática bem semelhante entre os dois: a história de um grande vigarista, que utiliza-se de vários artifícios, como a mentira e passar-se por outra pessoa, para se dar bem e conseguir seus objetivos. Ambos foram inspirados em histórias reais e tinham protagonistas desajustados socialmente com sérios problemas familiares.

O longa brasileiro se inspira na história de Marcelo da Rocha, que ficou conhecido por aplicar golpes, como passar-se pelo filho do dono de uma companhia aérea durante o carnaval do Recife. Os roteiristas Bráulio Mantovani e Thiago Dottori usaram o livro de Mariana Caltabiano, porém, deram uma boa ficcionalizada na história.

As justificativas para o comportamento de Marcelo é dada desde a juventude, onde, na escola, imitava pessoas como se fosse um reflexo natural de seu corpo. O longa enfatiza também a paixão do moço pelas viagens de aviões, motivadas pela profissão do pai. Arruma emprego em um aeroclube e, em pouco tempo, se torna o piloto mais conhecido em todas as pistas clandestinas do Mercosul. Após todas as reviravoltas, ele atinge seu ápice, quando, no carnavla de Recife, vale-se do fato do filho do dono da GOL ser um recluso para passar-se por ele.

Wagner Moura é a âncora do filme. O ator, sem dúvida, é o melhor ator do cinema brasileiro atualmente. Com seu estilo de interpretação ambíguo que consegue ir da timidez à explosão em minutos, o ator não se incomoda de carregar o filme das cotas. Em um único longa, Wagner consegue criar um personagem diferente a cada instante. Seu maior esforço é desafio de tornar crível uma crise de identidade que desde o começo é evidente.

O roteiro tem algumas sacadas bem inteligentes. As cenas em que ele atua com sua mãe, por exemplo. Ela é uma cabeleireira, com suas várias fotos de celebridades dos anos 90 coladas do espelho do salão para se inspirar nos penteados. É o filme mais uma vez lembrando o espectador sobre a dificuldade de criarmos as nossas várias personas ao longo da vida e, no caso de Marcelo, a cada instante que precisa de safar de alguma enrascada.

A direção estreante de Toniko Melo, mais um expoente da 02 de Fernando Meirelles, é cheia de afetações publicitárias que hoje não são mais novidades e soam como tentativa de serem modernosos. Exemplos são as angulações inusitadas, trilha sonora mais alta que os diálogos, pontos de vista pelo espelho. A inexperiência é mascarada com efeitos típicos da publicidade. E isso, em VIPs, incomoda bastante.

Dança dos Famosos 2011

2011-09-04T21:36:00.002-03:00

E terminou hoje a oitava edição do reality show Dança dos Famosos onde, como o próprio nome já entrega, um famoso apresenta-se em uma competição de dança, tendo uma semana para aprender um novo ritmo. Os com menores notas a cada apresentação são eliminados.

O programa é exibido no Domingão do Faustão e alavanca a audiência nas tardes dominicais, agradando jovens e adultos, movendo-se em votações para auxiliar o seu famoso favorito. E eu, que sou um adorador de realities shows, não poderia deixar mais esse.

Desde o início, ficou muito evidente que o grupo das seis mulheres famosas escolhido (Ellen Roche, Milena Toscano, Mônica Martelli, Renata Kuerten, Roberta Miranda e Roberta Rodrigues) era bem inferior quando comparado ao masculino (Guilherme Winter, Miguel Roncato, MV Bill, Nelson Freitas, Odilon Wagner e Raphael Vianna). Tanto foi assim que, na repescagem, voltaram dois homens. Desta maneira, na etapa em que todos dançam juntos, haviam quatro homens e duas mulheres. Uma a uma, elas foram eliminadas e, já na seminfinal, não havia nehum representante do sexo feminino.

No primeiro domingo, o talento do menino Miguel Roncato, de apenas 18 anos e poucas experiências na TV, saltou aos olhos e despontou como favorito. Não houve nenhuma surpresa quando ele liderou em pontuação todas os ritmos chegando à final com mérito. Por outro lado, os demais se digladiavam para saberem quem seria o outro concorrente de Miguel na finalíssima. O cargo foi ocupado pelo "comediante" Nelson Freitas, mas conhecido por seus tipos "cômicos" no programa de "humor" Zorra Total.

Após campanha pedindo para que seus colegas votassem nele, Nelson viu sua dança deficiente e enganosa ser laureada com um desfile de notas dez, sob a pífia justificativa de que estavam todos muito emocionados pela maravilhosa apresentação (#FernandaChammasLoser). Enquanto isso, o tecnicamente impecável e absurdamente superior, Miguel Roncato via seus esforços serem desmerecidos por opiniões equivocadas e sem fundamento. Alguém tinha dúvidas que o moleque realmente foi o melhor em tudo?

Certo. Na apresentação do samba, o ator realmente teve um problema com o terno, mas isso em nada atrapalhou e, muito menos, justificou a nota 8 dada pelo tendencioso Carlinhos de Jesus. Lamentável. A impressão que eu tive foi um deja vu do ano passado, quando a superlativamente ótima Sheron Menezes viu o prêmio escorrer entre seus dedos para a insossa Fernanda Souza por mero capricho da produção de dos jurados. No entanto, algo mudou dessa vez.

A nota do júri artístico e a do júri técnico são somadas com as do auditório e a dos espectadores. E foi justamente aí que Miguel sambou na face caquética de Nelson Freitas. O comediante foi obrigado a amargar um 8,8 e ver o jovem ator vibrar com um 9,9! E, graças a esses votos, que vimos um resultado coerente com o que foi apresentado ao longo do Dança esse ano: Miguel Roncato vencendo com uma diferença de apenas um décimo!

Uma final emocionante, parcialmente revoltante e apoteótica! Que venha o próximo Dança dos Famosos! E que o efeito Sheron não se repita nunca mais.

Semana Brasil: Estômago (2007 - 113 min.)

2011-09-04T10:30:00.001-03:00

Anualmente, quande chega a Semana da Independência (*cof cof) do nosso ilustre Brasil, o seu querido Sim, eu gosto de cultura pop lança uma semana toda especial, só com resenhas de produtos nacionais. Serã filmes, músicas, gatos, versões, tudo com um toque de Brasil. Afinal, temos muita coisa boa para mostrar. E o que abre a nossa sessão especial é o filme Estômago, do diretor Marcos Jorge.

Filmes mostrando a relação dos seres humanos com a comida são um lugar comum no cinema, especialmente no italiano. Impossível não lembrarmos daquelas comédias italianas dos anos 70, em especial de A comilança. Até mesmo as produções mais séries como A festa de Babette ou a animação mais recente como Ratatouille abordaram de maneira primorosa o prazeroso ato de comer. Estômago, por ser uma coprodução Brasil-Itália, está mais próximo do cinema italiano.

João Miguel vive Raimundo Nonato, nordestino que vem a São Paulo e consegue emprego em bares e restaurante, onde, aos poucos, aprende o ofício de cozinheiro. Começando com coxinhas e depois lidando com pratos mais sofisticados, Raimundo torna-se um grande mestre em seu ofício. Como o filme é narrado de maneira não linear, o espectador é logo informado que o cozinheiro está em uma cadeia, sem revelar os motivos. Enclausurado, novamente o paraibano percebe que em uma penitenciária, o homem que comanda a comida do lugar possui um poder indescritível.

Sem dúvida, João Miguel mereceu o prêmio de interpretação ganhado no Festival do Rio. Sua construção é absurdamente complexa e cheia de nuances. Seus olhinhos miúdos e ar tímido, passam de um pacato cidadão ao mais terrível maníaco em questão de segundos. Deixar-se levar por sua interpretação é o melhor do filme. Um grande talento nacional.

Outro destaque do elenco é a atriz Fabiula Nascimento, que dá vida à prostituta glutona Íris, por quem Raimundo se apaixona e que causa uma grande revolução na vida do paraibano. Fabiula brinda o público com seu sotaque carregado de gírias paranaenses e uma composição tão honesta, que sua prostituta parece ter saído de um daqueles típicos inferninhos paulistanos.

A estreia do diretor Marcos Jorge foi muito boa. Aliando bons elementos, o diretor constrói um bom longa sobre um roteiro bem escrito, ainda que, por vezes, um pouco didático. O clímax, tanto da vida de Raimundo fora da cadeia como dentro dela, é construído num crescente de suspense e tensão, regado a muito vinho e rostos fartados de comida. Os destinos de Íris, do bandido Bujíu e do próprio Raimundo são conduzidos de forma brilhante a um final que beira o apoteótico.

Um filme que, apesar de dar um pouco de água na boca, tem aquele gosto final um pouco amargo, que algumas boas produções brasileiras costumam deixar. Ótimo aperitivo.

Adele + Max Rodrigues (vho?) = Portas fechadas in the deep

2011-09-01T13:11:00.001-03:00

Ah, como eu adoro essa sessão! E pelo que eu percebo, não sou só eu. Tem um grande séquito que vive me mando sugestões sobre o que postar aqui. A de hoje tem um gostinho tão especial. A dica foi dada pelo @Hugo_Avelar que, por sua vez, recebeu a dica do @domingosjr. Obrigado aos dois.

Se você, assim como eu, ficou meio tristinho porque a nossa musa desde sempre Adele saiu de mãos abanando no VMA, eu te dou um conselho: fica assim não; as coisas sempre podem ser pior. E acredite, depois desse post, a coisa piora.

O lado ruim de um artista que você gosta muito fazer sucesso é que a música dele tocará incessantemente, todo mundo vai conhecer e vai virar pop. Mais que isso. Se o cantor ou cantora for internacional, as chances de um sucesso dele estampar essa sessão será muito forte. Rihanna, Lady Gaga, Beyoncé, Black Eyed Peas já foram agraciados com lindas versões nacionais, geralmente em forró.

Quando a música Rolling in the deep foi arrolada como parte integrante da trilha sonora da novela Morde & Assopra, já sabia que coisa boa não surgiria em decorrência disso. A música dela toca incessantemente nas rádios de todo o país. O videoclipe está sendo muito bem executado, graças a Deus. Se você ainda não viu/escutou, a sua chance está aqui. Confira de perto o grande talento da britânica Adele.

Ai ai, ela é linda, não é? (#caradebritneynovmapensandopornãocantodessejeitofeelings).

Mas pulando os entretantos e indo para os finalmentes (#bordãodenovela), um cara chamado Max Rodrigues se achou no direito de ser o primeiro a fazer uma versão dessa música. Não é o Max Rodrigues famoso no meio evangélico e muito menos o jogador argentino. É um cantor do nordeste que já tentou a sorte no Ídolos e foi reprovado. No vídeo abaixo, você poderá entender o porquê.

Por onde eu começo a sapateação?

A voz? O videoclipe? A cara de pau? A canastrice? São tantos predicativos que fica difícil encontrar um único que seja capaz de expressar toda a gama de sentimentos que tomou conta de mim ao escutar essa verdadeira Sapucaí que o senhor Max Rodrigues fez com nossa inestimável, com a nossa cremosíssima Adele.

Atentem aos vocais no fundo e pérolas preciosas como "Voumi reconstruííííí!" ou "Agora vou tentar me levantar / Lutar por um real amor / Te esquecer / Ser feliz". Não sei se rio, se choro, se compro uma bicicleta ou se vou para Pasárgada.

O fato é que eu até aceito Adele não ganhar um Astronauta de Prata. Mas não aceito o que Max fez com ela. E tenho dito.

Piratas do Caribe: navegando em águas misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides EUA , 2011 - 137 min.)

2011-08-31T09:34:00.000-03:00

Hollywood possui um grande defeito capitalista: nunca se cansa de lucrar com fórmulas que deram certo uma vez. Isso explica a quantidade quase abusiva de continuações que inundam os cinemas mundiais anualmente. Algumas são feitas a toque de caixa e não apresentam nenhum cuidado maior com roteiro e interpretações. O objetivo é empurrar goela abaixo do espectador médio uma trama qualquer, recheada de efeitos especiais e, agora, com o famigerado 3D.

Piratas do Caribe: navegando em águas misteriosas é fruto, em partes, dessa safra. O primeiro filme da série nos apresentou a um personagem emblemático do cinema: o capitão Jack Sparrow. O papel foi tão memorável que Johnny Depp conseguiu sua primeira indicação ao Oscar em um filme nitidamente blockbuster. A partir disso, o público lotou salas de cinema para acompanhar as desventuras do eterno bêbado.

Rob Marshall foi o convocado para dar um novo direcionamento à série, depois do confuso No fim do mundo. Experiente na Broadway e com filmes fundamentados na beleza plástica no currículo (Chicago, Nine), Marshall produziu uma sequência bastante divertida, aventuresca, bem coreografada e cheia de boas cenas de ação. A trama mostra a busca pela mítica Fonte da Juventude, cujo mapa está em posse de Jack Sparrow, que por sua vez está preso nos calabouços do Rei George II, em Londres. Após escapar da prisão em cena criativa e espetacular, Jack precisa descobrir quem está se passando por ele. É aí que somos brindados pela presença hipnótica de Penelope Cruz. Surgirão faíscas no encontro entre Angélica e Jack. O público entenderá melhor a relação de ambos. Contudo, Angélica é filha do temido Barba Negra, que finalmente dá as caras, em cena memorável, muito próxima às grandes aparições de vilões em filmes desse tipo (alguém mencionou O império contra ataca?). Outra coisa que Jack desconhecia é que para fazer o mapa valer a pena, não basta saber onde fica a tal fonte encontrada por Ponce de Leon. É preciso saber também como fazê-la funcionar. Para isso, os piratas vão precisar de uma sereia, dois cálices e muita agilidade para despistar os soldados das coroas inglesa e espanhola, que também estão atrás da mesma coisa, cada um com um objetivo diferente em mente.

Caramba! Quanta coisa acontece! O espectador médio não precisa se preocupar. Cada detalhe da trama é exaustivamente explicado, de maneira bem didática. Um novo detalhe só é inserido depois que o anterior foi devidamente compreendido. Os objetivos de cada candidato à beber da Fonte de Juentudo é explanado da mesma maneira que um professor ensina a família silábica do B a um aluno.

O roteiro está bem amarrado. Somente um porém: a trama de amor entre a sereia e o religioso poderia ter ficado de fora que não faria falta alguma. A relação de amor que realmente interessava, entre Depp e Cruz, não foi levada tão adiante. A sequência após os créditos dá dicas sobre o que esperar da quinta aventura dos piratas.

O 3D fez muito bem à Jack Sparrow. O pirata fica um show à parte em meio àquelas águas e paisagens exuberantes das florestas. O produtor Jerry Bruckheimer não quis submeter-se a riscos e fez um filme sem muita ousadia. A velha fórmula do primeiro filme está de volta e, pelo visto, deu super certo. A sequência faz estripulias mil e, no fim, acaba no mesmo lugar. Os fãs não vão reclamar nenhum pouco. E a Disney, produtora dos longas, descobriu onde está o tesouro. Piratas do Caribe continuará sendo bem rentável se continuar desse jeito.

Top Five: minhas canções mais tristes

2011-08-29T21:22:00.000-03:00

E nesses dias tão estranhos, em que tristeza é facilmente confundida com cansaço, nada melhor que uma lista com as cinco canções mais matadoramentes tristes. Naturalmente há muitas outras mais tristes (o repertório de Leonard Cohen, por exemplo). Mas essas cinco surgiram em momentos bastante específicos. Por se tratar de uma lista muito pessoal, deixo o espaço aberto para concordarem, discordarem ou acrescentar alguma que achar conveniente constar aqui.

05 - Everybody Hurts - R.E.M.

Esta é, sem dúvida, a minha banda preferida. Uma das poucas que tenho a discografia original completa. Mas esta canção, particularmente, embalou e ainda embala os meus piores momentos. Aqueles em que eu entro no quarto, fecho a janela, me jogo na cama e fico com a mente pensando no que saiu errado.

Versos cortantes: When your day is long and the night / The night is yours alone / if you're sure you've had enough of this life / Well hang on.

04 - Halleluja - Jeff Buckley

O que dizer sobre essa canção além de mencionar que me foi apresentada por um grande amigo em uma das fases mais complicadas da minha vida. Escutá-la é vivenciar todos os antigos traumas e mágoas, resgatando sentimentos tão sofríveis que a simples ideia de recordá-los ocasiona uma queda em minha pressão. Jeff Buckley, com sua voz, resgata uma sonoridade muito próxima a de Leonard Cohen.

Versos cortantes: Love is not a victory march / it's a cold and it's a broken hallelujah

03 - Mad World - Gary Jules

Apesar de ter sido originalmente gravada pelo Tears for Fears, foi na voz de Gary Jules que assumiu contornos bem mais deprimentes. E também foi essa versão que escutei no ano de 2008 quando experienciei a minha pior experiência de vida. Seis meses de total isolamento. Sinceramente, depois dessa fase, nunca mais fui o mesmo.

Versos cortantes: The dreams in which I'm dying / Are the best I've ever had

02 - Anyone Who Had a Heart - Dionne Warwick

Dores de amor costumam ser bem específicas. Cada uma delas carrega sua grande carga de dor e desespero. Especialmente se você não é o culpado direto pelo término. Grandes canções já foram feitas sobre o tema e não é de admirar que as músicas de despeito ocupem as duas principais posições dessa pequena lista. Novamente, agradeço a uma amiga por me ter apresentado "Anyone who had a heart". Em poucos versos, Dionne canta exatamente toda a minha dor emocional ao ser abandonado sem aviso prévio e da pior maneira possível.

Versos cortantes: What am I to do?

01 - Don't you remember - Adele

Três doses de uísque, duas delas com energético, uma gravata perdida, uma pessoa se rastejando por outra, vexame público, vergonha alheia, um domingo inteiro com uma ressaca física, moral e emocional que se estende por uma segunda-feira. E as palavras mais desesperadores que alguém pode dizer a outra: "Você é super legal, mas eu não sou assim". E todos os sonhos e os sinais aparentemente certos vão se desmoronando. A solução é consolar-se ao som da voz potente e compreensiva de Adele.

Versos cortantes: When will I see you again?

A última estação (The Last Station, Alemanha/ Rússia/ Inglaterra, 2009 - 110 min.)

2011-08-26T19:35:00.000-03:00

Com mais de um ano de atraso, chegou aos cinemas brasileiras, em abril de 2011, o filme A última estação, que narra, entre outras coisas, os últimos dias da vida do escritor russo Leon Tolstói. Depois de assistir ao filme, entendi os motivos da demora.

Antes de qualquer coisa, é necessáro enfatizar que A última estação não é e nem tem a pretensão de ser uma cinebiografia do famoso autor. É, antes de tudo, um filme sobre o grande amor de Tolstói por sua esposa e como as ideias pacifistas dele puderam influenciar tantas pessoas na Rússia e no mundo.
Em seus últimos anos de vida, Tolstói entrara em conflito com a esposa Sofya, pois esta queria fazer fortuna com os trabalhos do marido para deixar uma herança digna aos 13 filhos. Contudo, a Tolstói nunca agradou uma vida luxuosa e, com o auxílio do amigo Vladimir Chertkov, planejava escrever um testamento, tornando de domínio público todas as suas obras. Ele acreditava ter escrito as obras para o povo e, desta maneira, não seria certo enriquecer-se com isso. E esse jogo de interesses entre esposa e amigos é que definirá os derradeiros anos de um dos maiores autores de todos os tempos.
Acompanhamos toda essa trama sob a ótima de Valentin Bulgakov, um jovem seguidor das doutrinas tolstoianas e que virou um grande amigo da família nos anos mais críticos. Por ser ele o observador cauteloso do filme, o espectador também acompanha tudo com certo distanciamento da história. E é justamente o comportamento neutro e apático de Valentin ao não posicionar-se a favor de Sofya ou de Vladimir que nos conduz para uma explanação melhor dos lados, deixando para quem assiste a decisão de qual lado tomar. Até porque, como é bem explorado, não há um lado bom e outro ruim; há apenas duas visões diferentes de como usar melhor a obra de Tolstói.
O trio de protagonista está um deslumbre. Hellen Mirren e Christopher Plummer, devidamente reconhecidos com indicações aos Oscar, brilham na pele de Sofya e Tolstói. As cenas com ambos são ao mesmo tempo densas e delicadas, exigindo muito de seus intérpretes, conferindo um lindo jogo dramático em cena. James McAvoy, como Valentin, confirma mais uma vez o posto de um dos melhores de sua geração. Apenas uma ressalva para Paul Giamati, que estava um pouco maniqueísta, sem suas tradicionais sutilezas e lembrando muito outras interpretações.
O aspecto técnico do filme é soberbo. Fotografia e trilha sonora especialmente. Apenas uma ressalva na direção de arte. Se o objetivo era mostrar os costumes e tradições do povo russo, a equipe falhou grotescamente. Em momento algum as paisagens e cenários parecem com a Rússia. Antes, lembra muito mais uma atmosfera inglesa, que compromete bastante o filme.
O diretor Michael Hoffman também é o roteirista do filme. Em aspectos fílmicos e narrativos, evidenciam uma inexperiência muito grande a ele. O intuito dele era demonstrar a relação devastadora de Tolstói com sua esposa Sofya e o amigo Vladimir. O máximo que conseguiu foram boas cenas isoladas em um filme um tanto arrastado. Não é de espantar que a película demorou tanto para aportar em nossos cinemas.
Reforço: o ingresso só vale a pena para ver Hellen Mirren brilhar. Impressinante como a atriz de produções como Calígula e Tentação fatal evoluiu tanto a ponto de tornar-se uma das atrizes mais reconhecidas dos últimos tempos.

The Glee Project - 1ª Temporada (2011)

2011-08-25T17:35:00.000-03:00

Desde que The Voice acabou, eu andava carente de um bom reality show. Certamente, não sou daqueles que se contentam com A Fazenda 4. Mas minha espera logo terminou quando fiquei sabendo do The Glee Project. Sou um dos que adoram o seriado Glee e, apesar de todos os altos e baixos da última temporada (mais baixos que altos, é verdade), ainda acredito muito no seriado.

Pois bem. Ryan Murphy, um dos criadores de Glee, resolveu fazer uma competição para escolher um talento para estrelar sete episódios do seriado. Mais de 40.000 inscritos dispuseram a participar da maratona e apenas 12 foram escolhidos. Feito isso, dez episódios foram produzidos mostrando todo o processo de seleção e eliminação dos candidatos, um a um, até termos o grande vencedor do programa.

Cada um dos episódios tinha um tema (coisas como teatralidade, vulnerabilidade, sexualidade e por aí), geralmente relacionado a uma das vertentes do programa original. Em cada um, os participantes tinham uma tarefa de casa, onde um dos atores do seriado escolhia um vencedor para passar um tempo com ele. Feito isso, gravavam-se um videoclipe e os três piores na soma dos conjuntos (voz, dança e interpretação) se apresentariam para Ryan Murphy em pessoa. Assim, o cocriador escolheria alguém que deixaria a competição.

Além do criador, o programa conta com a participação de Robert Ulrich (produtor de elenco), do coreógrafo Zach Woodle e da preparadora vocal Nikki Sanders. Aliás, esta última foi uma as melhores coisas do seriado. De jeito doce, a preparadora oscilou muito em suas opiniões sobre os participantes. Seus conselhos, suas caras e bocas e suas palavras afiadas garantiram boas risadas.

Os escolhidos formavam um grupo bastante diversificado e representativo quando falamos de losers. Tínhamos a gordinha, o gay, o anão, o negro, o cristão, o rastafári, a anoréxica e por aí vai... Para quem assisti ao seriado, nada muito chocante. Porém, o que nos esquecíamos é que essas pessoas reais soavam muito mais interessantes que qualquer personagem escrito para o seriado. E foi justamente isso que garantiu a The Glee Project o interesse e o fato de conseguir ser superior ao Glee original. E um detalhe: todos ali possuem um potencial vocal absurdamente superior ao do fraco Cory Monteith (o Finn).

Penso que nem se os roteristas fossem os mais criativos do mundo e conseguissem escrever maravilhas seriam capazes de construir personagens tão densos, tão complexos, tão múltiplos como os que participaram do reality. Se inicialmente representavam apenas tipos, com o passar dos episódios foram ganhando nuances cada vez mais intensas. Conflitos com a sexualidade, travestismos, preconceito, bulliyng, mesquinharia, fofocas, intrigas, lágrimas, exaustão. Tudo aumentando progressivamente culminando em situações dramáticas e igualmente cômicas. Um pacote completo para quem curte boas tramas.

No entanto, nenhum conseguiu superar o próprio criador da série, Ryan Murphy, que se colocou como o personagem principal do programa. Ele fazia tudo de acordo com o que dava em sua cabeça e sua imprevisibilidade foram os pontos altos. Um exemplo clássico foi quando o participante Cameron decidiu deixar o programa por achar que entrava em conflito com sua consciência religiosa. Ao expressar seu desejo, quem não se divertiu ao ver Murphy dizendo: "Pois agora quero que você fique!". Hilário. Ou então acompanhando a maneira como Murphy anunciou os "perdedores" do programa no episódio final. Mais burlesco que isso só acompanhando o resultado final: TODO MUNDO GANHOU. É isso mesmo! The Glee Project não teve um único vencedor. Teve quatro. Uns ganhando mais, outros ganhando menos, mas todos levando alguma coisa. Será que isso vai inaugurar uma nova tendência nos realities?

Sobre os resultados, nenhuma grande surpresa. A novidade mesmo fica por conta de como os roteiristas irão inserir todas essas novas personagens no seriado. Que venha a terceira temporada desse programa que eu tanto gosto. Sem dúvida, para os que assistiram ao The Glee Project, ver Glee terá um sabor todo diferente e especial.

Professora sem classe (Bad Teacher EUA - 92 min.)

2011-08-24T09:59:00.002-03:00

Os roteiristas Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg, a dupla por trás de Professora sem classe é a mesma responsável pelo seriado The Office. E as duas produções têm bastante em comum. Em ambos os casos, temos protagonistas completamente desajustados e com sérios problemas de relacionamentos com seus colegas de trabalho. Além dessas dificuldades, são difíceis de se lidar e possuem uma maneira muito particular de encarar o mundo. No entanto, Michael Scott ainda consegue despertar alguma simpatia em quem o assiste e em quem convive com ele. Já Elizabeth, a tal professora má do título original vivida por Cameron Diaz, conquista a atenção dos outros por causa de seus atributos físicos. Simpatia mesmo, não causa nenhuma. Seu comportamento subversivo só serve para espantar todo ao seu redor.

Como uma verdadeira caça-dotes, Elizabeth detesta a carreira docente e vive em função de encontrar algum homem rico para sustentar suas excentricidades. Depois de ser desmascarada pelo seu mais recente noivo, a professora chega à conclusão que somente conseguirá fisgar um milionário se tiver seios maiores. Retornando à escola que não suporta, Elizabeth bola um estretagema para arrecar os dez mil dólares necessários para submeter-se à cirurgia de aumento das mamas. Para isto, precisará burlar os olhos vivos e atentos de sua colega Amy e ainda tentar levar o imbecil professor de Justin Timberlake para a cama.

O diretor Jake Kasdan resgata um filme de gênero: as tramas escolares. No entanto, se o gênero já produziu pérolas como Ao mestre com carinho e Mentes perigosas, Kasdan resolve descontruir a narrativa e, ao invés de um professor exemplar servindo de grande inspiração para seus alunos, coloca Diaz como uma professora anticonvencional. Elizabeth é desagradável, grosseira, trambiqueira, cheia de vícios, usuária de drogas lícitas e ilícitas; o tipo de mulher para quem os fins sempre justificam os meios, sejam eles quais forem.

Cameron Diaz é bastante esforçada e garante o interesse inicial pela película. Kasdan consegue inserir a atriz em cenas bastante controversas, como consumir maconha no estacionamento da escola, dirigir o carro na marcha ré e com um cigarro na boca, seduzir um funcionário para conseguir os resultados dos exames finais. Contudo, nem sua bela aparência é capaz de segurar o espectador pelos 92 minutos seguintes.

Em um filme de comédia, espera-se que as piadas sustentem o roteiro. Não é o que acontece. Se no início, ver Cameron disfuncional é divertido, depois fica uma sensação de piada repetida. As supostas cenas engraçadas não funcionam. O comportamento pertubado dos personagens, que deveriam arrancar risos da plateia, acabam soando tristes e entediantes. Faltou pulso a Kasdan.

Sobra para os coadjuvantes que despertam um pouco da atenção, especialmente Lucy Punch, como a aplicada professora Amy (ela consegue boas risadas com suas obsessões e fixação em Elizabeth) e Phillys Smith, integrante do seriado The Office. Justin é apenas sofrível e conseguiu fazer a pior cena de sexo deste ano (e olhe lá se não for a pior cena de sexo de toda a história do cinema).

No fim das contas Professora sem classe não se sustenta, possui um roteiro que vai se perdendo ao longo do caminho. Apenas as pernas e a beleza da Cameron Diaz não são suficientes para manter o interesse. E isso merece uma nota 0.

Black Eyed Peas + Faringes da Paixão = Noite boa demais

2011-08-21T14:20:00.001-03:00

É inegável que com o álbum The E.N.D., o Black Eyed Peas concretizaram seus planos de dominação da música pop mundial. Só não escutou o hit "I gotta feeling" o terráqueo que esteve ausente do Planeta Terra nos últimos cinco anos. Se bem que, corre à boca miúda, que o single alcançou o topo da Parada Marsboard!

Músicas sobre a noite e sobre se acabar na pista de dança, existem aos milhões. Mas canções a respeito da preparação para a noite é quase inexiste. A banda liderada por Will.I.Am, pensando nisso, criou um sucesso de batida envolvente, letra grudenta e ótimo potencial para embalar a arrumação de qualquer pessoa para enfrentar a noite. O resultado foi imediato e a música aconteceu de tal maneira que chegou a ficar saturada de tanto tocar nas rádios do mundo inteiro.

A canção original já bastaria para nós brasileiros. Até o menos entendido do inglês saberia usar o bom e velho embromation para cantarolar os versos chicletes da música! No entante, eis que surge do Nordeste (sempre de lá) a genial ideia de fazer uma versão brazuca para a letra. E os responsáveis por isso são os integrantes da banda de nome inusitado Faringes da Paixão.

Sinceramente, nem sei por onde eu começo. Os caras fazem uma espécie de forró pop bem diferente da pegada costumeira levada por Aviões do Forró, Calcinha Preta e cia. É um forró que foge do tradicional e mistura elementos não costumeiros ao ritmo, especialmente uma batida rock mais suingada. O nome escolhido é um caso a parte. Faringes da Paixão soa como nome de novela mexicana produzida pelo Casseta e Planeta ou pelo Maurício Ricardo para o BBB.

Com título e letra trabalhados no Google Translator, sintam o drama de Agora eu sinto:

"Agora eu sinto / Que essa noite vai ser boa demais" talvez não seja os piores versos quando pensamos em "Num sei quê / num sei quê / num sei que lá lá lá lá". O que mais me encanta são os efeitos sonoros originais adaptados para um remix feito ao vivo. É muita cara de pau para pouco óleo de peroba. Sem dúvida, um achado para esses que adoram esse quadro do blog. Faringes da Paixão é um nome que vai deslizar pela sua garganta (pegou o trocadilho?).

PS.: Mais uma ajuda inestimável do igualmente inestimável @Hugo_Avilar.

Balada do amor e ódio (Balada Triste de Trompeta Espanha, França , 2010 - 107 min.)

2011-08-20T11:47:00.001-03:00

Nunca me esqueço o impacto que os primeiros minutos de O resgate do soldado Ryan causou na minha mente cinéfila quando o assisti pela primeira vez. Aquela sequência inicial era absurdamente impactante e com um realismo inédito para filmes de guerra, ainda mais um filme de guerra dirigido por Spielberg. Uma barbárie sem fim. Uma grande pena que o decorrer da produção não fez jus a esse início tão maravilhoso.

Algo semelhante acontece com este Balada do amor e do ódio, produção franco-espanholada dirigida por Álex de la Iglesia. Os primeiros dez minutos da produção são um misto de lirismo e sadismo impressionante. Nele acompanhamos o início da Guerra Civil Espanhola que colocou no poder o general Franco. O pequeno Javier vê seu pai e as demais pessoas que trabalhavam no circo sendo forçadas a participar da luta armada. O pai de Javier é um palhaço e a imagem que vem a seguir é igualmente assombrosa. De posse de um facão, o palhaço sai dizimando os soldados espanhóis com a destreza de um açougueiro. Impossível não rememorar o Coringa em seu auge de insanidade.

Anos mais tarde, já adulto, Javier começa trabalhar em um circo como o "palhaço triste", aquele que serve de escada para que o outro palhaço faça suas graças. Esse outro é justamente Sergio, um psicopata beberrão, extremamente agressivo e violento, ciumente, que não gosta de ser contrariado, mas que leva muito a sério a sua função de divertir as crianças. Ele tem um relacionamento controverso com Natalia, a bela trapezista. O amor de ambos é regado a sangue, tapas e violência doméstica. Não demora muito para Javier apaixonar-se por ela também. O que se vê a seguir é esse triângulo amoroso levado a consequências tão extremas, recheado de atrocidades inimagináveis com requintes de automutilação.

O visual do filme é extremamente barroco. O acinzentado da fotografia é tão extremo que qualquer item com um colorido mais forte é suficiente para chamar a atenção do espetador. O cenário, os figurinos, a direção de arte. Tudo absurdamente carregado. Lembra a benéfica poluição visual apresentada em Moulin Rouge, por exemplo. Tecnicamente impecável e visualmente instigante.

O trio de protagonista é igualmente estupendo. Carlos Areces, Carolina Bang e Antonio de la Torre atuam como se este fosse o último filme em que irão participar em suas vidas. Uma entrega honesta, intensa e visceral. Poucas vezes vemos atores atuando com tamanha entrega.

Porém, o problema maior enfrentado por Balada do amor e do ódio está na estética narrativa adotada por Iglesia. Os constantes saltos temporais causam um certo incômodo inicialmente. O espectador pode pensar que se acostumará depois de um tempo, mas engana-se. Até o fim do filme, esta opção narrativa não se torna costumeira. O problema é que os outros elementos vão se tornando cada vez mais caóticos e os saltos deixam de incomodar.

A medida que o filme avança, as projeções na tela vão se tornando cada vez mais absurdas, nonsenses, bizarras, grotescas e toda sorte de adjetivos relacionados às esquisitices propostas pelo espanhol. Tudo como uma grande palhaçada tenebrosa, onde o riso cede espaço ao medo e ao desconforto. Toda esse espalhato serve também para disfarçar falhas no roteiro e personagens secundários sem profundidade alguma.

Contudo, a experiência promovida pela produção é válida. O acúmulo de referências pops, que vão de Hitchcock aos filmes de monstro, farão qualquer mente cinéfila dar duplos twists grupados dentro cabeça. Como uma grande opereta pós-punk, Balada do amor e do ódio promove uma grande alegoria para o período mais negro da história espanhola, a violenta ditadura franquista. E diante disso, é impossível permanecer indiferente ao término da projeção.

Sirens - 1ª Temporada (2011)

2011-08-18T13:55:00.001-03:00

O mundo está saturado de séries acompanhando a rotina de médicos e outros profissionais responsáveis em salvar a vida dos outros. Vez por outra, pipocam produções debruçando-se sobre a árdua labuta de médicos, paramédicos, policiais, bombeiros. Elas costumam esbanjar no melodrama, nas situações extremas. Ou então seguem uma linha totalmente oposta, abordando o tema de maneira mais leve, com doses generosas de ironia e sarcamos. Sirens, série britânica com uma temporada de apenas seis episódios e produzida pelo Channel 4, faz parte do segundo grupo. O que porém a distingue de todas as outras séries médicas que tratam os problemas da profissão com ironia e sarcasmo?

A série acompanha um trio de paramédicos, Stuart, Ashley e Rachid, e uma policial, Maxine, vivendo na cidade inglesa de Leeds. Juntos, eles terão que aprender a confiar uns nos outros e superar os obstáculos de sua profissão. Com um trabalho tão intenso como esse e tendo que lidar com as mais tristes situações que o dia pode oferecer, o quarteto ainda terá que encontrar o equilíbrio de suas vidas com a chocante realidade diária.

O roteiro é um dos pontos fundamentais da trama. Nunca tinha assistido a nenhuma série inglesa, mas já me familiarizei com a forte carga de humor negro, tão presente em filmes produzidos na terra da Rainha. A escrita é muito bem estrutura e os diálogos incrivelmente compostos, servindo deliciosamente aos interesses da trama. Transbordam referências à cultura pop em geral e muitas sacadas espertíssimas.

O elenco não fica atrás. Os quatro atores principais e os coadjuvantes que servem de apoio a eles estão irrepreensíveis. De todos, o único que eu conheço é Richard Madden, que pode ser visto em Game of Thrones. Ele interpreta Ashley, disparado, o meu preferido. Ele interpreta um gay bem resolvido com sua sexaulidade, longde dos estereótipos e com alguns traumas a serem superados. Rhys Thomas é Stuart, o protagonista problemático, solitário, rancoroso e amargo, que possui uma das viradas mais incríveis que eu já vi em um personagem. Kayvan Novak, como o marroquino Rachid, é como um adolescente eterno, que cresceu de tamanho, lida com vários conflitos pueris e responsável pelo alívio cômico da série. Completando o quarto, há Amy Beth Hayes, conferindo um ar bem durão à sua Maxine, com pouca feminilidade e sofrendo em busca do seu amor.

Os quatro tem sérios problemas de relacionamento e são muito ligados à questão sexual. Preparem-se para algumas cenas bem despudoradas, mas nada de gosto duvidoso. Todas muito bem inseridas dentro do plot. Na selva urbana, não basta apenas localizar um parceiro para a cópula. É necessário outros mecanismos para preservar esse parceiro.

Em alguns momentos, lembra muito Grey's Anatomy. Especialmente quando o drama pesado é intercalado com ótimas cenas de paisagens locais embaladas por uma eficiente trilha sonora e com partes de humor leve. As questões filosóficas e emocionais colocadas na tela são profundas e atingem a cerne dessas simpáticas personagens. Cada episódio, focado em um dos protagonistas, servem como verdadeira terapia, não só para eles, mas para nós também. A reação catártica de cada capítulo atua como divisor de águas na vida deles e isso contribui para uma maturidade e profundidade de discussão muito rara na televisão mundial.

Sem dúvida, umas das mais gratas surpresas do ano. Agora é torcer para uma nova temporada no ano que vem. Uma boa lição de como fazer uma boa série em apenas seis episódios, com trama reveladora, original e única. Sirens é, sem dúvida, uma série a se considerar seriamente.

Animais unidos jamais serão vencidos (Konferenz der Tiere/ Animals United, Alemanha 2010 - 93 min.)

2011-08-17T10:15:00.001-03:00

Minha sábia avó já dizia algo, inspirada na sabedoria popular: de boas intenções, o inferno está cheio. E soma-se a essa fileira de boas intenções essa produção alemã feita em 3D (sim, caros leitores, a Alemanha produz animações em 3D!). Animais unidos jamais serão vencidos vem engrossar o coro mundial sobre questões climáticas e ecológicas.

Nas telas, um grupo de animais, liderado pelo atrapalhado Billy, decide sair da região onde vivem, na África, já que estão ameaçados pela seca, e buscar uma nova fonte de água. Na aventura, eles descobrem que a escassez de água é culpa dos seres humanos, que construíram um hotel de luxo e represaram a água. Após realizar uma conferência com todos os animais, os bichos decidem mudar a situação.

Os principais problemas do longa alemão começa na construção de suas personagens, a começar pelo insólito grupo deles: uma família de suricatos, um leão, uma girafa, uma elefanta, um búfalo, um rinoceronte, um casal de tartarugas, uma ursa polar, um coala, um canguru, um diabo-da-Tasmânia, um galo e um chimpanzé. Todo mundo reunido em algum ponto perdido na África. Não que tenha alguma complicação reunir esse grupo tão diversificado. Mas, a maneira como todos esses se juntam em prol de uma causa comum soa meio forçada.

Ainda dentro da construção das personagens, os seres humanos retratados nas telas também são estereotipados. Para começar, são desprezíveis e quase não possuem importância dentro da animação. Quando surgem é para instalar um hotel eco-sustentável no coração africano, mantido graças ao represamento de um rio, fundamental para a sustentabilidade do ecossistema selvagem. Ao retratar os humanos assim, o filme coloca todo mundo dentro do mesmo balaio de gato, como se cada pessoa na Terra fosse a culpada pela degradação do meio ambiente e não fizessem nada para reverter o processo. Desconsidera-se esforços hercúleos feitos por milhões de pessoas conscientes de seu papel no mundo e do equilíbrio natural das coisas.

Em um filme que se pretende pregar a conscientização para a degradação do planeta, parece muito pouco colocar animais versus humanos em uma sequência de cenas de "ação" mal produzidas e sem empolgação. Parece aquelas palestras tediosas feitas por um orador mecânico, apoiado em slides sem capricho. Nem as tiradas cômicas à la Pixar salvam o roteiro do maniqueísmo e do marasmo.

A parte técnica também deixa muito a desejar. As paisagens, quando são mostradas à distância em planos panorâmicos podem até impressoinar. No entanto, quando olhadas em closes, evidencia uma pobreza nos traços. Nem parece que a computação gráfica evoluiu tanto desde Toy Story. Apesar da produção em 3D, o filme aparenta ter saído de algum lugar antes de 1995.

Sobraram boas intenções no filme, mas faltou o essencial: faltou cinema. E isso, mesmo para os pequenos, é imperdoável.

Às vezes eles crescem...: Kayky Brito

2011-08-15T19:52:00.003-03:00

Faz tempo que eu não faço uma sessão dessa aqui no blog, por isso resolvi matar saudades, minha e a de vocês. Aqui a gente faz a nossa mea culpa, porque pegamos aquele(a) fedelho(a) irritante que éramos obrigados a ver em novelas, seriados e comerciais e vemos que fim levou o(a) tal depois de alguns anos. A bola da vez é Kayky Brito.

No começo, ele só era o irmão mais novo da Stephany Brito, a relativamente famosa atriz mirim. Então, ele ganhou o papel principal da novela de Antônio Calmon, O beijo do vampiro. Com seu personagem Zeca, uma espécie de Harry Potter brasileiro, Kayky esbanjou talento e simpatia, conquistando uma boa parcela de fãs. Vamos relembrar a fofurinha do ator na época?

Pois bem. Os anos foram passando, o menino foi crescendo e, logicamente, tratou logo de cuidar do corpinho e do visual. Passou a beber doses diárias de Comfort para aumentar a sua maciez, transformando-se em um rapaz incrivelmente bonito e irresistivelmente imagético. Abalando corações por onde passam, é um alívio vermos que o moço cresceu muito bem. Querem ver como ele ficou depois da primeira vez que o vimos em 2002?

Sim, eu gosto de cultura pop, transformando meninos em homens...

Marte precisa de mães (Mars Needs Moms! EUA, 2011 - 88 min.)

2011-08-15T10:16:00.001-03:00

Eu preciso levar um tapa na cara por não confiar nas pessoas que entendem de cinema. Quando mais de cinco críticos especializados criticam uma coisa, por que é que eu teimo em perder o meu tempo e assistir? Será que é uma espécie de gosto masoquista em ser do contra e mesmo assim me estrepar lindamente?

Com o tempo que eu desperdicei assistindo a esse Marte precisa de mães, eu poderia ter lido algumas páginas a mais de um bom livro ou mesmo colocado a minha leitura das revistas em ordem. Mas não. Fui teimoso, vi várias pessoas caindo no burado antes de mim e decidi que eu mesmo deveria cair também.

Há muito tempo o nome de Robert Zemeckis deixou de ser sinônimo de sucesso garantido e de uma boa diversão. Esqueçam os anos áureos de De volta para o futuro, Uma cilada para Roger Rabbit ou até mesmo os dramas mais sérios de Forrest Gump. Agora que o diretor se aventurou em animações baseadas no esquema de captura de movimentos, ninguém mais tira ele dessa. Ainda bem que nessa nova empreitada ele foi apenas o produtor. Assim, a merda não respingou tanto nele.

No filme, Milo é um garoto de nove anos idade, que recebe uma inesperada surpresa: sua mãe é capturada por marcianos que planejam apagar sua mente e usá-la para cuidar de seus respectivos filhos. Milo, porém, não aceita o sequestro de sua mãe e embarca numa aventura em Marte para salvá-la, reconhecendo o verdadeiro valor que sua mãe possui, junto da alienígena Ki e do carismático Gribble.

Como se a sinopse não fosse suficiente o bastante para afastar qualquer espectador um pouco mais inteligente. A premissa é muito semelhante com a do indicado ao Oscar Jimmy Neutron - o menino gênio. Só que com uma pequena diferente: esse era mais interessante e não subestimava o intelecto de seus espectadores.

É complicado dizer qual o erro de Marte precisa de mães. O correto é afirmar que todo o filme está errado. Naturalmente, os gráficos são bem feitos, a arte final é bem definida, as cenas de ação conseguem oferecer certo empolgamento. Mas nada disso supera os defeitos narrativos. Uma boa história pode ser feita apenas com folha e desenhos rústicos que ainda assim fará sucesso. Se você não tem um bom roteiro e uma direção competente, pode ter milhões gastos na captura de investimento, produtores renomados envolvidos, estúdios tradiocionais, que o filme não vai decolar e será um retumbante fracasso. Simon Wells cometeu dois crimes: é o diretor e um dos roteiristas do filme. Amargou uma das piores porcarias lançadas este ano. E o senhor Zemeckis precisa urgentemente criar um produto que nos faça rememorar o bom diretor que ele foi um dia. Caso contrário, o ostracismo o aguarda.

Se Marte precisa de mães, o espectador precisa de muita paciência para aguentar os 88 minutos de projeção.

Beyoncé + Pop Tupiniquim = Edineia Macedo

2011-08-14T11:41:00.001-03:00

Que Beyoncé é uma das cantoras pop mais bem sucedidas da atualidade, todo mundo sabe. Ainda mais agora que seu último lançamento está bombando (você pode acompanhar a crítica aqui). A nossa diva, há alguns anos, lançou uma música que é a verdadeira forma de se dar a volta por cima após o término de relacionamento.Lembram-se de uma fala de o Clube das desquitadas que era mais ou menos assim: "Não fiquem com raiva; fiquem com tudo"? Era basicamente essa a mensagem da canção "Irrepeceable". Na letra, Beyoncé expulsa o cara de sua vida, coloca todas as coisas dele em uma singela caixa, tira até mesmo o blusão que ele está vestindo e joga a última pá de terra sobre o caixão ao dizer que o próximo cara chegará em breve, portanto, o ex deve sair bem rápido. A música fez sucesso, tocou absurdamente e o clipe é bem bacana. Acompanhem abaixo.

Adoro a cara que a nossa deusa de ébano faz enquanto lixa as unhas logo no começo do clipe. Diva é diva.

Pois bem, o fato é que tudo que é sucesso no mundo sempre ganha um espacinho no pop tupiniquim. E não é que a música conseguiu emplacar uma versão naciona bem cara limpa, bem deslavada?

E a responsável por isso não é ninguém menos que a nova musa pop do Youtube. Vinda diretamente do Piauí, tenho orgulho de apresentar a vocês a voz e o estilo único de Edineia Macedo (insira aqui uma trilha sonora de suspense de sua preferência. Sugestão: a trilha de O Exorcista cairia muito bem).

A versão nacional é tradução literal da música, palavra por palavra. Então, você pode perceber que em algumas passagens a piauiense canta frases aceleradamente para que tudo se encaixe dentro do ritmo e você não perca nenhum detalhe. Ver Beyoncé cantando "to the left, to the left" é uma coisa. Outra é ver nossa musa Edineia Macedo recitando "a esquerda, a esquerd / todas as suas coisas estão na caixa a esquerda". Sem mais delongas, confiram o que eu estou dizendo:

Depois de ouvirem a música, nem tem muito o que dizer. Só nos resta curvar diante da voz singular de Edineia Macedo. Ah, ela vem postando diversos vídeos no Youtube, nos quais exibe sua aparência única, suas coreografias peculiares e bailarinos exóticos. Vale muito a pena. Sério. Vamos prestigiar essa nova musa pop tupiniquim.

Mais uma vez, os meus sinceros agradecimentos ao @Hugo_Avelar pela dica.

A informante (The Whistleblower, Alemanha/Canadá, 2010 - 112 min.)

2011-08-13T20:42:00.002-03:00

Existe um tipo de cinema que sempre me interessou: é o cinema denúncia. Geralmente, a sétima arte é utilizada para levar ao conhecimento da massa algumas situações tão grotescas cometidas por seres humanos, que chega-se a imaginar que se trata de uma mera ficção. Mas, infelizmente, não é.

Tráfico de mulheres e exploração sexual é mais comum que se imagina e, vez por outra, chega à mídia denúncias relacionadas a esse tipo de acontecimento. Se isso choca quando vem de uma parcela comum da sociedade, revolta quando se descobre a participação de autoridades que, teoricamente, deveriam defender as mulheres contra esse tipo de violência.

O filme A informante, da estreante em longas Larysa Kondracki, aborda a corrupção, tráfico e prostituição de jovens Sérvias escravizadas e abusadas sexualmente ao chegarem na Bósnia. E o pior: tudo acontecia com o envolvimento da polícia local, da IPTF (International Police Task Force), de funcionários da Organização das Nações Unidas e diplomatas.

A rede é descoberta por Kathryn Bolkovac (Rachel Weisz), uma policial do Nebrasc, que recebe uma oportunidade de trabalhar na polícia pacificadora na Guerra da Bósnia e ganhar um dinheiro a mais e ter condições de morar mais perto da filha cuja custódia ficou com o pai. Durante uma investigação de um caso qualquer, Kathryn encontra algumas meninas (elas chegam a ter apenas 15 anos!) e é exposta crimes asquerosos impostos por seres humanos amorais (homens e mulheres), ignorando qualquer sentimento de empatia, compaixão e agindo apenas em nome da ganância.

Larysa pode até ser estreante, mas seu estilo de direção é duro e sem suavizações. Exatamente o que um longa dessa natureza e com esse tipo de temática exigia. Ela é corajosa em submeter seus espectadores a um clima de crescente tensão, agravado por cenas repulsivas e capazes de revoltar qualquer pessoa com o mínimo de empatia e gerar um ódio pela impunidade, discriminação e intolerância.

Rachel já provou ser uma atriz competente e aqui repete seu bom trabalho. Se boa parte da indignação do público ante a nulidade dos esforços heroicos e hercúleos da policial em impedir a continuidade desses crimes, a razão para isso é o trabalho competente da atriz. Compadecemo-nos diante da impotência da policial e de todos os riscos que ela corre em fazer valer a sua obrigação como policial. O filme conta ainda com participações fundamentais de Vanessa Redgrave, David Strathairn e Monica Bellucci.

Um filme como esse coloca o espectador em uma posição bastante inquisitora. Narualmente, há um mundo lá fora e, geralmente, esse mundo não é um dos melhores e as pessoas nele não são tão bondosas quanto acreditamos. Muitas valem-se da miséria humana e das condições complicadas impostas por uma guerra para lucrarem com a desgraça alheia. E, mais que isso, situações como a ocorrida na Bósnia evidencia um pensamento machista acerca da posição da mulher. Acreditar que a humanidade superou questões relacionadas à opressão feminina é ingenuidade e, até mesmo, utopia.

É saudável que pessoas como a diretora Larysa Kondracki façam um cinema interessado em conscientizar seus espectadores para as mazelas que ainda ocorrem graças à impunidade e a corrupção de órgãos criados para nos salvar, não nos punir.

P.S.: pena que a obra foi lançada no Brasil direto em DVD. A trama perde um pouco a sua força e não atinge tantas pessoas como deveria.